30 set. 2011

Claes Oldenburg

Claes Oldenburg (nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor sueco, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Entre 1960 y 1965 Oldenburg llevó a cabo cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes de gente y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado y se le hacía partícipe. Los accesorios toscamente pintados que utilizó en estos actos constituyen la base de su futura escultura. 



En 1961 abrió una tienda en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir.



Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos…), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. Entre sus obras más famosas destaca la Máquina de escribir blanda (1963), su gigante Pinza para la ropa (1976) y el Ratón geométrico.

29 set. 2011

Jose Manuel Ballester

Sus pinturas 





la abstracción en la realidad reúne medio centenar de fotografías del artista, en las que, con la arquitectura como excusa, experimenta con el espacio, la luz y el tiempo


.La persistencia del vacío en los "Espacios ocultos" de José Manuel Ballester
“Espacios ocultos” nos dice José Manuel Ballester (1960), como título a su última exposición en la madrileña galería Distrito Cuatro (hasta el 30 de octubre), aunque más bien lo que vemos ya no es el espacio oculto, sino el que estaba ocultado que ha pasado a estar perfectamente a la vista tras la intervención del artista. 
En esta exhibición consiste en desnudar una serie de cuadros previamente fotografiados, es decir, el artista toma fotografías de unas cuantas obras maestras, seleccionadas, evidentemente, por él mismo, para luego retocar, eliminar todos los personajes que en el cuadro original habían, y producir las fotografías, bien en papel o bien sobre lienzo, a un tamaño exactamente igual al primigenio. Algunas de estas obras maestras son “El Jardín de las Delicias de El Bosco, las “Historias de Nastagio degli Onesti” de Boticelli, la “Anunciación de Fra Angelico”, “El arte de la pintura” de Vermeer, “Paisaje nevado” de Brueghel el joven o “Embarco de Santa Paula Romana” de Claude de Lorrain.  

  su web

28 set. 2011

Carlos Amorales







Dibujo digital en papel fotográfico.
120 x 174 cm
Carlos Amorales (nacido en 1970)artista  mexicano  que trabaja y vive en Ciudad de México.El trabajo de Carlos Amorales tiene la capacidad de integrar todos los aspectos de la cultura, como la música, la animación, las imágenes populares, los personajes de la calle, así como animales simbólicos, parajes naturales, aviones, máscaras, etc., dentro de instalaciones sencillas en las que se crea un escenario y un ambiente sonoro y pictórico de sensaciones.

El resultado es un particular universo artístico e iconográfico, de fuerte carga simbólica y no exento de ambigüedad –en el que el espectador y su capacidad de interpretación juegan un papel fundamental–, concebido como una suerte de espacio de representación en el que tienen cabida una larga galería de personajes y objetos, cuya propia extrañeza parece quedar matizada por la íntima conexión conceptual que entre ellos se produce.:::






:"Ser artista es un trabajo, tienes que verlo como una profesión y exigirlo, buscarlo, trabajarlo y aprenderlo. Yo salí de la escuela y no sabía quién era el curador chingón, pero algo que si quería era vivir de mi trabajo. Para mi el problema no era como entrar al sistema artístico sino como mantenerte en relación a la creatividad."seguir entrevista aqui

27 set. 2011

Christian Bendayán

Christian Bendayán 1975 ICon la crudeza de formas y el festín chirriante de los colores, tiene la poco frecuente habilidad de confundir a primera vista, y mostrar ese rostro de la exuberancia tropical y el desborde perpetuo, estridente, que los estereotipos obligan para con los usos y costumbres de la ciudad de selva.



Más allá de la condición de tributaria de las imágenes populares, esas expresiones de carteles, muros, pinturas sin academia, ilustraciones espontáneas, su pintura busca y encuentra los signos más densos y solapados que hurgan en las identidades y los anhelos, las ansiedades y los desencuentros.
Protagonistas privilegiados, sus travestidos de abierta insolencia y demasiada alegría, son personajes que hablan de necesidades desembozadas y relaciones desprejuiciadas. También aluden a formas de rito social y entramados complejos que parecen tejer su espacio solo en función de su simpatía cálida y amistosa.
Para completar el variopinto desfile, Bendayán acude a la iconografía de mitos y leyendas. La sirena emerge como símbolo excelso, entre romántico y temible..(Elida Roman)

Desde que su aventura empezara a manera de tanteo feliz en su aprendizaje autodidacta, o en su posterior dominio virtuoso del medio, el perfil de los popular y su versión pop masificada han venido adquiriendo una densidad alegórica adicional en su trabajo y, acaso también, en la vida real de la cual emergen intactas sus imagenes y sus retratos.


Iquitos, su ciudad natal, es un tema recurrente en su obra y se encuentra también presente en su último trabajo llamado ‘Luz’. Un lugar mágico, como él lo describe, pero a la vez lleno de contradicciones; brilla con una luz tan intensa como la oscuridad de su sombra. Mientras tanto, la muerte y la fugacidad de la vida son el centro de esta última muestra, cargada de un fuerte aspecto emocional, cuyo efecto es inmediato gracias al carácter directo de su pintura.
Quizas en eso, La luz negra -el tubo de neón discotequero y fluorescente que rescata ciertos colores de las sombras- con su inmejorable denominación, sea la que mejor explique el proceso de la mirada de Bendayán y todo lo que en él privilegia la vida y el brillo en la obscuridad. Un gesto en el cual el artista redime la cultura visual y nocturna del video pub regional y de los iconos de la pintura popular amazónica.








"Mientras pinto dudo.Que siento que pinto hasta las huevas. Digo: Tengo que dedicarme a cualquier otra cosas. Cuando pinto y siento que está muy fácil, se me quita las ganas de pintar. Antes pensaba que el mérito está en la idea, ahora ya no, quiero disfrutar a la hora de echar el óleo. Hasta sufro cuando se acaba el día."

25 set. 2011

Duncan Wylie

Nacido en Harare, Zimbabwe en 1975.  Vive y trabaja en París.
Método de Duncan Wylie la pintura se compone de numerosas fuerzas contradictorias y debe ser entendida en términos de sus paradojas. Las imágenes de casas destruidas producido por Duncan Wylie se originan a partir de múltiples tensiones que se prestan a la pintura. La aparente temática en la "ruina" es una "utopía ilustrada" que le permite sintetizar sus investigaciones sobre los temas de la representación espacial, la brutalidad del tacto, y su historia personal .
El tema de las ruinas es predominante en las pinturas de la arista. El choque de la ciudad vieja con la belleza que está en ruinas es la inspiración para este trabajo. Los parques nacionales, el sistema de salud, la sociedad, la esperanza de vida de las mujeres ahora entre 34 a 35 años, todo esto se traduce en la expresión de la obra.


Con motivo de la dinastía, el Musée d'Art moderne de la Ville de Paris / ARC propone cuatro pinturas de gran formato. Que colocan al espectador en el corazón de un evento en el orden y el caos constituyen un terreno propicio para la experimentación. En el Palacio de Tokio, Duncan Wylie procede de la manera opuesta, dejando ver sólo un lienzo de gran escala, inspirado en tres documentos.  El pliegue de estas imágenes se entreteje un paralelismo entre el reciente terremoto en Haití, la reconstrucción de las ciudades alemanas después de la Segunda Guerra Mundial, y la fuerza y la locura del hombre en un universo natural, según lo retratado por Fitzcarraldo de Werner Herzog (1982).


Duncan Wylie. Mon travail est une bataille entre l'image photographique et la peinture: je pars d'une donnée objective et réaliste, pour en faire autre chose. Je travaille de manière très instinctive pour produire des marques abstraites sur la toile. Mais je veux en même temps rendre un sentiment de réalité, proche de notre monde immédiat. La tension entre ces deux notions illustre bien mon approche.
J'ai pu travailler quelque fois en petit format. Mais le grand format me pousse davantage à découvrir de nouvelles écritures. Je suis à la quête d'un vocabulaire. Parfois, je travaille les yeux fermés, de manière instinctive. L'utilisation d'une peinture alkyde pour les couches initiales me permet de retravailler rapidement sur les empâtements. J'obtiens des écritures viscérales. Je peux les recouvrir ensuite d'un glacis par exemple. Pour moi, la notion d'espace pictural ...

19 set. 2011

Walmor Correa





Walmor Correa Florianópolis/1960 artista, que vive en Porto Alegre, posee un trabajo de colecta que parte de los relatos de viajeros, de seres híbridos que habitan la literatura, así como todo un saber popular alrededor de mitos y leyendas brasileñas. Toda esa reunión puede ser sintetizada en el título y subtítulo de uno de sus catálogos, Unheimlichimaginário popular brasileiro (2004 – 2005). La alusión al ensayo del 1919, de Sigmund Freud, de las Unheimlich, como aquello que es extraño y familiar o aún inquietante, junto a aquello que reside como oralidad, crea una imagen contrastante que no puede ser resumida solamente al encuentro del erudito con el popular. Se trata de una articulación de camadas, de historias y experiencias que van de las lecturas a las etnografías. Walmor crea una verdad a partir del verosímil, parodia la ciencia en sus hiatos, en sus verdades temporales, en los límites de sus descubiertas y discursos. Él entrecruza pintura, diseño y escrita, así como el rigor taxonómico de la clasificación. Según el artista, la elección del título, hecha conscientemente a partir de Freud, está relacionada a lo que no es doméstico, a lo que no es simple y que también es rudo. “Acredito que, ao viabilizar fisiologicamente a existência desses seres, não somente respondo a algumas das perguntas que fiz à natureza quando criança, de acordo com a minha própria interpretação dos paradigmas da ciência, como proponho uma interrogação e uma reflexão acerca dos limites das nossas certezas”  argumenta el artista en el texto del catálogo. Walmor Corrêa trata de aquello que nos es más arcaico y sigue hasta cierto punto la argumentación de Freud en el ya mencionado ensayo sobre el inquietante (Das Unheimlich), donde ese arcaico se ubica en una delgada película tal cual nuestra relación con la muerte. Según Freud, dos factores serían responsables por la existencia del arcaico en esa delgada película que sería la fuerza de nuestras relaciones emotivas originales y la incerteza de nuestro conocimiento científico. Cuando argumentamos que existe un límite del gesto del artista cuanto a lo que escribió Freud, es porque existe por el sesgo de la ficción (y también por la parodia) una superación de la incerteza por un modo de adueñarse de seres hasta entonces inclasificables por su composición híbrida.
De este catálogo, las imágenes de Ondina (otra denominación para el híbrido de mujer y pez) y Ipupiara, quien según Barleu seria una especie de Tritón. Cual es, al fin, la operación de Walmor Corrêa? Walmor hace visible ese imaginario y realiza un corte en la imagen, o sea, organiza y clasifica aquello que no está en el campo de lo visible. Materializa diversos fragmentos orales e impresos, moviliza el imaginario.
Unheimlich funciona como una especie de atlas de la anatomía del imposible. Más allá de la Ondina y del Ipupiara, Walmor presenta a seres como el Capelobo, híbrido de hombre con tamanduá, originario de la región del Xingú, en Pará, Norte de Brasil; la Cachorra da Palmeira, híbrido de perra y mujer, presente en la región de Alagoas, Nordeste de Brasil; el Curupira, más presente en la región Norte, en especial en las florestas, especie de cíclope si queremos acercarnos una vez más a la Odisea, aunque no sea un gigante y tenga sus pies vueltos hacia la dirección opuesta a la de su cuerpo.
Disecar el Ipupiara, inventar y calcular su anatomía y fisiología desarman a su cuerpo en la base del encéfalo, en los pulmones, en la base del cerebro, en el esqueleto, en la formación craniana, en la cavidad bucal, en el ádito laríngeo, en la mandíbula y en el hueso pélvico y del cuadril. Sus “patas atrofiadas” funcionan como nadaderas que les permiten nadar y flotar. Tal cual un naturalista, el cuerpo es dividido y descrito; incluso esa situación descriptiva puede ser visualizada en la imagen en dibujos secundarios añadidos de una delgada camada de texto manuscrito, procedimiento utilizado para todos los híbridos en Unheimlich.

16 set. 2011

Manabu Ikeda

Manabu Ikeda  nació en Saga1973 y ahora con sede en Tokio. Estudió en la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música.
Las estructuras, formas y las olas de los objetos en su obra se presentan como enormes en la escala, según lo revelado por los elementos de textura sorprendentemente compleja de un sinnúmero de elementos más pequeños de los cuales están compuestas.
Sus obras son grandes y han sido creadas con pluma de tinta y acrílico sobre papel. El nivel de detalle es lo que llama la atención, a pesar de que eso sólo se insinúa en las imágenes que se encuentran en la web.
Actualmente expone en la Bienal de Moscu






15 set. 2011

Joni Sternbach




Joni Sternbach de Booklyn, NY actualmente vive en Australia es una fotógrafa que aun sigue utilizando un proceso fotográfico histórico llamado colodión húmedo el cual se prepara en el momento que se realiza la fotografía, por lo que se le llama proceso húmedo. Lo más peculiar de esta serie, llamada SurfLand, es que monta su propio estudio en la misma playa, con una caja como cuarto oscuro. Palabras de la artista :“Mis imágenes en los últimos años analizan las tradiciones del paisaje, el paisaje marítimo, y la fotografía arquitectónica. Trabajar con una cámara de gran formato y proceso histórico (colodión húmedo de la placa), me he concentrado en lugares que están cerca o directamente en el agua. En este contexto entre la tierra y el mar, voy a explorar la materia en un constante estado de transición....
Me va bien trabajar con un proceso instantáneo “húmedo” que debe estar preparado y desarrollado en el lugar. Resalta a los espectadores y atrae a nuevos sujetos. El uso del colodión me obliga a componer cuidadosamente antes de la sensibilización de la placa, sin embargo, su naturaleza es espontánea e imprevisible. La alta calidad del proceso se adapta a la materia, y el aspecto distintivo de la obra terminada se hace eco de las tradiciones del siglo XIX de la fotografía antropológica.”

14 set. 2011

Nebulosas ciudades en Berlín

El artista argentino Tomas Saraceno inauguró hoy en el museo de arte contemporáneo de la Hamburger Bahnhof, de Berlín, la exposición "Cloud Cities" (ciudades nube), integrada por dos docenas de instalaciones de formas esféricas que simulan urbes futuristas.
Las ciudades de Saraceno quedaron suspendidas en los pabellones de la Hamburger Bahnhof en vecindad con piezas de Andy Warhol y Joseph Beuys, dos de los grandes nombres de la colección permanente del museo, ubicado en una vieja estación ferroviaria berlinesa.
En su mayoría, las instalaciones representan formas esféricas, como enormes pompas de jabón atrapadas entre telas de araña formadas por negras lianas.
Cada uno de los balones incorpora diferentes formas de vida interna, sean plantas o los propios visitantes, a los que se invita a incorporarse a la obra.
Las piezas más llamativas son unos enormes balones de aire de fina fibra cristalina, suspendidos del techo del pabellón central del museo, a los que el visitante accede encaramándose por una escalerilla hasta penetrar en su interior.

13 set. 2011

Spunky Zoe





El artista de Nueva Yorkganó merecida atención con su trabajo; una mezcla de surrealismo, con ciencia-ficción y retratos muy bien detallados, en su mayoría con semblantes de orientales, típicos de las películas de terror más escalofriantes. El resultado de todo esto son ilustraciones agresivas, basadas en una batalla entre monstruos de su mente, cuerpo y espirito.