31 may. 2012

Marco Fusinato


Marco Fusinato es un artista multidisciplinar y  músico con sede en Melbourne. Ha realizado numerosas exposiciones en Australia e internacionalmente. Fusinato menudo contempla la naturaleza de la revuelta de los materiales de recontextualización de un vastrange de contextos. El resultado es una forma contemporánea de agitación y propaganda con el rendimiento, la fotografía  la luz , la instalación el  sonido.
( artista invitado a la   Bienal San Pablo 2012)
MARCO Fusinato
Implosión Misa Negro (De Kooning, Morton Feldman), 2012
Tinta en facsímil de archivo de la puntuación; enmarcada
Los dos paneles, cada uno de 88 x 70 cm









MARCO Fusinato
Infinitivo doble 5, 2009
UV semitonos tinta sobre aluminio
250 x 500cm
 
Aetheric plexo de 2009
13200 vatios de luz blanca, ruido blanco 105db, tubos de aleación, luces Par Can 56, acopladores dobles, LanBox LCM controlador DMX, dimmer de rack, DMX reproductor de mp3, altavoz activo, sensor, cables de extensión, tiro bolsas
880 x 410 x 230 cm
Vista de la instalación, New09 ACCA
No hay autoridad, 2012
Vista de la instalación
100% lana de Nueva Zelanda alfombra, monitor, cámara
9,25 x 12,04 m






 

30 may. 2012

Hugo Canoilas


  Hugo Canoilas (nacido en 1977 en Portugal,  y vive en Oeiras) es parte de una generación de artistas portugueses que procesan los legados del arte contemporáneo, tomando la inspiración de algunos artistas de los contextos anglo-estadounidenses y latinoamericanos, que en ciertos momentos, por ejemplo en los años sesenta, desarrolló propuestas conmovedoras de arte. La reciente investigación artística en lengua portuguesa es interesante: en la historia del país, una sensación de aislamiento y separación de los principales centros y las historias principales son las características que se repiten. Hoy en día estos aspectos negativos parecen crecer en activos positivos e incitaciones. (Como un paralelo podría pensar en el caso artístico de la ciudad relativamente aisladas, el puerto y la isla de Vancouver.)

 
La escena actual del arte en Lisboa y Oporto es vibrante. Hugo Canoilas tiene una parte activa en ella, junto a sus actividades internacionales de muchos. Su arte es informado por los experimentos de la década de 1960 "en el arte y la vida, sus obras contienen referencias explícitas a los artistas que lo inspiran, por ejemplo, Hélio Oiticica, Barnett Newman y Blinky Palermo. Por el momento, Hugo Canoilas se encuentra inmerso en una investigación sobre el tema de la caída, el acto de caer, y la idea de la gravedad (atracción y muerte)

Vota Octávio Pato, 2007, Installation view
.El arte de Hugo Canoilas 'ha sido, en sus propias palabras, un fuerte vínculo con la historia del arte y la evolución del arte tal y como ocurrió durante el primer período de la modernidad. Su trabajo toma en diferentes medios, utilizando la estética popular, la representación de la política y las ideas de la filosofía, la poesía y la historia. El énfasis está en la pintura como un material y la metáfora. La pintura es, a su juicio, un medio de gran sensibilidad para registrar las señales del mundo, y una poderosa herramienta para sensibilizar al espectador y por lo tanto el mundo.(traductor de Google)
 

28 may. 2012

Aernout Mik

Aernout Mik (Holanda, 1962) califica su trabajo de vídeoinstalaciones
Aernout Mik Vacuum Room (2005), still from video installation
  El universo de Aernout Mik es una recreación de lo absurdo, del sinsentido, de lo ilógico de las cosas. éste parecería que es su mensaje en un primer momento. Sus vídeos consisten en secuencias muy cortas y sin narración de absurdos y catástrofes. Sin sonido, las imágenes se van repitiendo en una secuencia sin fin; a lo sumo existen ligeras variaciones, pero se trata básicamente de la misma situación. Las figuras que intervienen son como personajes deshumanizados: en un entorno intencionadamente descuidado, sus gestos no son sus gestos, su contexto no es su contexto, sus relaciones no son sus relaciones... Son personajes o títeres de un ballet mecánico. A priori se diría que son imágenes extrañas, agobiantes, que responden a una estética exhibicionista del dolor, como si se tratara de una autocomplacencia adolescente por lo grotesco. Así, Aernout Mik recrea un laberinto de imágenes que implica al espectador; en algunos casos, por ejemplo, con efectos de ligeros movimientos de paredes y/o de la pantalla para intensificar la percepción. Otro aspecto importante: en muchos casos, los retroproyectores, a ras de suelo, proyectan la imagen sobre una pantalla de manera que ésta resulta visible por sus dos caras en el itinerario de la exposición; esto significa que los transeúntes cruzan la fuente de luz e interfieren con su sombra la imagen. Asímismo, Aernout Mik explica que en sus construcciones utiliza la escala humana -las pantallas no son superiores a 1,75 m. Es decir, existe la voluntad de crear una atmósfera envolvente, de que los transeúntes se impregnen o se sumerjan en las imágenes... ésta es la idea, como si los espectadores también formaran parte de las imágenes o las imágenes se desdoblaran en espectadores y fueran parte del mismo sinsentido y del mismo absurdo.(JaumeVidal Oliveras)






Perder el control nos lleva muchas veces a una alteración, a no ser del todo conscientes de lo que pasa a nuestro alrededor. A sentirnos perdidos, subordinados por lo que pasa. A estar confusos. Precisamente, en esa indeterminación que supone el desfase emocional entre un acontecimiento y cómo nos afecta, Aernout Mik (Gröningen, Holanda, 1962) evoca lo que nuestra conducta tiene de fragilidad. Sobre ella gira todo su trabajo. Sobre dinámicas y conductas: las que nos colapsan, las que nos alienan, las que nos diferencian. Ante las que claudicamos. Un trabajo que infunde una violencia sutil y contradictoria que pone en duda nuestra capacidad de relacionarnos. Todas las obras tienen una relación con la crisis y la violencia, pero de manera muy diferente. A veces, esa relación es casi lúdica, otras subversiva y, en ocasiones contundente y casi de coger aire.(Bea Espejo)

25 may. 2012

Jutta Koether

Jutta Koether nace en Alemania en 1957 y vive en Nueva York desde la decada de los 90.
Mede oil 225cm x200. Su estilo exuberante es una reminiscencia de la naturaleza fluida de arte de la calle,
Demonic Options (Large format #1), 2010
Jutta Koether es una de las figuras centrales de la pintura contemporánea. Sin embargo, ella es algo más que un pintor. Ella es también un artista de performance, músico, escritor y teórico. . Su papel como artista se ha reducido mucho en ser considerado como una respuesta feminista a la escena de Colonia de finales de 1980. Con sus campos de color translúcido, la pincelada gestual, dibujos de cuerpos femeninos y la apropiación lírica de la poesía y la historia del arte, que con frecuencia parece asumir posiciones en contraste con artistas como Martin Kippenberger, Sigmar Polke y Albert Oehlen. Como crítico y editor de la música y la cultura pop Spex revista y como artista de performances y música, sin embargo, Koether no encajaba con la imagen típica de la escena artística de la época. Desde el comienzo de su carrera artística Jutta Koether ha tratado de hacer de la expansión de su programa. Al mismo tiempo, siempre ha sido importante para ella que no debe tomar un papel inequívoco como artista, pero siempre para trabajar desde varias posiciones.
Lux Interior, 2009 (Performance with Hot Rod (after Poussin), 2009)
   Desde su llegada a Nueva York en la década de 1990, en que se mueve en un campo expandido de la experimentación y la improvisación, la literatura y la teoría en la escena de Nueva York. Cooperación con músicos como Tom Verlaine (Television) o Kim Gordon (Sonic Youth), a menudo le proporciona más importante fuente de inspiración que la obra de otros artistas visuales. Es específicamente a través de estos desvíos aparentes y las formas alternativas de energía que ha creado una especie de espacio libre para sí misma, lo que permite una re-evaluación del medio de la pintura y su potencial que se necesita con tanta urgencia en la situación actual. La exposición en la Kunsthalle de Berna 2007es la  primera  gran exposición individual en Suiza, mostrando una amplia selección de su trabajo desde mediados de los ochenta, por primera vez. Con pintura, dibujos, textos trabajos en vídeo e instalaciones, Jutta Koether ocupa todos los espacios de la Kunstverein. Ella conecta sus diversas formas de expresión con un otro, creando así dispositivos experimentales de la cual fluye una dinámica .(Traductor de  Google)
 

24 may. 2012

Xu Bing




El artista chino Xu Bing( nacido en China 1955) sus trabajos de interpretación del lenguaje no dejan indiferente a nadie. Primero fue “Tianshu” (“Un libro del cielo”), en el que inventó más de 4.000 caracteres chinos. Años más tarde presentó sus “New English Caligraphy Series”, en las que mostraba lo que parecían caracteres chinos pero que en realidad eran palabras en inglés. Ahora Xu Bing sorprende a su público con “Book from the ground” (“Libro de la tierra”), una obra escrita exclusivamente con iconos que  narra un día en la vida del señor Black. En un total de 24 capítulos, Xu Bing nos cuenta, hora tras hora, los pormenores de la rutina del protagonista. Y lo hace sin palabras. El libro sólo contiene iconos, símbolos y logos, con el objetivo de demostrar que, más allá de los idiomas, existe un lenguaje universal. “Book from de ground” quiere ser la culminación de todas sus investigaciones sobre el lenguaje. A lo largo de su carrera artística, Xu Bing ha jugado con la relación entre la comunicación visual y los símbolos escritos. Con este nuevo trabajo persigue, una vez más, demostrar estas relaciones y provocar la reflexión sobre cómo entendemos el mundo que nos rodea a través del lenguaje y de qué elementos se compone este lenguaje. Xu Bing enlaza esta obra al concepto de globalización y a la necesidad de utilizar lenguajes que nos permitan la comunicación entre todos los seres de la aldea global.
"Book from de ground" se puede consultar de forma completa AQUI



Xu Bing, tambien, escribió un artículo en el semanal Southern Weekend (南方周末) donde presentaba una de sus últimas concepciones artísticas: "el inglés en caracteres chinos" (英文方块字). Su idea es la de mezclar el idioma de Confucio con el de Shakespeare para crear un idioma nuevo que a simple vista parece chino pero que contiene palabras en inglés.




22 may. 2012

Eduardo Stupia

  Eduardo Stupia Nace en Buenos Aires 1951 .Los  grafismos de en su obra  van mucho más allá del mero concepto de dibujo ya que su obra posee una impronta pictórica de mucho dinamismo.

Soy muy ordenado para componer aunque no lo parezca.
Empecé a disolver mucho más aquello que se veía. Antes en las tramas, uno se
acercaba y encontraba personajes, situaciones, etc. Hoy te acercás a esa trama y
se disuelve. Antes se constituía. Mis pinturas son para ver de lejos, pero hay algo
que te lleva a acercarte, porque hay zonas internas. Siempre tuve vocación escénica y un interés por la doble mirada.
Trabajo la trama en forma de contrapunto. La idea del tramado es central. Puede
ser de pincelada corta y caligráfica o gestual, de raspado, etc. Para mí el concepto de dibujo era: la línea más pura posible, por ejemplo con plumín, dibujo microscópico o figuración o relato microscópico centimetral y el plano lleno.

Para mí es muy importante la técnica como una herramienta a desarrollar. Es un músculo. Hay que practicarlo. Y hay escalones que ir subiendo. Hay que subir el umbral del recurso. Hay que saltear la seguridad que te da el oficio, la técnica.
Cuando paso al lápiz, a la carbonilla y al grafito no es un salto meramente técnico sino que es un salto conceptual. Un salto poético. Yo podía seguir con la tinta, que era como pertrecharse en lo seguro.
 Paisaje II. Carbonilla, lápiz, grafito y acrílico sobre papel pegado a tela. 0,69 x 0,69 m. 2008.
Porque son materiales con una poética distinta. No se trata de agregar un detallito. Se trata de comenzar a trabajar con otros materiales, pasar del grafito al pastel, al óleo y de ahí inmediatamente al esmalte sintético y de ahí al acrílico y de ahí inmediatamente al color.
 ¿Qué es el dibujo en este momento contemporáneo donde se borran los límites?
 Examinar los límites de una disciplina es sano. Porque cuando se borran los límites no sólo se genera una revelación sino también confusión. El artista tiene que estar entre los límites y la expansión de los límites.

¿A quién admirás?
A Yuyo por supuesto. Admiro mucho a mis colegas artistas, más allá de alguna eventual rivalidad. Admiro a los artistas comprometidos con la obra. Por ejemplo Pablo Siquier, Juan Astica. Admiro mucho a la gente anónima que trabaja.
Veo todas las carpetas que nos llegan a La Línea piensa. Me gusta la vocación anónima de trabajar en un área que puede no darte nada a cambio. La proporción de devolución con respecto a la proporción de inversión, en cantidad de gente, esfuerzo, sacrificio, ilusión es
despareja. Lo que se invierte en el campo artístico y lo que uno recibe es muy desparejo. Y hay gente que invierte mucho y no recibe nada.
Yo en esto tuve mucha suerte  (leer entrevista  aqui)

 ¿Cómo ve el mercado del arte?
-Aparecieron más coleccionistas que no sólo compran artistas sino que compran una idea del arte. Podría decirse, un modo de hacer arte. Por otro lado creo que, en el fondo, el comprador medio argentino desconfía del valor intrínseco de la obra de arte. Más allá del precio que paga, desconfía de que eso que va a comprar tenga efectivamente un valor trascendente. El mercado argentino carece de hipótesis de futuro. Cuando yo vendía dibujos en la década del 80, la duda de la gente era si eso se iba a valorizar. Lo que a mí me parecía una pregunta incómoda en los 80, era una pregunta pertinente porque de algún modo el comprador se estaba planteando una hipótesis de futuro, y compraba teniendo en cuenta esa presunción. Hoy nadie pregunta eso. Compran por hedonismo: por el placer de tener la pieza. Me parece bien, pero creo que a eso habría que sumarle el valor de la fe en que esa colección es un modelo de proyección a futuro del arte que se está haciendo hoy. El mercado argentino piensa sólo en el aquí y ahora. Carece, para decirlo burdamente, de una hipótesis de inversión que no sea solamente la inversión en cuanto al precio. Y eso lo define: no hay mercado sin hipótesis de futuro.(Participa Bienal de San Pablo 2012)

15 may. 2012

Hanjo Schmidts

La obra de Hanjo Schmidts (Stuttgart, Germany) se basa en la fotografía, sí, pero evitando la
mímesis. Nunca es en sus pintura el motivo  más importante que el proceso
mismo de pintar Pinta al acrílico utilizando a menudo brochas
toscas, baratas, aplicando la pintura en rápidos y crudos brochazos. Su
estilo es directo y dominante,  basando los colores en lo que se ve pero
llevándolos siempre al extremo. Son pinturas expresivas, y en ellas el acto
de pintar en sí hace que los motivos pasen de alguna manera a un segundo
plano. Ni por un momento tiene el espectador duda de que el arte de Hanjo
Schmidt trata de pintura, de materia, de aplicar color a una tela.Sorprende el hecho de que aún  a pesar de esta pincelada tan brusca quede
el modelo tan  precisamente definido.








 Los ojos  brillantes, las pupilas  de
contornos definidos y duros, un cuello enjuto , una espalda huesuda: todo
ello queda perfectamente dibujado, y sin embargo  no intenta crear una
ilusión, una copia realista del tema.Hanjo Schmidt al ser humano tal cual es: en su
existencia ambivalente, bella y fea al mismo tiempo, vulnerable y brusca, que busca y
que niega, que enseña y que esconde (Adrienne Braun)leer mas aqui

10 may. 2012

David Maljkovic


Nacido en Croacia en 1973, Maljkovic ha llamado la atención en el último par de años para una serie de exposiciones individuales y por su presencia en una serie de importantes exposiciones colectivas en lugares como KW de Berlín, Artists Space en Nueva York y el Centro Pompidou en París. Su nombre también llegó a ser prominente, algo por desgracia, cuando fue excluido de improviso por el comisionado, Zeljko Kipke, de la participación en el Pabellón de Croacia en la Bienal de Venecia de este año. Sus obras constituyen una exploración cultural e histórico de los acontecimientos del pasado reciente de Croacia, a través de los enfrentamientos entre la generación actual más joven del país y sus monumentos históricos,








David Maljkovic
Recalling Frames, 2010
Black and white photograph
42 x 52 3/4 inches (frame size)
106.7 x 134 cm


















En las obras de Maljkovic, las secciones de arquitectura de hormigón austero están perfectamente conectados a través de las fotografías dispares, con los personajes de la película de Welles que habita en un entorno urbano actual que se ha ido sin cambios en el tiempo transcurrido. La ciudad del pasado, su papel como el establecimiento de la prueba, y la realidad de su estado actual todos comparten un único fotograma, extraña. En otras piezas, en el que los edificios de la película desde entonces han sido remodeladas, borrado o destruido, los personajes de Welles habitan en ambientes que ya no existen. Estos trabajos ocupan un mundo que, a lo largo de años de transformación política y económica, se vuelven obsoletas y borrado.






Actualmente vive y trabaja en Zagreb. Exposiciones recientes en solitario incluyen Posdata 1, Nueva York, Whitechapel Gallery, Londres; Kunstverein de Hamburgo; CAPC de Burdeos, y Nuremberg Kunstverein. Exposiciones recientes del grupo incluyen "Eyes Wide Open", Stedelijk Museum, Amsterdam, "The Violet Hour", Henry Art Gallery, Seattle, y la quinta Bienal de Berlín de Arte Contemporáneo. ( Traduccion Google)

8 may. 2012

Sophie Calle

Sophie Calle es una artista francesa nacida en 1953. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia, para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.

 1979: Les Dourmeurs (Los durmientes). "Lo que me gustaba era tener en mi cama gente que no conocía, de la calle, que no sabía lo que hacían, pero que a mi me daban su parte más íntima, (...) ver como dormían ocho horas por la noche, como se movían, si hablaban, sonreían. Esta gente no sabía quién era ni qué hacía..."
"Pedí a algunas personas que me proporcionaran algunas horas de sueño. Venir a dormir a mi lecho. Dejarse fotografiar. Responder a algunas preguntas. Mi habitación tenía que constituir un espacio constantemente ocupado durante ocho días, sucediéndose los durmientes a intervalos regulares. La ocupación de la cama comenzó el uno de abril de 1979 a las 17 horas y finalizó el lunes 9 de Abril de 1979 a las 10 horas, 28 durmientes se sucedieron. Algunos se cruzaron(...) un juego de cama limpio estaba a su disposición (...) no trataba de saber, de encuestar, sino de establecer un contacto neutro y distante. Yo tomaba fotos todas las horas. Observaba a mis invitados durmiendo."



 1980: Suite Vénitienne. "Regresé a Francia después de pasar siete años en el extranjero. No conocía a nadie. Me sentía perdida en mi propia ciudad. Así que decidí seguir a desconocidos y que fueran ellos quienes decidieran a donde ir. Siempre he estado organizando ritos en mi vida; la mayoría nunca los he usado para mi trabajo. Hay gente a la que he seguido un año entero, pero no he publicado ni he usado ese material. Un día seguí a un hombre hasta Venecia..
Los ciegos
“Hice este trabajo en Francia y Australia. No sé por qué pregunté sobre la belleza. Simplemente, me encontré con un grupo de ciegos en la calle y uno le decía a sus amigos: ‘Ayer vi una película preciosa’. Tardé dos años en terminar esta obra. Tenía miedo del elemento de crueldad implícito en preguntarle a una persona ciega qué es la belleza. Además en esta obra volvemos a encontrar la idea de mirar sin ser mirados. No se trata aquí de una investigación sobre la idea de belleza. No me interesa demostrar que los ciegos pueden ver.” (Sophie Calle)


Douleur Exquise (Dolor exquisito) constituye una poderosa narrativa que hace el recuento de un viaje al exterior, la pérdida de un amor, el sufrimiento y su consabida catarsis. Es el diario de una travesía de París a Tokio, pasando por el Expreso Transiberiano ruso, y de la historia de un encuentro fallido en la habitación 261 del Hotel Imperial en Nueva Delhi.
Esta es una instalación que se despliega en tres partes: la primera consiste en la exhibición de 92 fotografías y algunos objetos efímeros que recuerdan cada uno de los días del viaje de Calle que precedieron a la ruptura, este diario sirve como un conteo regresivo a los días del rechazo y la desolación; cada fotografía o documento sellado está marcado con un número que indica la cantidad de días restantes para los momentos de infelicidad. La segunda parte es una reconstrucción tridimensional de la habitación 261 del Hotel Imperial, el sitio de la tragedia amorosa de Calle; y la tercera parte constituye el exorcismo. La propia historia de Calle es enfrentada a las narrativas de dolor y ruptura amorosa de otras personas.



 Sophie Calle “Prenez soin de vous” 2007 Installation 
 No Sex Last Night
Por Sophie Calle con la colaboración de Gregory Shephard / 1992, 75:58 min.
En su primer proyecto para video, Calle se une a su colaborador/socio Gregory Shepard para crear un tour voyerista. Armados con cámaras de video, viajaron al Oeste de Estados Unidos en su Cadillac convertible para producir y documentar una narrativa de la vida real sobre sus experiencias y relaciones. En este video cada uno graba una especie de diario personal, presentando versiones completamente diferentes de su relación.
Con sus cámaras como herramientas de un duelo, los protagonistas hacen una crónica de las complejas y difíciles cartografías de las relaciones humanas, su lucha para reconciliarlas, la sexualidad y el deseo. El espectador es retado a enfrentarse con la posibilidad de reconsiderar los roles culturales impuestos por el género, la sexualidad, el poder y la tradición.
A lo largo de este proceso, Calle busca redefinir a través de la investigación personal, los términos y los parámetros de las relaciones sujeto/objeto, público/privado, la verdad, la ficción y los juegos de rol.
 Sophie Calle “Prenez soin de vous” 2007 Installation 

  Sophie Calle, Tour Eiffel. Sophie Calle, 2007, Installation en quatre parties : six photographies, prises depuis la tour Eiffel en 1979, un journal intime de 1979, le diptyque Chambre avec vue, et un néon portant le titre de l’ensemble, Cette installation est mise en regard avec l'œuvre Eiffel Tower de Hiroshi Sugimoto. 

Muestra actual "Historias de Pared" (MAMM)



6 may. 2012

Eugenia Balcells

Eugenia Balcells (Barcelona, 1942)se ha caracterizado por la creación de estructuras lumínicas, de construcciones simbólicas, definiendo la luz como eje central de todo su trabajo, aunque en cada momento ha estado implicada con la realidad social y personal de su entorno vital.

 Pionera del arte conceptual y del videoarte, Balcells tiene una extensa y poliédrica obra, reconocida internacionalmente, realizada con todo tipo de soportes, desde la fotografía a las instalaciones, filmes, vídeos y performances, pero prefiere no ensimismarse revisitando su producción. "Trabajo en el presente, en este siglo, en este momento", dice. Ha pasado mucho tiempo desde que llegara a Nueva York, el verano de 1968, en plena efervescencia contracultural y del movimiento contra la Guerra de Vietnam. O desde que sorprendiera al mismísimo Jonas Mekas con su filme Fuga. Lo importante, insiste, es el ahora y cómo utilizar el arte.Para Balcells, lo más interesante de la práctica artística es que no tiene objetivos predeterminados. "En este momento histórico esto es muy importante si se utiliza bien, si vamos más allá de mirarnos el ombligo. El arte ha estado demasiado ensimismado y ahora es más que nunca necesario que mire hacia fuera, porque la imaginación es uno de los recursos que más necesitamos para salir del embrollo en el que nos encontramos". En su opinión, el arte debe ser el lugar de encuentro entre la ciencia, el pensamiento y la imaginación para buscar nuevos paradigmas de la realidad.


 Balcells ordena el mundo en el orden de los chacras hindúes. El rojo, explica, "son todos los fuegos iniciales, las lavas iniciales de la formación del planeta; también la sangre y el interior del cuerpo; por las ranuras de cuatro metros se podrán ver los fuegos y las imágenes de Carmen Amaya bailando en Los Tarantos"."Subes desde el rojo, desde abajo, desde la fuerza del sexo; pasas al naranja, sigues por el amarillo, el plexo solar que es el Sol y también el alimento: los campos de trigo, el oro. Más arriba está el verde, que es el corazón y la naturaleza: los bosques, las plantas, las hojas. El cuello es turquesa, es la comunicación y las aguas, el mar y los ríos. Más arriba está el azul, la cabeza, la mente, el mundo de la creación de las geometrías. Y acabas con la noche, todas las ciudades del mundo por la noche. Y, finalmente, el violeta, ¿Qué hay violeta en la naturaleza? Cuatro flores, es la imaginación, y aquí ya tienes los fractales, los imaginarios, los sueños".



Propuesta que resigue los espectros de emisión y
absorción de la luz por parte de los elementos químicos.
Es a la vez un viaje a través de la energía
que generan las bandas lumínicas de los colores y
un homenaje a los átomos que conforman esencialmente
la materia.