29 abr. 2012

Erika Ewel


 Nació en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia en 1970. Vive y trabaja en La Paz. Es artista visual. Estudió Bellas Artes en la UFMG, Brasil; obtuvo una Maestría en pintura en la Academia de San Carlos de México. Representó a Bolivia en bienales internacionales de arte, como la IX Bienal de Cuenca, Ecuador;  la Bienal del MERCOSUR, en Porto Alegre, Brasil, en su primera, segunda y tercera versión, y la II Bienal de Estandartes, en México. Participó en la exposición “Bolivia mas allá del Tiempo”, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile. Formó parte del Segundo Festival de Fotografía Fotoencuentro 07 con la exposición “Territorios” presentada en el Museo Tambo Quirquincho de La Paz. Su mas reciente exposición individual fue “La Mujer rota” presentada en Artespacio CAF.

También ha recibido diferentes premios del Salón Municipal “Pedro Domingo Murillo”, 2000, 2004, 2005 y el Gran Premio del Salón Internacional de Arte SIART 2001. 


 "Mi preocupación central en mi producción es la reflexión sobre la identidad del individuo, la relación con su entorno y sobre la identidad de género. Es a través de la geografía y el cuerpo que metaforizo esta preocupación. Si en este andar trasmito algún mensaje, está bien".

27 abr. 2012

Manifiesta 9

Manifesta 9 tendrá lugar del 2 de junio al 30 de septiembre de 2012 en la antigua mina de Waterschei, en la localidad belga de Genk, en la provincia de Limburgo. Por primera vez en la historia de Manifesta, la bienal no sólo presentará una selección de arte contemporáneo de primer nivel y carácter internacional.  La exposición también estará formada por una impresionante colección de obras históricas, y mostrará el rico patrimonio minero de una manera sorprendente e innovadora tanto para el público local como internacional.

El curador Cuauhtémoc Medina (Ciudad de México) ha sido el encargado de desarrollar el concepto de Manifesta 9, centrado en el impacto social y societal del pasado reciente de la región minera de Limburgo. La exposición “The Deep of the Modern” se presentará a modo de tríptico. Para la primera sección, 35 artistas contemporáneos internacionales están invitados a crear un nuevo trabajo, prestando especial atención al contexto regional, vinculando el tema local con problemas globales.
La sección de arte histórico ofrecerá una visión general de obras de arte de los siglos XIX y XX, con el impacto de la industria del carbón como tema central. La tercera sección se centra en el amplio legado que la industria minera de Limburgo ha dejado tras de sí.
En esta ocasión el curador Cuauhtémoc Medina ha contado con la participación de los españoles Lara Almarcegui, Jota Izquierdo, Luque Manuel y Alexander Apostol.:
Antigua mina de Waterschei, Genk
Ciudad: Genk, Limburgo Belgica ( informacion XTRart)

25 abr. 2012

Ernesto Neto

Nacido en Río de Janeiro en 1964, donde vive y trabaja, Neto constituye una de las figuras más importantes del escenario artístico brasileño actual. Es heredero del movimiento artístico brasileño denominado Neo-Concreto que por primera vez coloca al espectador en el centro de la acción creativa así la interacción física se convierte en un aspecto clave de su trabajo. El espectador es invitado a tocar, oler e ingresar al espacio creado. Las formas orgánicas de sus trabajos están relacionadas con la observación del cuerpo como una representación de su paisaje interno y dan impresión de fragilidad y sensualidad.

Su producción se sitúa entre la escultura y la instalación. Trabaja con instalaciones abstractas que muchas veces ocupan todo el espacio expositivo creando laberintos espaciales donde finas membranas -estiradas al máximo y fijadas en distintos puntos- quedan suspendidas conteniendo cada tanto en forma de gotas enormes especies de variados colores y aromas (azafrán, clavo de olor) En sus obras los elementos y materiales principales son la elasticidad de los tejidos, la fuerza de gravedad, las especias y la espuma de polietileno.

Sus obras una produccion de lo que llaman esculturas  multi-sensoriales interactivas en donde tocar oler, tomar sentir ,caminar y reflexionar es el fin.Dice el artista " la vida deberia ser mas sensual, cuando eres sensual eres mas lento, existe un balance un momento una soltura que hace que te sientas mas libre"

22 abr. 2012

Wang Ningde

Wang Ningde el fotografo del silencio. Nació en el año 1972 en la provincia de Liaoning. Se graduó en el 1995 en el departamento de fotografía, Luxin Instituto de Arte. Actualmente vive y trabaja en Shenzhen y Guangzhou. Ha realizado exposiciones tanto en Estados Unidos como en Europa.





Su trabajo  es parte de la obra más emblemática de la escena de la fotografía contemporánea china de la última década. El trabajo, cuyas imágenes parecen fotogramas sacados de una fantasía “noir” hablan de recuerdos de infancia, del miedo, y la ensoñación tocada por una soledad melancólica.

 Las fotografías no tienen nombres solamente números y en ellas aparecen niños, sus padres y soldados comunistas, todos ellos con los ojos cerrados o de espaldas a la cámara. Con un discurso visual absolutamente poético el artista explica su interés por las cuestiones relacionadas con el tiempo. Al ser preguntado por qué aparecen todos con los ojos cerrados, Wang responde: “Alrededor del 99 por ciento de las fotos la gente aparece con los ojos abiertos. No hay nada especial con tener los ojos abiertos en una fotografía, pero cuando los ojos están cerrados, se pueden plantear algunas preguntas: ¿el sujeto sueña, o es feliz, o está recordando algo? Puede ser la esencia  misma de un recuerdo… Muchas veces en la vida, las personas se adentran en sí mismas cuando sus ojos están cerrados…”.

20 abr. 2012

Eulalia Valldosera

Eulàlia Valldosera nació en 1963 en Vilafranca del Penedès, Barcelona. De 1981 a 1986 estudió Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y después, entre 1987 y 1988, Grabado en la Escuela de Artes y Oficios de Cataluña. Vivió en Amsterdam entre 1990 y 1994, obteniendo en 1992 una Licenciatura en Audiovisuales en la Gerrit Rietveld Academie. En el periodo 1999-2000 ha residido en Berlín, con una Beca del DAAD. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.


 Las instalaciones y acciones lumínicas caracterizan la obra de Eulalia Valldosera, donde la intención no es crear un objeto para ser observado, sino hacer partícipe al público de una acción que pueda ser recordada. Los envases y los productos de limpieza constituyen el leit motiv de la mayoría de sus instalaciones
Sus trabajos adoptan el cuerpo como medida y receptáculo de la realidad exterior, para desarrollar una reflexión sobre la identidad de la mujer como sujeto intelectual, y se centran en las nociones de identidad sexual, amor, enfermedad y maternidad. En este sentido, los arquetipos femeninos, los conceptos de hogar y familia; la búsqueda de una mirada propia no condicionada por la mirada masculina; la reivindicación de la enfermedad como vía de curación; la necesaria fragmentación de las relaciones amorosas; y sobre todo, la imbricación de la experiencia en el pensamiento constituyen algunos de los ejes fundamentales de su obra.A partir de fotografías, vídeos, esculturas y proyecciones de luz, Eulàlia Valldosera recrea unas escenificaciones dramatizadas que reflejan simultáneamente la presencia y la ausencia, la memoria y el deseo. En ellas, la sombra y más recientemente el espejo evocan una búsqueda interior hacia el mundo del subconsciente, no sólo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como forma de aprehensión de la realidad. Con estas piezas, la artista desplaza el mundo material y genera un espacio "animado" donde se sitúa el sujeto, en definitiva, el único protagonista de la experiencia.


  Si el gran poeta Paul Celan situaba el núcleo de lo poético en el margen, en el "resto no cantable", los procedimientos plásticos de Eulàlia Valldosera privilegian lo residual frente a la materialidad del objeto. Ella misma lo indica así: "Siempre he hablado de los desechos. Cuando trabajo con las colillas, cuando trabajo con las sombras, no deja de ser parte de ese mundo de los ruidos, de los desechos. El trabajo en sí, la obra final, no deja de ser un desecho de un proceso mental, durante el cual la energía se va perdiendo y acaba en un punto muerto que es la obra."


"...hago un trabajo femenino y feminista porque soy mujer y soy consciente de ello, pero en mi crítica hay distancia del discurso feminista por usar mecanismos de poder colectivo. ¿A que feminista le interesa probar que la mujer, en esta caso la galerista, usa y necesita a esta chica ucraniana sin papeles para poder ejercer su profesión? Hay una dependencia mutua difícil de reconocer. La mujer emancipada necesita de la subalterna para liberarse, para entrar dentro de la practica feminista. Señalo aspectos que no son bienvenidos, y a las feministas no les gusta.
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19 abr. 2012

Xoán Anleo

Sin Transito (Rampa) 2007. Vídeo
Medidas: 16 min. 33 seg.
Xoán Anleo( Marín, Pontevedra, 1960)"Me enfrento ante la cámara realizando una serie de arreglos con flores marchitas sobre una mesa. Esta es la temática que caracteriza mi obra y da protagonismo al proceso de descomposición como metáfora del paso del tiempo que lleva a un proceso de envejecimiento y la certeza de la muerte", describe Xoán Anleo. "Las flores envejecen de forma desigual, se mustian, lo efímero de su duración nos habla de la brevedad de la existencia", añade.
A partir de la idea de no lugar "se establecen reflexiones sobre el espacio, la arquitectura y su relación con el individuo, que reabre el espacio y lo transforma", comenta. "Con el paso del tiempo presenciamos la pérdida de la memoria, la identidad fracturada y las huellas del abandono", añade

Xoán Anleo, Marín: ´La descomposición es una metáfora del paso del tiempo´
Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla - La Mancha.
Doctor en Bellas Artes. por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla - La Mancha.
Es profesor de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, Universidade de Vigo.
Centra su trabajo en el medio audiovisual, realizando vídeo, escultura, fotografía, instalaciones y audio.
Ha compuesto bandas sonoras para teatro, danza contemporánea, y producciones musicales.
Vive y trabaja en Vigo.
ABANDONO 2007. Vídeo
Medidas: 11 min. 32 seg. 
     
2003. Fotografía
Medidas: 60 x 90 cm cada fotografía
Nuestro refugio se reduce a la noche vídeoinstalación de dos canles. DVD
fotografia Sin titulo
Ha conseguido conformar un estilo personal, curiosamente, a partir de una ecléctica gama de influencias que señalan a lo que entendemos como cultura de masas. Así, ensaya la instalación, la fotografía, el vídeo o la escultura; pero, sobre todo, destaca por esa suerte de escena ambiental visual y sonora que cobran sus creaciones, algo que lo convierte en puente entre dos generaciones de artistas gallegos, una más próxima en lo generacional -surgida en los ochenta- y otra con la que comparte idénticas referencias e inquietudes -que asoma a mediados de los noventa-. Anleo trabaja la imagen a partir de iconos extraídos del mundo de la publicidad o del diseño que, descontextualizados, cobran nuevos sentidos al tiempo que subrayan la desaparición de los límites entre culturas. Ofrece así un tipo de homenaje cómplice e irónico, y lo hace con un marcado sabor kitsch, no como mal gusto, sino como ilusión, como nostalgia. De este modo se repite, insiste, como en su vídeo Fricción, reclamando lo cotidiano a partir de varios nudos que nunca alcanzan un desenlace, regalando tensiones que tratan de reconstruir una identidad individual y colectiva.

18 abr. 2012

EDGAR GUZMANRUIZ

 (Bogotá, Colombia,1969)   EDGAR GUZMANRUIZ 
Cuando pequeño, Edgar Guzmanruiz construía edificios dentro de su habitación. Sus ladrillos eran piezas de legos. Cada pared era un colorido pedazo, una partecita de la construcción, pero su mirada convertía las partes en un todo.
Algunas veces, simplemente, dejaba los legos de lado y veía a su madre pintar.
Fueron esos momentos los que marcaron su vida: las estructuras y arte serían su vida.
es arquitecto de la Universidad de Los Andes y maestro en Arte y Arquitectura de la Academia de Arte de Dusseldorf, Alemania, donde vivió ocho años.
Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en Egipto, Francia, Japón, Alemania, Estados Unidos y Colombia.
    A lo largo de su carrera, Edgar Guzmanruiz ha evidenciado un gran interés por la forma cómo percibimos el espacio, poniendo en tela de juicio el antiguo centrismo ocular Aristotélico en el cual se le otorga una superioridad jerárquica a la vista sobre los demás sentidos. Esta inquietud se desarrolló desde el comienzo de su carrera de Arquitectura. La experiencia de la arquitectura es multi-sensorial, llevándonos a reflexionar sobre la manera como habitamos el espacio. 
Vórtice
Cartón, madera,
guaya metálica, diván
29.6 x 10.82 x 10.5 m
2011

Bajo las premisas de luz, oscuridad y espacio, Guzmanruiz presenta la exposición “Vórtice”En ella, dice el artista, “el visitante se relaciona conmigo por medio de la instalación y del espacio”.Este montaje comienza con una duplicación de la estructura de acero del ventanal, hecho en cartón, mostrando una aparente fragilidad, dejando ver la luz que de manera natural pasa por la ventana, en cierto punto se recoge a manera de cono dando un paso a la sombra y luego a la obscuridad absoluta. Esta estructura llega o comienza, según lo vea el visitante, a un diván rojo. “El diván tiene que ver con mi forma de pensar el psicoanálisis, allí todos nuestros miedos y deseos son divulgados, de una manera conceptual quiero expresar dos formas de ver la luz y la obscuridad”, es el observador el que interactúa con la obra acostándose en aquel sofá y decide si es la luz la que entra o es la obscuridad de los pensamientos la que sale de su cabeza.


Para conocer mas de Edgar Guzmanruiz AQUI

16 abr. 2012

Jose Morea

Nace en Valencia 1951
Sus primeros trabajos fueron trepidantes, gráficos y narrativos. Incluso, con algunos ecos surrealistas, como el de la bañista cosiendo a máquina en la playa. Posteriormente, sus personajes aparecieron perfilados como Egipcios (nombre de una serie), lo que le dio entrada en su obra a las figuras mitológicas en general. Su personal "descubrimiento" de Italia a partir de 1984, hizo que los viajes a ese país fueran una constante en sus pinturas. Y que se incrementara la apariencia escultórica de los cuerpos, así como el repertorio de figuras mitológicas, reales o apócrifas. Los períodos de regreso a España, por su parte, lo condujeron a la tradición de la pintura, concretamente al género del bodegón, al que le dedicaría una larga serie.
Su itinerario creativo seguiría transformándose. Entre 1988 y 1991 se revelará de una manera muy particular: trabajar con música, sobre todo con música tecno, al estilo acid house. Y, a mediados de los noventa, la imaginación de Morea se desplazó hacia el mundo oriental, con su larga serie de retratos japoneses.







el artista ha pasado en los últimos diez años en Brasil y refleja los aspectos más determinantes de su itinerario. Fiel a su larga trayectoria, dominada por una orientación en donde se entrecruzan el arte y la vida cotidiana, Morea manifiesta de nuevo su interés por la mitología y por las leyendas populares tanto primitivas como actuales, en pinturas que basculan en el marco de una poética de sesgo neoexpresionista entre los extremos del pop y el arte povera. “Las Américas de Morea” se divide en tres secciones dedicadas a los enclaves de Salvador de Bahía

14 abr. 2012

Ives Arcand

Espacio Publico Espacio Privado
Espacio Publico- Espacio Privado
L'ordre des choses
Originario de Montreal, Yves Arcand estudió fotografía y cine en el Instituto Politécnico Ryerson en Toronto y obtuvo una licenciatura en Artes Visuales de la universidad de Nueva Escocia de Arte y Diseño en Halifax. Después de un Certificado en Ciencias de la Educación en la UQAM, que luego completó una tesis de maestría en Artes Visuales en la Universidad Concordia en Montreal.El trabajo fotográfico de Yves Arcand tiene sus raíces en la tradición estadounidense de fotografía de paisaje de carácter topográfico (New Topographics). Sin embargo, los entornos de documentación rigurosa no es su objetivo primordial. En su lugar, utiliza imágenes de estilo documental, para hacer frente a las órdenes de cuestiones sociológicas, políticas y personales. La visión del autor tiene prioridad sobre lo que parece ser un objetivo. También aprecia esta dicotomía.

 
.A través de paisajes de varias clases, pongo en duda nuestra relación con el territorio inevitable. Esta relación no es una forma de hombre y su entorno se construyen uno al otro. En todas partes, la marca de hombre que venía imponer una lógica de la producción y el consumo. Sus manifestaciones tomar muchas formas, sin embargo. Con diferentes estrategias que yo he puesto mis ojos en entornos urbanos o rurales y cuestiona la influencia del hombre en la construcción de nuestros espacios. Los paisajes son un reflejo de nuestra sociedad, que son nuestras marcas registradas.Su WEB

13 abr. 2012

Thomas Doyle


"Mi trabajo mina las ruinas de la memoria a través de la creación de intrincados mundos esculpidos a escala 1:43 o más pequeño. Sellado a menudo debajo del cristal, los trabajos representan los remanentes de cosas más allá de—si son principales, las experiencias transformacionales, o los momentos más reservados que resuenan en alta voz a través de una vida. Es mucho la manera en que la mente recuerda acontecimientos a través de la niebla del tiempo, los trabajos tuercen realidad a través de una combada y ensoñadora lente.
Las escala reducida de las piezas evoca sentimientos de omnipotencia, así como la sensación visceral de un recuerdo inesperado. Situado tras el cristal, el espectador se acerca a estos mundos como un ojo que todo lo ve, mirando por encima de paisajes que achican y amenazan a las figuras que contienen.
Y a la inversa, la intensidad privada de momentos reproducidos en una tan pequeña escala sitúa dentro al espectador, proporcionándole la intimidad que uno podría sentir mirando detenidamente la vitrina de un museo o una casa de muñecas. Aunque rodeadas por el caos, el peligro y la nostalgia, las caras de las figuras revelan pocas emociones, invitando al espectador a perderse ellos mismos en estos crisoles, y en el revoltijo de sentimientos y memorias que de ellos se obtienen. "
El cristal contiene y comprime el mundo dentro de sí, pareciendo suspender el tiempo, con todo su acompañamiento de angustia, miedo y dicha. Al sellar las piezas de esta manera, espero destilar las ruinas de la experiencia humana en momentos únicos y frágiles. Como cajas negras cabeceando entre los restos flotantes de un naufragio, estas piezas están esperando ser descubiertas, en cada una un registro indeleble de la memoria humana.
 

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Thomas Doyle  fotógrafo, escultor  americano que realiza miniaturas y después les saca fotos.Su pagina web

10 abr. 2012

Jaume Plensa

Nacido en 1955 en Barcelona (España), Jaume Plensa es uno de los autores más valorados en el panorama internacional. Apasionado por la relación entre el cuerpo humano y el lenguaje escrito, sus obras se componen a menudo de letras y palabras que quieren ser metáforas de las células que conforman al individuo, que se integra a su vez en la sociedad.  Por ello en alguna ocasión ha dicho: “Tengo la sensación de que las palabras flotan, nos van tatuando como una tinta invisible y, de pronto, alguien lee en tu piel y pasa a convertirse en tu cuerpo, en tu amante”.





 Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, aunque muchas de las técnicas que aplicaba a sus esculturas surgieron del trabajo diario en un taller mecánico. Las obras de aquella primera etapa reflejan un extraordinario interés por el volumen, la tensión y el espacio, evolucionando después al modelado de formas animales mediante el corte y doblez de piezas de hierro tratadas con material de fundición. Autor, entre otras famosas instalaciones, de la ‘Crown Fountain’ del Parque del Milenio de Chicago, y de una gigantesca escultura de hormigón y mármol construida sobre una mina de carbón escocesa. También cuenta con numerosas obras en los más importantes museos del mundo y otra de sus creaciones da la bienvenida a los visitantes del edificio más alto del mundo: la Torre Dubai, inaugurada durante 2010 en los Emiratos Árabes Unidos.