28 mar. 2011

La suciedad.




Dirt: the Filthy Reality of Everyday Life” viaja a través de siglos y continentes para explorar la relación ambivalente que hemos tenido con la suciedad. Con alrededor de 200 objetos que abarcan artes visuales, fotografía documental, efemérides culturales, objetos científicos, cine y literatura, la exposición da cuenta de una rica historia de repugnancia y placer en las sucias verdades y secretos de nuestro pasado, y apunta al incierto futuro de la suciedad, la que plantea un riesgo significativo para nuestra salud, y a la vez es vital para nuestra existencia.
A raíz de la observación de la antropóloga Mary Douglas de que la suciedad es "materia fuera de lugar”, la exposición presenta seis lugares muy diferentes como punto de partida para explorar distintas actitudes hacia la suciedad y la limpieza: una casa en el siglo XVII en Delft, Holanda; una calle en el Londres victoriano; un hospital de Glasgow en la década de 1860; un museo de Dresden del siglo XX; una comunidad en la actual Nueva Delhi; y un vertedero en Nueva York del año 2030. Destacan dentro de "Dirt" pinturas de Pieter de Hooch, los primeros bocetos de las bacterias, John Snow y su "mapa fantasma" del cólera, bellas piezas de artesanía holandesa del siglo XVII, la parafernalia científica de Joseph Lister, y una amplia gama de arte contemporáneo, que va de la alfombra de polvo de Igor Eškinja, la escoba de Susan Collis y la ventana de suciedad de James Croar, a las piezas de vídeo de Bruce Nauman y Ukeles Mierle y una obra especialmente comisionada a Serena Korda.

24 mar. 2011

Anna Maria Maiolino






A primera vista, el trabajo de Maiolino parece tocado por una ligereza que desaparece progresivamente según avanza la exposición y nos fijamos en los detalles de su laboriosa y metódica producción. Cada vez se hace más evidente la importancia que tienen para su creadora la técnica, la forma y la materia. Sobre esos tres ejes, construye un corpus en mutación permanente, abierto a la exploración en cualquier medio o disciplina. Piezas en las que transitan evocaciones sobre la identidad, alusiones a la situación política de Brasil durante la dictadura y un aliento audazmente imaginativo, enriquecido por una pátina poética que centuplica el voltaje de su significado y sentido. Visto en contexto, Anna Maria Maiolino hace de todo y en todo logra una excelencia que proviene al mismo tiempo de la curiosidad y de la experimentación, del apasionamiento y del rechazo a los lugares comunes, dejando claro que estos son asuntos tanto de elección como de compromiso.
Quizás cueste reconocer a Anna Maria Maiolino como una artista emblemática del siglo XX, aunque haya demostrado tanto durante su ininterrumpida trayectoria en cantidad, en calidad y en singularidad. El amplio espectro de temas, intereses y actitudes que pueblan su proyecto no sigue un desarrollo lineal y exigen la atención del espectador y toda su capacidad reflexiva. La suya no es, pues, una invitación a la simple contemplación. Los distintos registros de su trabajo, cargados de simbolismo y repletos de sentido, se convierten, a través de sus conexiones arteriales, en un espectáculo lleno de encanto y misterio donde resulta muy difícil destacar una obra por encima de otra. Dice el escritor Vicente Núñez que sólo la poesía desobedece al lenguaje: lo desobedece para someterlo. Anna Maria Maiolino lleva el sofisma a su máxima expresión y lo aplica a su trabajo para arrancarle al arte momentos de belleza insólita que exigen, con magnetismo, la decisión de mirar.
 La artista siempre presentó una preocupación por encontrarse a sí misma, encontrar una identidad. Buscó un lenguaje propio dejando de lado ciertos pudores.
“Perdí la lógica, la obligación de ser coherente, me liberé de la catequesis. Gané libertad”

23 mar. 2011

Simon Norfolk




Simon Norfolk  joven fotógrafo que formula a través de su obra una serie de preguntas, de no fácil respuesta, con un enfoque, intensidad e intención precisos. La guerra y sus devastadores efectos sobre la sociedad y el hábitat son sus temas principales de estudio. Sus imágenes diseccionan el espacio y el paisaje posbélico y sus efectos inmediatos: la forma física de nuestras ciudades y entornos naturales, la memoria colectiva y la psicología de las sociedades.
Él examina entomológicamente el genocidio, el imperialismo, las interconexiones de la guerra, la tierra y el espacio militar, y cómo aquellas se libran al mismo tiempo con supercomputadoras, satélites, tecnologías sofisticadas, armas convencionales e, incluso, equipos obsoletos, la intervención de las comunicaciones y la manipulación de los medios de comunicación. Todo ello con mirada pausada, reflexiva, sin las urgencias ni los traumas que se podrían esperar sobre un tema como es el de la guerra.

Su obra se caracteriza por tener al paisaje como tema principal, y por desarrollar una meticulosa técnica basada en la tradicional cámara de placas. Sus fotografías muestran espacios desolados o, frecuentemente, arrasados por la acción bélica. La aplicación de cánones estéticos semejantes a los de aquella tradición romántica que encontraba la belleza en una cierta forma de miseria, la ausencia de la figura humana, o la deliberada construcción de escenarios que surgen de un aparente desorden, son algunos de los rasgos que mejor definen su trabajo.

Juliao Sarmento





Juliâo Sarmento (Lisboa, 1948) es uno de los artistas de mayor influencia y proyección internacional en el panorama contemporáneo portugués. Detrás de cada una de sus obras subyacen las obsesiones de un artista que continuamente plantea interrogantes sobre el deseo, la ausencia, el tiempo, el cuerpo, la narración y la palabra. Es precisamente este último binomio –narración y palabra- uno de los más importantes en su trabajo, puesto que para el artista el uso de la palabra despierta un asombroso interés por su carácter de nexo.
Remarks on colour es el título de la exposición que el portugués Julião Sarmento presenta en  Londres actualmenteTomando el título de las notas filosóficas de Ludwig Wittgenstein del mismo nombre, Remarks on colour disecciona los mecanismos que intervienen en nuestra percepción sensorial del color.
Utilizando diversos medios (pintura, dibujo, fotografía, cine, instalación)  Su obra está presente sin ser meramente conceptual.