28 ago. 2012

Zoe Leonard


La fotógrafa neoyorquina Zoe Leonard (1961) tiene un especial interés por los contrastes de nuestro día a día: la civilización y la naturaleza, lo industrial y lo manufacturado. En la serie Analogue a la que pertenece la imagen, Leonard ha fotografiado más de 400 tiendas de Nueva York y otras metrópolis para mostrar los efectos más claros de la globalización capitalista. Sus fotos muestran cómo las grandes marcas lo han invadido/alienado todo, pero también cómo el carácter peculiar de cada sitio termina prevaleciendo en los detalles.

An image from Zoe Leonard’s “Analogue,” an installation of hundreds of photographs at the Hispanic Society of America.   


  "No considero mi trabajo como antiformalista. No estoy realmente interesada en ponerme en contra de otros artistas u otras formas del arte, mostrándolo mal. Hago el trabajo que hago pues así pienso. Estas son las cosas que me motivan. Esta es mi clase de belleza, me gustan las cosas que sorprenden por su quietud. He desarrollado un lenguaje técnico que trabaja para mí. Disparo en blanco y negro. Copio la foto entera. Nunca retoco. Realizo en general muchos disparos sobre un mismo objeto o tema, pero me toma meses o hasta años elegir y dar con la imagen que buscaba. Trabajo generalmente con imágenes durante mucho tiempo, copiándolas en distintos tamaños y papeles, probando diferentes productos químicos y exposiciones hasta que encuentro la impresión final. Existen muchas decisiones formales. La idea es adquirir estos aspectos formales para concentrarse y trabajar sobre el concepto.  "



 "Mi trabajo está completamente arraigado a cierto acercamiento formal. No son pinturas ni dibujos. Son fotografías. Quiero que el espectador se dé cuenta de esto. Por esto copio la imagen completa. Si hay un rasguño en el negativo, lo dejo allí. La aspereza en mis impresiones es mi manera de dar lugar al espectador sobre mis procesos, el proceso de la fotografía. Pienso que por mucho tiempo la fotografía se ha considerado pobremente dentro de las artes. El máximo elogio que se le podría rendir a un fotógrafo es decirle que "su trabajo es muy plástico". Si deseara algo plástico o que parezca una pintura, pintaría. Mi trabajo es tomar fotografías, usar una cámara para observar que hay en el mundo. Así lo presento, tal como sucede en la cámara: sin matizarlas, enmarcarlas, o cortarlas."

24 ago. 2012

Jennifer B. Hudson

 “Esta obra es nueva y experimental, explorando ideas de memoria y perdida de la misma. Esta obra comenzó con una escultura a gran escala usando materiales orgánicos para crear una “armadura” o adornos para la cabeza de sujetos humanos. El trabajo final son fotografías digitales, prints de 10 x 10 pulgadas."



 Ver su obra  AQUI

19 ago. 2012

Egon Schiele (1890 – 1918).


Egon Schiele Nace en  Austria  (1890 – 1918).

 Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

 

Egon Schiele

Liebespaar (Lovers), 1913
Pencil and Watercolor and Gouache ( 48 x 31 cm.)

 

Pese a su corta vida y los cerca de diez años de actividad artística autónoma (entre 1908 y 1918), Schiele dejó una obra rica, que comprende más de 2.500 obras en papel y más de 330 pinturas sobre madera o lienzo. Según la misma fuente, la muestra constituye una aproximación al universo creativo de "uno de los artistas más significativos del siglo XX"

 A pesar de que su maestro, Gustav Klimt, es mucho más reconocido a nivel popular, Schiele consiguió convertirse en su alumno más aventajado y provocador (superando así  a su mentor)Representante del expresionismo austríaco, característico por su estilo agresivo de retratar el cuerpo humano, repleto de distorsiones. Fue acusado de pornografía e incluso encarcelado (y alguno de sus dibujos quemados) debido a la corta edad de su mujer y el hecho de que muchas veces retrataba niños en poses desnudas cuando rondaban por su casa del campo. Luego de esta época de grandes convulsiones, conoce a quien será su esposa y logra vivir por un tiempo una vida tranquila hasta que la Primera Guerra Mundial cae sobre el mundo (él no es enviado al frente) pero con ella también vino la Gripe española que causa la muerte de su mujer y tres meses después la del pintor que contaba con tan sólo 28 años.






 En El abrazo (1917), los cuerpos desnudos y deformes de la pareja de amantes se fusionan en un abrazo amoroso, intenso y desesperado. La figura del hombre no es otra que la del mismo pintor, quien, a lo largo de su breve pero intensa carrera, hizo de su propia persona el protagonista principal de su obra.





8 ago. 2012

Rúrí

  Rúrí ha nacido en Islandia en 1951.Las personas pueden tener diferentes motivaciones para expresarse artísticamente, y para el arte Ruri es la lengua. Se le permite expresarse de una manera que no habría sido viable a través de la palabra escrita o hablada. Se toca en las cuestiones que importan a todos nosotros, que plantea cuestiones relativas a la vida y la convivencia, de la coherencia cósmica, que se opone a la relatividad de los objetos y los fenómenos y las consultas del sistema de coordenadas que el hombre ha creado para estructurar su entorno. Ruri arte no puede ser clasificado y etiquetado, que aparece en las más diversas formas: a veces fresco en el diseño, a continuación, inconcebiblemente poéticas, que pone al espectador por turnos en el papel de un espectador convencional o un participante activo. Sus obras son conceptuales, en el sentido de que están ligados a ideas precisas y se basa en la teoría o la percepción, pero todos tienen un aspecto tangible y sensorial.Su obra, gira en torno a cuestiones filosóficas fundamentales, las condiciones que ella misma utiliza para describir su motivación: la identidad, el tiempo, el cosmos, la relatividad y el medio ambiente.
La Cartografia Futuro






La altura de cada dibujo / mapa es de 240 cm

La Cartografía Futuro exposición en el Museo de Arte de ASI es uno de los Proyectos Independientes de (I) La gente INDEPENDIENTE - Colaboraciones e Iniciativas del artista, Reykjavik Arts Festival 2012
(I) las personas INDEPENDIENTE, comisario Habib Engqvist Jonatan, el director del proyecto Kristín SchevingTrabajar en una amplia gama de medios de comunicación y tratar de expresar un compromiso social y ambiental, Ruri, une fuerzas con el geógrafo Gunnlaugur M. Einarsson. Un interés conceptual en el tiempo y la relatividad entrelazada con una preocupación por la naturaleza amenazada y la política aquí cumple con los geógrafos herramientas de análisis en una investigación del futuro de las topologías. Jonatan Habib EngqvistLos conjuntos de datos utilizados aquí son de dominio público y son devariatves de datos satelitales. En estos datos de mapas del conjunto de datos ASTER GDEM, que es un producto de la Nacional de Aviación y del Espacio (NASA) y la Autoridad Espacial Japonesa (METI) se utilizan junto con otra información de otras bases de datos. Gunnlaugur M. EinarssonEl trabajo es un estudio de la línea de costa futuro de los países. Tres países fueron seleccionados como muestras para centrarse en, Bangladesh, Egipto e Islandia.Los cambios de la línea de costa de actualidad para este estado futuro se basan en cálculos de la masa de agua que se dará a conocer durante la decadencia y el derretimiento total de la capa de hielo de la Antártida Oriental










 Bosque (III) 1983
Instalación. Vista de la exposición, Kjarvalsstadir Museo de Arte de Reikiavik.




El arco iris se materializa de la nada, tiene una duración de unos momentos y desaparece tan repentinamente como apareció. Nadie puede comprenderlo, ni
incluso acercarse a ella, sin embargo, tiene un valor muy especial para la mayoría de la gente.Instalacion / Rendimiento
Altura de la instalación de 1.700 cm, duración de la ejecución de 20 min.
Korpúlfsstaðir, Reykjavík, 25 de agosto 1983

7 ago. 2012

Christian Boltanski

Monument: Les enfants de Dijon (Monument: The Children of Dijon), 1985.
Christian Boltanski (nacido en 1944) es un artista francés fotógrafo, escultor y la instalación. Él es conocido por una obra que puede considerarse un archivo inquietante de nuestra historia social, cultural, étnica y de personal. Sus creaciones obsesionados con la muerte, le han ganado una reputación internacional. Él ha dedicado su vida artística trabajando con el más efímero de los materiales - recortes de periódicos, fotografías, instantáneas se encuentran, ropa, velas, bombillas, viejas latas de galletas. Christian Boltanski trabajo a lo largo de las últimas cuatro décadas se ha centrado en diferentes formas en la noción de la identidad individual, en las formas en que nos esforzamos por crear y mantener, y el grado en que se pierde en medio de la experiencia colectiva. Archivado y nuestra obsesión con el registro, clasificación y nuestras propias vidas y las de los demás, es otro tema recurrente. Obras de instalación de Boltanski han implicado el archivo de las miles de fotografías, habitaciones, lleno de ropa y un montón de objetos perdidos.






Sin una formación artística formal, Boltanski comenzó a pintar cuando era un adolescente y desde entonces ha ganado una enorme reputación internacional como un artista de la instalación a exponer en prestigiosas galerías de todo el mundo.



El tema recurrente en la obra de Boltanski es la naturaleza transitoria de la existencia humana y el enigma de la vida y la muerte Monumento. Los niños de Dijon se basa en una fotografía de la clase de su propia infancia. El artista ha escrito que la obra es de la infancia y de cómo estos niños que alguna vez fueron tan importantes para él, son muertos a él como adultos. Él lamenta la muerte de su propia infancia. En otro nivel, este trabajo también hacer un comentario tranquila, pero inquietante sobre el genocidio de los niños judíos por los nazis en la Segunda Guerra Mundial. Estas fotografías descoloridas, casi anónimos de los niños de una edad pasada que figura, en una iglesia, en el altar-como la configuración de sugerir un monumento. Se sugiere el carácter sagrado de cada niño muerto en el holocausto pero también sugiere que estos niños no fueron reconocidos como los niños humanos individuales, sino más bien fueron vistos como parte de una especie de ser exterminados. Este trabajo, como muchos de sus otros trabajos, es paradójica en la que son visualmente atractivos, mientras que de ser inquietantes en contenido.


 Boltanski quiere que su público a traer a sus propios recuerdos y asociaciones para la interpretación de sus instalaciones. Él quiere que el público para leer su propio significado en el trabajo depende de la propia historia de cada persona. Debido a que los sitios elegidos están a menudo en los sótanos o áticos de los edificios de la audiencia tiene que subir o bajar, un viaje en el sótano o el ático de la conciencia humana.


 (traductor google)