30 jul. 2012

Dayanita Singh


It would not occur to a grandmother to leave her children in an orphanage after the death of her sons and daughters-in-law


Dayanita Singh
Estudió Comunicación Visual y fotografía hasta 1988 en Ahmedabad y Nueva York, y su carrera en la fotografía se inició accidentalmente. Durante un concierto del gran percusionista hindú Zakir Hussain (el sonido de su "tabla" ha acompañado a George Harrison, John McLaughlin (grupo Shakti) y otros músicos, o lo hemos podido escuchar en la banda sonora de "Apocalypse Now"), Dayanita tropezó y cayó, y el músico la invitó a una sesión de fotos.
 




La obra de Dayanita Singh (Nueva Delhi, 1961), sin duda la fotógrafa más conocida de la India,  ha sido objeto ---a comienzos de 2010 en Madrid--- de su primera antología en España donde se han mostrado más de un centenar de fotografías desde 1989 hasta la actualidad. Esta muy interesada en estudiar a las personas y su mundo interior, siendo la fotografía en blanco y negro el medio que más ha gustado de utilizar. De su obra aparecen en dicha antología piezas fotográficas procedentes de sus series "Myself Mona Ahmed" (sobre la vida de un eunuco en Delhi a la búsqueda de su identidad), "I am as i am" (sobre la vida cotidiana de Delhi), "Ladies of Calcuta", que retrata a la mujer india. En su última época ha empezado a utilizar la fotografía en color ---mediante la que busca alejarse de la realidad--- que ha dado lugar a sus series "Blue Book" y "Dream Villa".



25 jul. 2012

Juan Iribarren

  
C-Print, 20" x 28"  2012 Photographs
Juan Iribarren (Caracas, 1956) dedica su obra a la pintura de espacios de colores velados y fondos que resplandecen sutilmente. En sus cuadros –generalmente de formato cuadrado– podemos observar una alternancia equilibrada, entre las tendencias lineales, de flujos definidos en una dirección, y los movimientos difusos que se contraponen a estas dinámicas. A su vez, el trabajo de contraste entre los fondos y los movimientos, es lo que otorga profundidad atractiva a estos gestos sobre el plano.
c-Print, 20" x 28"  2012 Photographs
  Si la pintura abstracta se ha despojado de la materia para llegar a ser solo pintura, estas obras abarcan una situación visual, donde no hay nada más que sombras y luces sobre una superficie plana. El espectador va a tener dificultades para reconocer aquí un momento visual. Todas las pinturas, sin embargo, se refieren a momentos específicos de la luz en la que por lo general  la luz del día desaparece confundidos por la presencia de luces artificiales cuidadosamente controlados por el artista. Estas situaciones como resultado un esquema de color de una densidad atmosférica indiscutible, a veces lleno de estridencias y la improbabilidad cromática. Las fotografías presentan evidencia iconográfica del proceso: revelan las situaciones en las pinturas, esta vez con el objetivo específico de la mirada de la cámara digital.

22 jul. 2012

Iñaki Bonillas

Iñaki Bonillas,nacido en México DF en 1981 es escultor, artista de instalaciones y fotógrafo. Vive y trabaja en Ciudad de México. Su trabajo más reciente está basado en el archivo fotográfico de su abuelo.

 Entre sus exposiciones destacan: El aire es azul, Casa Estudio Luis Barragán, México, D.F. (2002), Little Hystory of Photography MUHKA, Amberes (2003), Utopia Station, 50 Bienal de Venecia (2003), Los usos de la imagen: fotografía, film y video en La Colección Jumex (2004), y su reciente Archivo Muerto, _h4th, México D.F. (2005). Su obra ha sido seleccionada por comisarios de la talla de Hans Ulrich Obrist, Guillermo Santamarina, Jan Hoet, Osvaldo Sánchez o Kevin Power entre otros.
Paralelamente a su Intervenció al Pavelló, ProjecteSD presenta, Archivo JR Plaza, la primera exposición individual de Iñaki Bonillas en España. Ambas presentaciones del trabajo de Iñaki responden a vías de trabajo distintas, características de la obra de Bonillas: las reflexiones en torno a los conceptos de la luz y el tiempo y el desdoblamiento de la fotografía y su trabajo sobre el archivo.
Iñaki Bonillas (Mexico DF, 1981)
El vínculo del trabajo de Iñaki Bonillas con la arquitectura no es casual. Desde sus inicios artísticos ha venido desarrollando proyectos en los que planteaba obras en las que la arquitectura, y los conceptos de luz y espacio estaban presentes. Mención especial merece su obra Sin Título, creada específicamente para la Casa Barragán en el contexto de la exposición El aire es azul comisariada por Hans Ulrich Obrist en 2002. En su actual propuesta, Intervenció al Pavelló, una vez más, Bonillas desarrolla una sutil intervención. Un cambio de luz y color en uno de los muros del pabellón que durante unas horas del día va a rememorar el espíritu del trabajo de Luis Barragán. Este trabajo incide en algunas de las características de la práctica artística de Bonillas. Aunque no explícitamente evidente, el uso del color y del espacio empleados por Barragán, han sido de gran influencia en parte del trabajo de Bonillas.

A sombra e o brilho, 2007

 El abuelo de Iñaki Bonillas (México DF, 1981) estaba fascinado por las historias de cowboys que veía en las películas. Fruto de esa fascinación, a veces se fotografiaba encarnando las poses típicas de los vaqueros. Hasta que, en 1945, le llegó la oportunidad de viajar a Wyoming y experimentar las sensaciones de un auténtico cowboy. Aguantó un par de meses. Relató su experiencia allí, amarga, en breves notas de diario. Y regresó a casa. Prefirió quedarse con la ficción de las películas y las poses.

Iñaki Bonillas ha recuperado el archivo de imágenes de su abuelo (aunque ésta no es la primera vez que las utiliza como base de sus proyectos).
La muestra presenta los trabajos realizados a partir de 2003 por este joven fotógrafo mexicano con creciente proyección internacional, a partir de los treinta álbumes fotográficos y otros documentos heredados de su abuelo materno, José María Rodríguez Plaza, quien ejerció de fotógrafo autodidacta y reportero familar hasta el agotamiento, tanto como retratista de sí mismo.

A partir de ese importante archivo en el que se encuentran representados de una manera u otra todos los géneros fotográficos, Iñaki Bonillas ordena y clasifica de forma exhaustiva una suerte de breve historia de la fotografía reconstruida a partir de la narración en imágenes del anecdotario de su propia familia: algo más de ochocientas diapositivas -entre otros soportes-, en su mayor parte expuestas en cajas de luz de pequeño formato.
Naufragio con espectador, 2007
Four wooden platforms with leveling system and fluorescent light.
Variable measurements
 Y también ha reproducido con una máquina de escribir las notas de aquel diario. ¿Qué tenemos? La referencia al archivo: un recurso plenamente contemporáneo (algo nos sonará, recientemente, sobre la necesidad de hacer del museo un archivo); y entroncado a las prácticas conceptuales, subrayado en este caso por la sequedad o austeridad de planteamientos y de la exposición
  Por otro lado, una buscada tensión entre realidad y ficción. Todo un tema que podemos leer en clave metafórica, yendo más allá de las antiguas historias de cowboys, para pensar en las extrañas y perversas relaciones que se dan entre realidad y ficción hoy en día (¿”Gran hermano”?).

19 jul. 2012

Alberto Bitar

Efêmera Paisagem,

 Alberto Bitar nació en Belén (PA) en 1970. Él comenzó a fotografiar en 1991. En el mismo año, participó en los talleres de fotoactivos. Desde entonces desarrolla pruebas de carácter personal.

Bitar ha participado en exposiciones colectivas en Brasil y en el extranjero, como el Salón de la Bahía, Porto Seguro, Premio de Fotografía, Premio de la Fundación Conrado Wessel, Internacionales de Fotografía Abelardo Rodríguez antes - La Habana / Cuba, y Desidentidad en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, España.

/ Título, da série Efêmera Paisagem, 40 x 60 cm, 01/12 – Impressão jato de tinta sobre papel Art Photo Luster

 Sus estudios de fotografía en primer lugar, favorece el movimiento, las pistas y el tiempo de flujo mediante el uso de obturador de la cámara baja velocidad. (privilegiou  o movimento, os rastros e o fluxo do tempo pela utilização das baixas velocidades do obturador da câmera.)


Efêmera Paisagem,


 

7 jul. 2012

Luis Moro

Nace en Segovia en 1969 
Bestiario del Dioscórides


Paraisos elementales 2009
Cartografia animal 2011
 La pintura de Luís Moro siempre ha asumido el reto de contarnos historias, relatos filtrados entre dibujos sutiles y colores transparentes. Crea a lomos de las grandes narraciones míticas y su obra es una constante metamorfosis de razones y pasiones. Sacrificios y totems. Tauromaquia y laberintos. "Papaloapan" ("Río de mariposas") y "Xoloitzcuintle", reencarnados en México. Luís Moro nos presenta un álbum de imágenes despertadas de las páginas de viejos ejemplares de la National Geographic Society. Animales insólitos y medio ambiente sublimado. Viajes iniciáticos. Como los pioneros, no se trata de colonizar territorialmente, sino conocer; desvelar e intimar, más que poseer. La obra de Moro aporta una cartografía de representaciones visionarias, mapas de ficciones y territorios virtuales. Cartografías de paisajes primigenios, antes expuestos en la Biblioteca Miguel Lerdo de Tejada en la Biblioteca de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público de México. Nos aventura en una fantasía real. Naturaleza imaginaria, como si la evolución ensayara nuevos procesos imprevistos. La serie de pinturas que Moro nos regala nos reta ante una nueva frontera a superar, a sublimar

Mas aca

6 jul. 2012

Athanasios Argianas

  Athanasios Argianas Nacido (1976) en Atenas. Estudió (pintura BA) en la Universidad Aristóteles de Tesalónica, Grecia (1994-97), en la Kunstakademie Düsseldorf (Profesor Jannis Kounelis) (1999-2000), en la Escuela de Arte Byam, Londres (BA Bellas Artes, 2002 - 03), y en el Goldsmiths College, Londres (MA Fine Art, 2004-05). Vive y trabaja en el Reino Unido. La práctica Athanasios Argianas 'se extiende por diversos medios y formatos, y mira a una amplia gama de referencias culturales. Sus obras se centran en preguntas sobre la música, el lenguaje, el tiempo no-lineal y la memoria, y en una de las principales preocupaciones acerca de cómo procesamos la información y registro. Se caracteriza por una serie de trabajos y re, la práctica Argianas 'se basa en una metodología de la traducción continua de las formas y los medios de comunicación unas con otras.(traductor google)
 


Esta idea de tiempo no-lineal ha sido investigada por los artistas, escritores y músicos  durante años y es actualmente la fuente de inspiración para  el artista griego Athanasios Argianas.



Canción de la máquina 16 (la longitud de un filamento de su pelo de la anchura de los brazos, sin doblar ...), 2011
La longitud de una cadena de su cabello, de la anchura de tus brazos, sin doblar, Argianas ha creado un nuevo trabajo que trata sobre "la memoria y la forma en que procesar y traducir la información. "el pedazo del título de la muestra es una instalación extraña que consiste en un móvil de metal, que cuelga en el modo de dos pantallas de proyección, que echaban la silueta de sí mismo en las proyecciones. Se describe por el museo como "interrumpir" la proyección, que recuerda la forma de memorias de uno de interrumpir el presente de vez en cuando, capas mismos sobre su conciencia como sombras en una pantalla. A veces los recuerdos-en particular el muy bueno y el muy mal-tienen una manera de interrumpir la vida de esta manera, haciendo que perdamos un instante el sentido del tiempo y lugar. Además, la pieza Argianas "implica la presencia intermitente de la silueta de un hombre caminando a través de la pantalla de proyección, lectura en voz alta de un texto,"Clave para entender el trabajo.
Lyrical Machine, 2011
two-tone satin fabric, mild steel
160x50x39 cm
Construida en latón y acero, la escultura consiste en una cinta larga y delgada de latón que las cortinas elegantemente a través de un bosque de soportes de acero fino. El bronce bucles y curvas generosamente por su propio peso como la seda girando. Una mirada más cercana revela un texto escrito por Argianas, grabadas en el bronce, la yuxtaposición de las partes del cuerpo, objetos o animales, que describen la longitud y anchura: "La longitud de una cadena de su cabello, la longitud de un cordón de zapatos ... de la anchura de una serpiente coral enroscada ".ver mas AQUI

4 jul. 2012

Sánchez Castillo

Sánchez Castillo  nació en Madrid, en 1970, es licenciado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y master en Filosofía y Estética de la Universidad Autónoma de la misma ciudad que ha desarrollado buena parte de su carrera en Holanda, aborda habitualmente en su trabajo los símbolos establecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda
La escultura fue realizada para la 'Noche en blanco' de Madrid
“Método del Discurso” toma su nombre del famoso Discurso del Método de filósofo francés René Descartes, y en sentido inverso a Descartes, Sánchez Castillo no relativiza su discurso contra la creación de tecnología al servicio del poder, se atreve a expresar deliberadamente que todo puede ser diferente y convierte al robot desarmador de bombas en una inofensiva máquina el servicio de la creación humana: el arte. Esta novedosa apuesta de resignificación de la violencia en vida, inspira al espectador a mirar la contracara del poder, que es la apuesta estética que mueve a Sánchez Castillo.
Esta intensión se puede apreciar en la escultura “El Alimentador de Pájaros”, donde usa el busto de Felipe V para instalar un dispensador de alimento para pájaros, instalado en la entrada del CAC. En esta escultura Sánchez Castillo ironiza el poder y la debilidad en un sentido profundamente político, donde la relación simbiótica los perpetúa en la dependencia.


Fernando Sánchez-Castillo. "Informalismo español (1970)". 2009. ac/t, 200x180cm
Abajo la inteligencia,Su obra “Abajo la Inteligencia” -nombre tomado de la célebre discusión entre Miguel de Unamuno y Millán Estray el 12 de octubre de 1936 en el paraninfo de la Universidad de Salamanca con motivo del descubrimiento de América o la llamada Fiesta de la Raza-, es una aguda mirada a España del siglo XX, a través de objetos que se han quedado plasmados en la memoria, como el auto del atentado a Carrero Blanco. La necesidad de redibujar la historia, a modo de hibridación entre el cómic y las ilustraciones periodísticas previas a la utilización de la fotografía y, por último dos vídeos, uno de ellos, presentado en la 26 Bienal de São Paulo (2004), Rch cat dies of Heartattack in Chicago (Gato rico muere de ataque al corazón en Chicago), en el que aparecen varias personas arrastrando la enorme cabeza de una estatua. El segundo vídeo, titulado Baraka y producido ex profeso para la muestra, reflexiona sobre la propia historia de España y, concretamente, sobre la idea de destino vinculada al poder. 


Antidisturbios rampante - de Fernando Sánchez Castillo. Parque Mayarí



El tercer proyecto presente desde el día 29 de septiembre al 20 de noviembre (2011) es “Monumentos Ciegos” de Sánchez Castillo, quien según explica descubrió una imagen de como se protegió La Cibeles durante la Guerra Civil. Desde entonces ha conseguido recopilar información para la realización de maquetas de las protecciones que se realizaron de la escultura y la arquitectura públicas. Es decir, presentar al público como se llevó a cabo la protección del patrimonio cultural en Madrid durante la Guerra Civil española.



 Síndrome de Guernica es el título de esta pieza escultórica elaborada a partir del Azor, la embarcación de recreo que utilizó el que fuera Jefe del Estado español, Francisco Franco y que fue escenario de diversos hechos históricos como las “conversaciones del Azor” entre Don Juan de Borbón y el propio Franco. Ya en la etapa democrática, Felipe González utilizó el yate en unas polémicas vacaciones veraniegas, y en 1990 el Estado lo subastó especificando que su destino era el desguace. Sin embargo, su comprador quiso convertirlo, sin éxito, en un local de ocio.

A finales de 2011 Fernando Sánchez Castillo compra el Azor para transformarlo en una obra artística con forma de prisma. El prisma es una forma ensalzada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva y su ausencia de referencias sentimentales o emotivas.

Se trata de una intervención pensada especialmente para la antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid

1 jul. 2012

Eltono ( Xavier Entzmann)

 


El artista francés vive en España  Xavier Entzmann, más conocido como Eltono .Nacido en 1975,  practicó el graffiti desde 1989 y durante los diez años siguientes. Utilizando el nombre Otone –simplificación de la palabra “automne”, otoño– y, como parte del prestigioso grupo GAP, se especializó en el bombardeo de la línea de tren que une París con su suburbio natal, Cergy-Pontoise, ejecutando piezas sencillas y legibles. Estudió artes plásticas en Saint Denis, de donde salió hacia Madrid en septiembre de 1999 para un intercambio de un año en la Universidad Complutense que se convirtió en una adopción permanente.
  La primera exposición individual que realiza en este mes en Pekin Titulada “1/1”, la muestra tiene como objetivo acercar el arte contemporáneo a la calle y de la calle a la galería. Llevar el arte a los lugares más inesperados ha sido el objetivo de este artista francés desde que comenzó a pintar figuras geométricas abstractas en la calle en 1999.
La muestra se trata de una selección de fotografías de tamaño natural que estarán en C-Space hasta finales de agosto 2012. Las puertas se pueden ver deambulando por las calles de Caochangdi y siguiendo el mapa elaborado por el artista.
El objetivo de este proyecto es crear un intercambio entre dos grupos: la comunidad del arte y los residentes locales. Los que visitan regularmente las galerías de arte están invitados a dar un paseo por el pueblo y disfrutar de las pinturas en sus ubicaciones originales, mientras que los residentes están invitados a entrar en la galería de arte y ver las fotografías de sus puertas, en un contexto nuevo y desconocido.






Gravure au Sol #11 - Grabado en el Suelo #11 - Ground Engraving #11 from Eltono on Vimeo.