29 jul. 2011

Makoto Aida


Makoto Aida fue uno de los terribles Japón enfant, junto con Murakami y Yoshitomo Nara, que se llevó a la escena artística internacional por la tormenta en la década de 1990.  Estos artistas habían crecido después de la guerra, mientras que el proceso de reconstrucción de Japón estaba en pleno apogeo.  Ellos experimentaron el rápido ascenso de la economía japonesa durante la década de 1980 embriagadora, y la mayoría de edad, rodeado por la cultura pop. Que se inspiró en esta, utilizando el lenguaje de la manga y el anime para transmitir su mensaje.
Aida es iconoclasta e intransigente, variado su trabajo y provocador.Y él se esfuerza por la que el espectador incómodo: Ya se trate de videoing mismo masturbarse delante de una gran pancarta que dice "niña hermosa", vestido como Osama bin Laden para el proyecto de una noche de sábado de video en vivo al estilo, o el bombardeo de la pintura Nueva York por aviones japoneses.
A la edad de catorce años, me obsesioné con la cualidad mágica niñas tienen", dice. "A medida que me hago mayor, la diferencia de edad se ensancha, y sin embargo, la atracción casi magnética de estas chicas se hace más fuerte y más fuerte." Sin embargo, el artista pone de relieve, no es un interés romántico. Más bien, es un recordatorio de su juventud y su envejecimiento"Una de las razones principales por las que no es romántico es lo desesperadamente que es imposible", dice.
  "Creo que las kogals en la década de 1990 eran originales", dice. "Históricamente, e incluso a nivel mundial, que eran únicos, y que buscaba una manera de transmitir." Vino la inspiración de un grupo de chicas de secundaria en cuclillas en el suelo en Shibuya. . "La escena me recordó a los guerreros sitiados que han decidido suicidarse en masa." Fuera de esto, Aida creado Harakiri School Girls, originalmente como un cartel para anunciar su primera exposición individual en 1999, y más tarde como una pintura de la Bienal de Singapur 2006 .
  Mezclada con humor negro, la obra muestra a un grupo de escolares vestidos de uniforme, hundiendo samurai espadas en sus estómagos, destripar sí mismos, y cortar su propia cabeza. . El flash de una hoja crea un arco iris en la sangre que brota del cuello de una niña. Un chorro de sangre fluye a través de un curioso gato, volantes karaoke, y los tejidos descartados, en el desagüe.Harakiri School Girls es una alegoría de la mentalidad distorsionada de la juventud japonesa en el momento y el ambiente de la sociedad japonesa", explica Aida. . "Después de que la economía de la burbuja se derrumbó, sentí que un aire de pesimismo se extendía a través de Japón como un virus." Todo lo que podría haberse visto lindo y feliz, pero debajo de esa capa hervía el abatimiento y la oscuridad.  Durante los años noventa, el número de suicidios aumentó año tras año, y de acuerdo con Aida, el patriotismo japonés secó.  Estos escolares, dentro de sus calcetines sueltos y uniformes escolares, símbolo de todo el país, matando a sí mismo.

“Azemichi” or “A Path Between Rice Fields”. "Azemichi" o "un camino entre campos de arroz".
Aida no quería simplemente un fetiche uniforme llevaba las niñas o crear una versión moderna de la tradicional bijinga (fotos de mujeres hermosas). En su lugar, creó un homenaje a las obras del artista Yoshitoshi brutal ukiyo-e (1839-1892) y el Ekin pintor (1812-1876), ambos conocidos por su trabajo espantoso y grotesco que muestran decapitaciones, apuñalamientos y escenas dramáticas de la muerte. "Con el fin de escapar del erotismo del desnudo, o más explícitamente los genitales", dice Aida ", que representa la sangre y órganos internos." Y las niñas con uniforme escolar. Killing themselves. Quitarse la vida. Smiling. Sonriendo.
Aida, que también ha incluido las alumnas en sus pinturas y Azemichi Imagen de la cascada, cree que el uniforme se adapte fundamentalmente a los japoneses. y. No, ya que proporcionan la conformidad, pero debido a que proporcionan un sentido de pertenencia a un grupo, algo que es sumamente importante en la sociedad japonesa. El concepto de ser "en" o "fuera" es tan culturalmente arraigada de que cuando los padres quieren castigar a los niños pequeños, ellos amenazan con bloquear fuera de las casas, lo que les hacer fuera del grupo familiar., sin embargo, ofrecen una sensación de ser parte de algo. Sin embargo, en los últimos 200 años, Japón se ha convertido en occidentalizada de las culturas que la individualidad de valor. "La base para los japoneses no es el individualismo occidental, y se queda nuestro estilo asiático pensamiento de grupo", dice Aida.  Esto crea una paradoja, y como dice el artista, en el Japón de hoy "todo está muy deformado".






. "No hay un gran despliegue de originalidad en Japón", dice Aida. "Al copiar mucho de Occidente, hemos caído en su condición de importadores de ideas.  Y si siempre se preocupan por cometer un error, usted se marchitan. "Sin embargo, continúa, los japoneses se muestran originalidad en la baja cultura y el pop. "En el pasado, por ejemplo, hubo ukiyo-e, mientras que ahora hay manga y el anime.  Tradicionalmente, el Japón no pensar en la exportación de sus propios originales sub-cultura, pero lo mantuvo en el interior del país, donde podría crecer y evolucionar. Kogals son un ejemplo perfecto de que los fenómenos "Kogals es un original en japonés.(tradución google)

24 jul. 2011

Miwa Yanagi

Nacida en Kobe en 1967, Miwa Yanagi es una de las más destacadas artistas trabajando en el campo de lafotografí­a y del video hoy en dí­a. Su temática gira en torno al papel que desempeña la mujer en la sociedad.Sus tempranas series “Elevator Girl” representan esa ocupación tan única y exclusivamente femenina que existe en Japón. El reducidí­simo espacio en el que las uniformadas chicas del ascensor repiten un dí­as tras otro las mismas palabras y los mismos gestos pretende ser una metáfora de las restricciones que la sociedad impone sobre el comportamiento de la mujer.
En las series que llevan como tí­tulo “My Grandmothers” Yanagi pide a una serie de chicas que imaginen cómo serán sus vidas dentro de 50 años, tiempo en el que posiblemente ellas ya estarí­an libres de cualquier presión social y podrí­an por tanto hacer cualquier cosa que desearan.Yanagi elige deliberadamente las respuestas menos convencionales (ellas son abuelas no felizmente casadas rodeadas de una familia en estas series) y fotografí­a a las chicas en estos papeles imaginarios, usando el ordenador para conseguir el efecto de envejecimiento de sus caras.
En el año 2004, en sus series “Fairy Tales”, continúa explorando el tema de la identidad de la mujer fotografiando escenas de historias conocidas en las que aparecen chicas jóvenes y ancianas. Un par de ejemplos son las fotos inspiradas en los cuentos de hadas de los Hermanos Grimm o incluso en la novela de Garcí­a Márquez “La increí­ble y triste historia de la cándida Eréndira y su abuela desalmada”.







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Fred Eerdekens

Fred Eerdekens (1951 Heusden-Zolder) esculturas de sombras. Palabras que son capaces de transformar ideas, pensamientos y vidas enteras. Las obras de este artista belga las colocan en un sitio fuera del común, donde cada letra nace sin quererlo y va formando poco a poco un significado, un profundo mensaje para reflexionar. A partir de una simple luz contra una pared, Eerdekens crea esculturas hechas de alambra, velas o cemento – que a primera vista solo parecen un enmarañado de materiales sin forma – pero que al ser proyectadas escriben bellas palabras y frases. Para el artista, el objetivo de su obra es usar las palabras como una existencia real. Las palabras sustituyen a algo, son usadas en la ausencia de este “algo” y en su trabajo las sombras mantienen su memoria como si estuviesen presentes. Su idea surgió cuando ya cansado de dibujar las mismas formas cuando estudiaba arte, buscó nuevas maneras de representar y componer la realidad.







16 jul. 2011

Boris Mikhailov


Historia de un caso
Hay muchas maneras de utilizar el cuerpo humano como herramienta de protesta pero como lo hace Boris Mikhailov es impactante.Sus imágenes, testigos de una realidad social, no muestran la vida cotidiana sino que la manipulan, pero nos obligan a reflexionar sobre lo que verdaderamente ocurre en este mundo.Boris Mikhailov, nació en 1938 en Kharkov, Ucrania vive y trabaja en Ucrania y en Berlín. Historia de un caso la percepción documentos  de la desintegración social resultante de la desintegración de la Unión Soviética - tanto en términos de estructuras sociales y la condición humana resultante. Historia de un caso los documentos de la opresión social, la devastadora pobreza, la dureza y la impotencia de la vida cotidiana de las personas sin hogar.
"En primer lugar, estas eran las personas que recientemente había perdido sus hogares.  De acuerdo con su posición en la que ya eran bomzhes ("bomzh" = las personas sin hogar, sin ningún tipo de apoyo social), de acuerdo a las perspectivas eran simplemente la gente que se metió en problemas. "
"Ahora se están convirtiendo en bomzhes con su psicología propia clase y" características del clan ". Para mí era muy importante que les tomé fotos cuando aún eran como personas "normales". Hice un libro sobre la gente que se metió en problemas, pero no logró endurecer hasta el momento. "De pronto sentí que muchas personas iban a morir en ese lugar. Y el bomzhes tenía que morir en la primera fila, al igual que los héroes - como si sus vidas protegidas vidas de los demás ".
"Es un mundo desgraciado, poblada por unos seres que alguna vez fueron seres humanos, pero ahora estos seres vivos son degradados, horrible, espantoso. "Me tomé las fotos mostrando a la gente desnuda con sus cosas en las manos como la gente va a las cámaras de gas".
Lo que ocurrió sobre las ruinas del imperio ex-soviético sigue siendo único.  Las motivaciones son diferentes.  Desaliño de estos tipos es el espejo de la ruina y la desilusión de un número mucho mayor de personas, la mayoría de los cuales no se sienten seguros y ricos, como en la época soviética, los ideales de muchas personas se han ido para siempre, otros simplemente han vuelto locos! He tomado fotos de ellos y lo he disfrutado, y tal vez todo el mundo tiene una mejor comprensión de los dramas post-comunista a través de estas secuencias tomadas directamente del natural. "
Podemos ver mas aqui




15 jul. 2011

Ugo Rondinone

Artista lástico suizo afincado en Nueva York. Emplea diversos soportes y su obra se caracteriza por explorar la fantasía y el deseo. En buena parte de sus trabajos fuerza al espectador a meditar sobre unas obras de colores muy brillantes o borrosos, o bien anillos concéntricos en forma de objetivos, o bien sus paisajes en blanco y negro de árboles nudosos que parecen erizarse con energía.
La Noche de Plomo
Un viaje introspectivo, un recorrido por un paisaje onírico derealismo emocional, articulado a través de cinco capítulos principales que atraviesan la frontera entre sueño y realidad mediante un juego de símbolos y metáforas asimétricas y lamanipulación del tiempo y espacio. Las cinco salas que componen la exposición no funcionan de manera lineal, sino simultáneamente, en sincronía, de manera muy similar a los símbolos y voces oníricas, que apelan a la libre asociación, al imaginario colectivo del espectador. La Noche de Plomo sugiriere en su conjunto la idea de una noche en blanco, tan densa como pesada, capaz de albergar una multiplicidad de temporalidades, quizás tantas como los distintos lugares desde los que se origina el trabajo del artista y que él mismo define como su estudio






13 jul. 2011

Gerard Byrne






Gerard Byrne(1969) es uno de los artistas irlandeses más destacados del momento. Trabaja fundamentalmente en torno a las muchas opciones narrativas que le ofrecen la fotografía, el vídeo y el cine; no es ajeno a las relecturas del episodio moderno (su sincero interés por autores como Sartre, Brecht o Beckett así lo atestigua) y, al hilo de eso, es de esos artistas cuya fuente de inspiración fundamental es el modo en que el pasado modela el presente.
Uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera . Se trata de una investigación sobre el monstruo del Lago Ness, el mito escocés que tanto ha fascinado a todo tipo de creadores. Byrne se asoma al mito creado en los años 30 por los medios de comunicación ingleses, principalmente el Daily Mail, para captar audiencias. El artista se ha servido de sus herramientas habituales (fotografía, cine, textos, sonido y material de archivo) para tratar de convertir los límites entre realidad y ficción en algo todavía más impreciso. Partiendo de la idea de “mito”, Byrne se pregunta si es posible capturar una imagen de algo que no existe. Más allá del miedo que pueda suscitar, el monstruo del Lago Ness es ya una historia en torno a la realidad y la invención. A través de fotografías que ha venido tomando desde 2002, Byrne se cuestiona cómo se construyen las imágenes, con qué fin, cómo se mediatizan y manipulan, y como se transmiten. Junto con un gran número de testimonios, en vídeo audio y texto, reflexiona sobre cómo el mito del monstruo del lago y la consolidación de la importancia de los media son fenómenos que han crecido paralelamente.

6 jul. 2011

Cy Twombly,

El pintor estadounidense Cy Twombly, conocido por sus grandes lienzos abstractos, murió en Roma a los 83 años

5 jul. 2011

OaKoAk, arte callejero





Es francés se autodenomina como un “artista que le gusta ver la diversión en la calle y que le gustajugarcon elementos urbanos”. Y nada más cercano a la realidad, sus intervenciones urbanas – o invenciones urbanas como prefiere llamarlas – pintan de colores el cemento frio y gris de las grandes metrópolis, convirtiendo agujeros, obras, paredes viejas en obras de arte capaces de cambiar nuestro día.
El artista empezó a intervenir en los escenarios urbanos en 2006, pero fue en 2007 que consolidó su marca en las calles. Su trabajo consiste en vagar por la ciudad en busca de nuevos edificios y rincones con los cuales pueda interactuar. Al contrario de los demás artistas urbanos, OaKoAk no pretende pasar un mensaje social ni político, sino que arrancarnos una sonrisita tonta que la rutina nos impide dibujar en la cara.
Sus trabajos pueden ser vistos en Paris, en las calles de Saint-Etienne, Marseille, Lyon.

4 jul. 2011

Paul Chan



Nacido en Hong Kong el año 1973, crecio en Nebraska. Graduado de Video y nuevas tecnologias de la universidad de Bard en el 2002, obtuvo el premio BFA de Arte Video Digital Contemporaneo en el instituto de Chicago de Artes contemporaneas. Actualmente vive en la gran manzana (NYC) y trabaja para el instituto de arte contemporaneo de NYCTratado de  Luces y de sombras esta expo es envolvente. Sus proyecciones en conjunto con los dibujos en carboncillo, los collages y trabajos digitales vibran por si solos. El trabajo se presenta en un formato de 7 luces, resueltas y proyectadas en diferentes formas y colores. .Cree que el arte y la politica estan en diferentes categorias de funciones, lo que se muestra muy bien en su vasta filmografia. En el documental “Bagdad in no particular order” muestra con su genial creatividad la forma en que se pueden pintar cuadros a través del video. 
Chan fue invitado tambien a la “human rights organization voices in the wilderness”, donde encabezo una contestataria forma de revolucion en contra de las sanciones economicas a Iraq desde el año 96, asi como de los cuerpos de paz que llevaban alimentos y comida al pais.