KUAMORI

Feliz Año!!!!!

2011-12-26T09:00:00.002-03:00

Mis deseos: que tengamos un año fructifero en todos los aspectos de nuestra vida, y una ola de amor inunde nuestros corazones.

En esta ausencia por vacaciones pueden investigar entradas antiguas ya tenemos casi seis añitos

A disfrutar!!

Feliz Navidad!!!

2011-12-24T12:15:00.001-03:00

Ricardo Brey

2011-12-23T17:47:00.001-03:00

Ricardo Brey (1955) La Habana Cuba vive y trabaja en Bélgica

"En respuesta al desafío de crear tensión entre mis orígenes y el área de mi trabajo como artista, he eliminado de mi cuento de objetivos artísticos. Para limitar mi trabajo a un tema específico o para la expresión de una realidad específica actúa en contra de la posibilidad de la liberación -. no sólo como un tema, pero desde el punto de vista de mi proceso creativo ¿Qué es de la mayor importancia para mí, es para causar tensiones interpretación a la conciencia individual o colectiva

Brey su trabajo parece ser un constante redescubrimiento del mundo.No es sólo sobre la estética de los seres vivos, sino también describe la estética de la visión de Humboldt desmitificado con sus investigaciones y descubrimientos de los hechos naturales y las circunstancias de América Latina (en ese momento visto como un país con buenos salvajes, la tierra de las Amazonas, la tierra de El Dorado) Brey redescubre y reinterpreta la obra de Humbold

Pero hay otro paralelo. Deliberadamente la aplicación de la meteorización y el suelo por Brey, estas obras parecen demasiado fósiles. Los fósiles son la evidencia del paisaje que se desvaneció, los ecosistemas, los mundos. Paleontología trata de reconstruir esos mundos, y de hecho se lo crean mundos paralelos. Con el universo de Brey no tiene mucho más o menos. Se crea un mundo paralelo al nuestro, donde las plantas brotan de la ciénaga, donde el agua está llena de vida, donde las aves y los insectos también son capaces de ascender desde la tierra, donde se puede nadar, volar, moverse , la inhalación de corta vida, es un mito. A medida que el mundo se han convertido en mitos fósiles, con cada nuevo descubrimiento - la nueva onda y científicamente tratada - contribuye a que el mito.

Shirley Paes Lemes

2011-12-21T13:32:00.004-03:00

Shirley Paes Lemes (1955) Cachoeira Dourada Brasil

Ella Dibuja con el humo. Su obra traza un aliento, una exhalación, la ráfaga de viento, la trayectoria de la nube. Ella le da permanentemente a lo impermanente. Para capturar lo transitorio, Paes Leme desarrolló una nueva técnica, que consiste en aplicar un líquido incoloro de papel o tela, el dibujo se revela por la acción del calor de una llama. Tales como los meandros del viento, o de la historia, el resultado final es siempre imprevisible.

Los resultados de sus acciones en las cocinas de los oscuros espacios del interior de Minas Gerais y Goiás, o en su propio estudio en São Paulo, se perciben, al menos al principio, porque las cifras sobre el fondo blanco del arte y su historia y se perciben como formas delicada, encerrada en sí misma dibujos supuestamente "abstracto", producido por el artista del papel de los gestos, mediada por cualquier instrumento (bolígrafo, un lápiz o un pincel).

Por más "extraño" que puede parecer a primera vista, las esculturas de Shirley Paes Leme mantienen esa familiaridad, esta estructura de potencial utilitario que, cuando se reveló, cuestiona la inclusión fácil de su trabajo en una tradición que hace caso omiso de las entradas que no sean sólo los de extracción clásica.

Shirley Paes Leme funciona como el primer artista (no es que existía antes ", el" primer artista), siendo la primera en crear un espacio para las personas en el mundo, una interacción entre el ser y la materia. Sus obras son extranjeros y miembros de la familia, ya que llevan dentro de sí tanto la novedad de una absolutamente único, como la restricción de los límites de una inmemorial técnica arcaica. ( traduccion google)

Mabel Palancín

2011-12-19T15:16:00.003-03:00

Mabel Palacín (Barcelona en 1965) Licenciada en Historia del Arte y Cine, fotografía y vídeo por la Universidad de Barcelona. Su trabajo se ocupa de la relación que mantenemos con las imágenes y de la mediación que éstas suponen para la realidad. Desde sus comienzos ha realizado fotografías, vídeos e instalaciones, interesándose por la multiplicidad de formatos por los que una imagen puede manifestarse así como por su cualidad inestable. En sus trabajos las cosas no ocurren directamente porque la realidad está mediatizada, de la misma manera se comportan los personajes y las cosas, que nunca actúan directamente, sino adoptando siempre un desvío que conduce las imágenes a la presentación de realidades alternativas.

Sus trabajos en vídeo describen una realidad fragmentada, narrativas rotas estructuradas por capas en las que el espectador se convierte en una pieza fundamental. Son obras con una importante dimensión espacial en la que la cuestión de la escala y las pantallas múltiples convocan al espectador poniendo en relación la imagen y la arquitectura

Cada vez que se pone tras el objetivo de la cámara. La mayoría de las veces, la medida es entre los límites de lo real y la ficción, aunque también está la medición que las propias imágenes suponen, explorando otras posibilidades capaces de mostrar realidades alternativas.

Sus trabajos recientes que analizan cómo la imagen ha penetrado en nuestras vidas.

El proyecto 180º se despliega a partir de una gran vista de un edificio en Venecia: una toma fotográfica en gran definición; y un vídeo recorre esa imagen, desvelando los detalles y proponiendo diversas narrativas que están inscritas en ella. Provoca así una indiferenciación entre medios: 180º es al mismo tiempo una imagen en movimiento y una imagen fija. El proyecto se completa con otra serie de vídeos realizados desde las altanas, las características terrazas de Venecia. Estos vídeos funcionan como puntos de fuga. Obtenidos a través de distintos medios de grabación, en alta y baja calidad, inician un recorrido o un diálogo entre diferentes personajes partiendo del edificio principal del proyecto.

Mabel Palacín refleja la cualidad múltiple de la imagen, su carácter no unívoco, el papel del usuario en la construcción de distintas narrativas. El mismo título se hace eco de ese lenguaje universal que ha asumido la imagen, al ser cifras que no necesitan traducción. Y Venecia se convierte en el sujeto del proyecto subrayando un diálogo entre historia y contemporaneidad, Venecia como espacio origen de las vistas urbanas (Vedutas) y lo urbano como espacio de la contemporaneidad, entre lo local y lo universal.

Monika Sosnowska

2011-12-15T13:51:00.000-03:00

La joven artista polaca Monika Sosnowska (Riky, 1972) dio el salto a la escena internacional en la Manifesta de Frankfurt, en 2002, con un proyecto en el que el visitante podía caminar abriendo y cerrando puertas por un trayecto laberíntico que indefectiblemente llevaba de nuevo al punto de partida. El año siguiente participó en una de las secciones de la Bienal de Venecia dirigida por Francesco Bonami. Su intervención era un pasillo larguísimo en apariencia pero que, en la práctica, resultaba intransitable. Más tarde, ha realizado proyectos en lugares como la Serpentine Gallery o De Appel.

En el espacio de proyectos del MUSAC, Monika Sosnowska ha realizado una intervención -su trabajo es un claro ejemplo del site-specific- llamada The Corridor, en la que vuelven a darse cita todas las premisas en las que se sustenta su trabajo, desde la reflexión en torno a la arquitectura a la obstinada inclinación hacia el trampantojo, más radical aquí que nunca, y la deformación espacial (y las consecuencias físicas y psíquicas que éstos producen). En este proyecto, la artista consigue sumir al visitante en una breve aunque desconcertante confusión, una inquietante sensación de desequilibrio. Un pasillo enmoquetado se abre delante de nosotros. Giramos noventa grados a la derecha y cuando llegamos a la pared del fondo, el camino sigue, por el muro vertical. Lo vemos pero no podemos acceder a él a no ser que queramos trepar. En esta intervención, nuestra situación es vacilante, la realidad incierta y la relación entre tiempo y espacio, resbaladiza y dramática. (Javier Hontoria)

Richard Mosse

2011-12-14T17:50:00.002-03:00

Richard Mosse (Kilkenny, Irlanda 1980) busca comunicar mucho más allá del propio rescate de sus imágenes, las cuales por si solas son historias sin fin. Sus fotos y vídeos están llenos de metáforas y de contenido, que además son una representación brutal del contexto en sí. Su obsesión por lugares cargados de dolor y que han tenido el paso de la guerra o algo similar, hace de la obra de este irlandés, piezas gráfica/visual de alto contenido y de mucha crudeza e ironía. Su obra no termina en su obra y eso es difícil de lograr, el trasapso de la barrera de la comunicación y lo que nos llevamos a nuestra mente después de ver algo, lo que nos queda, lo que interpretamos, lo que asimilamos.

Marlene Dumas

2011-12-13T13:18:00.000-03:00

Jule-die Vrou es un retrato sin cuerpo enmarcado en un primerísimo plano, y sólo los ojos de la modelo y los labios están plenamente prestados atributos de la seducción y la sexualidad. El resto de la pintura es borrada por un corpulento carnosa de color rosa, lo que sugiere la feminidad, el pecado, la violencia y la feminidad. El contraste entre la representación y la abstracción sugiere una disparidad psicológica, donde se cuestionó la moralidad, la representación y las convenciones sociales.

"No tengo ninguna idea de lo grande que una cabeza promedio es, nunca he estado interesado en la anatomía.A este respecto me relaciono como hacen los niños. Lo que se experimenta como lo más importante es visto como el más grande, independientemente de su tamaño real o de hecho.. En el cine todo es más grande que la vida y sin embargo, la experiencia que tan real (ISTIC), todos mis rostros son mucho mayores que a escala humana. . Desde la voladura de zoom, para mí el "close-up" era una manera de deshacerse de la información de fondo irrelevante y haciendo que los elementos faciales tan grande, que aumentó el sentido de la abstracción sobre el cuadro. La eliminación de los antecedentes también acabó con el lugar del ser y del contexto ambiental.

Marlene Dumas 1953 Ciudad del Cabo Sudáfrica vive y trabaja en Amsterdam

En los niños pequeños, Marlene Dumas line-up de muchachos fantasmal es cruda y de los oprimidos contra el fondo luminoso, se apagaba en la distancia en apenas rastros vagos de la sugestión. . Es esta sugerencia de que Dumas mejor sabe hacer: un vacío de color, una línea de sangre, se crea una sutil y desconcertante, la perversidad de una simplicidad imperturbable.Esta es la pintura, sin lujos: en total, sin ningún lugar para esconderse. 1993


En el encubrimiento, Marlene Dumas presenta una corrupción de la inocencia. . Su interpretación de un niño pequeño con su ropa levantó sobre su cabeza inmediatamente da paso a pensamientos oscuros de la sexualidad y la explotación. La controversia no se encuentra en las pinturas de imágenes de Marlene Dumas, pero en la manera en que son subvertidos por una sabiduría implícita, una confrontación evidente con una realidad natural y sus malestares.


En Stola pluma, Dumas, recuerda el gesto pictórico del expresionismo, mientras que la combinación de la distancia crítica del arte conceptual con los placeres del erotismo. La relación entre el arte y la belleza de la mujer - o entre los modelos de la historia del arte y las supermodelos del siglo XX - son temas constantes en su trabajo.

Entre lo más conocido de su producción destacan los dibujos de acuarelas, realizadas a partir de fotografías de prensa o tomadas por ella misma y en las que reproduce algunas de las características de éstas, como el carácter plano o desenfocado.

Cheikhou Ba

2011-12-10T19:06:00.000-03:00

Cheikhou Ba escultor y pintor senegales

Sus esculturas, dibujos y pinturas enraizan con lo primario de la apariencia del objeto, su expresión esencial. Utiliza en su trabajo elementos recuperados de desecho, como plásticos, alambres, maderas etc., que transforma con calor y da una nueva vida, que como tal, oscila entre la certeza del presente y la incertidumbre del futuro.

Mary Snowden

2011-12-08T22:53:00.000-03:00

Mary Snowden 1940 PennsylvaniaTanto en mi arte y en mi vida estoy profundamente comprometido con los acontecimientos actuales. Mis dibujos y pinturas comienzan a menudo con imágenes de los periódicos o de los acontecimientos que observamos en las calles. Yuxtaponer las imágenes con otras encontradas en los cómics, los libros de historia y libros infantiles antiguos, como si las figuras y lugares de otros tiempos se les da acceso a la actual - para entrar en él y reaccionar con ella.A principios de los años 90tuve que lidiar con el papel de la mujeren los años 40 y 50. Que el examenpoco a poco me llevó a una crítica denuestra cultura actual. Quiero abordar tanto los aspectos positivos ynegativos. La guerra de Irak o deKatrina están en un lado. Pero también veo la esperanza en los márgenes de nuestra cultura. Algunos lo llaman el "efecto de las termitas" -jardines del patio trasero, el graffitiarte, galerías de tienda, los mercados de agricultores, de cosecha propia músicase derrame en las calles.

Orphan Annie se ha convertido en mi musa. Ella es un personaje femenino independiente y con recursos del pasado. Ella y su perro, de arena, a menudo tuvo que "conformarse" con los mínimos medios. Tenía buenos calle y tenía una conciencia social aguda. Me imagino que tiene muchas opiniones acerca de nuestra cultura actual.

Actualmente estoy trabajando en el papel, con lápiz, tinta, pintura y collage. La diversidad de los medios se convierte en una metáfora de la diversidad cultural urbana que me da esperanza.

"Me siento como que he llegado al punto de partida", dice Mary Snowden, Su más reciente trabajo (a la vista en Braunstein / Quay Gallery, San Francisco, a través de 11 de diciembre). Estas obras cuentan con los últimos pollos y otros elementos de la vida agrícola, lo que refleja el amor del artista de la pequeña granja que viven. En el tema, son reminiscencias de décadas de un trabajo anterior, que incluía las vacas y otros temas rurales. Sin embargo, estas sencillo y elegante, piezas actuales también muestran una madurez y profundidad, y el maravilloso sentido del humor que sólo viene con los años de la exploración y la experiencia.

Evan Penny

2011-12-08T13:31:00.000-03:00

Evan Penny nació en Sudáfrica en 1953, pero esta nacionalizado Canadiense y reside y trabaja en Toronto.

Escultor Hiperrealista al estilo de Ron Mueck y Stipl Richard. Ellos están desafiando la creencia de que es una "contradicción de ser un escultor figurativo y un artista contemporáneo".

Evan Penny: Yo nací en el sur de África. Mi padre era un médico misionero en Zimbabwe haciendo medicina del Tercer Mundo. Nos cambiamos de Zimbabwe a los Territorios del Noroeste en Canadá cuando tenía diez años. Vivíamos allí un par de años, y luego se trasladó al sur de Edmonton, que es donde fui a la escuela secundaria. Posteriormente, me trasladé al sur de Alberta y asistió a la Universidad de Alberta de Arte y Diseño.

Mi proceso de trabajo inicial fue definido por la observación directa utilizando un modelo de vida. Trabajéhasta 300 horas con el modelo. Estas fueron las investigaciones de observación muy intenso, que no pasotanto tiempo con los modelos más. Ahora, yo tiendo a usar modelos indirectamente, lo que sin duda cambiala dinámica.

Entrevista del arte: ¿Está usted trabajando en la fotografía?

Evan Penny: Uso la fotografía como referencia. Tengo modelos también, pero con frecuencia no. El trabajo sigue siendo de la observación, sino un proceso de observación directa no se unen. Con el tiempo te vuelvesmás rápido y más seguro, se cometen menos errores. Gran parte de mi proceso de rehacer las cosas a principios involucrados. No tengo como muchos de los problemas más. También me enteré de que parte delproceso creativo se podía jugar en la fabricación del molde. De un molde que puede generar múltiples piezasque seguir su propio camino, y puede generar una mayor diversidad a través de una serie de obras.

Con la excepción de “Large Murray”, la primera escultura de (casi) cuerpo entero que realiza en años, Penny continua con sus clásicos bustos hiperrealistas, pero dándoles un giro al distorsionar las proporciones y/o la perspectiva de los mismos.

Otras novedades en los nuevos trabajos de Penny son la aplicación de pinturas en algunos de los bustos y sobretodo, lo que mas llama la atención, la creación de retratos en movimiento a partir de fotografías.

Teruhiro Ando

2011-12-07T15:58:00.000-03:00

Teruhiro Ando Japón 1963

PremioBWM 2008

La pureza estética, la limpieza de su técnica, así como la utilización de la arquitectura simulada y el juego de lo ilusorio, son el punto de partida para que Teruhiro Ando desarrolle en cada uno de sus cuadros ambientes únicos.
Consigue trasladar a la bidimensionalidad del lienzo la práctica contemporánea de la creación de atmósferas creadas en espacios físicos, lugares para experimentar lo artístico. Esa vivencia del espacio se relaciona en la obra de Ando con el sentido de lo eterno, de la permanencia, al presentar imágenes únicas donde lo místico nace de la multiplicidad y el icono del objeto inalterable. Su obra se aleja, por lo tanto, del concepto objetivo.
Un conjunto de lienzos donde la manipulación del espacio, a través de la representación pictórica, junto a su alto poder de evocación busca un diálogo con la imaginación de quien las observa.

Jia Lu

2011-12-06T00:42:00.001-03:00

Nació en Beijing 1954 en un hogar donde el arte y la historia fueron los temas centrales de discusión y de trabajo en una familia de artistas.. Pero la familia de Jia fue sospechosa y acusada de tendencias anti-revolucionaria. Vivió la Revolución Cultural con gran intensidad. Desempeñó trabajos de enfermera, oficial de marina, jugadora de baloncesto semiprofesional, proyeccionista de películas, actriz de cine y televisión, asistente de dirección y editor artístico de una revista. Abandona China y se instala en EE.UU. Se inscribió en la Central Academy of Art and Design donde empezó su carrera como artista profesional.

El estilo de Lu Jia se acerca de la belleza, el espíritu y la sabiduría. Describe su carrera como un proceso de auto-descubrimiento, la búsqueda de auto-conocimiento y una celebración de la auto-confianza

ver mas aqui

Félix Curto

2011-12-03T12:22:00.000-03:00

Curto se la juega en cada fotografía. Dice que sólo dispara una vez. En la camioneta ni siquiera lleva trípode. Se la juega al momento decisivo, no sólo de la luz en el paraje, de la polvareda en aquel camino lejano, de las sombras refulgentes en la salina. Cuenta también con la evocación precisa de la música, de la literatura y del cine. De un imaginario poblado de recuerdos de la cultura entre las décadas cincuenta y setenta del siglo XX, la época dorada y referencia absoluta del horizonte de la tradición artística contemporánea: de sus elementos constructivos y estrategias. Hoy, entre muchos de los artistas que, por jóvenes, no vivieron de primera mano aquella efervescencia contracultural, cunde la nostalgia. Algunos intentan ser fieles al espíritu inventando imágenes y entornos entonces imposibles de llevar a cabo, a falta de la revolución digital; otros socavan los traumas de su infancia en una España a la que todo llegaba con veinte años de retraso. En una suerte de resistencia estética frente a la realidad unidimensional, fundamentalista y banal: oponiendo visiones futuristas reconciliatorias, sobrepasando aquello de “demasiado viejo para el rock’n’roll, demasiado joven para morir” y la posterior decepción.

La posición de Félix Curto (Salamanca, 1967) es la reproducción fetichista. Desde que, hace ocho años, se fue a México, tomó el rumbo del style of life on the road. En Curto hay un deseo romántico de autenticidad y con la veracidad de su experiencia al captar cada imagen, la demostración de que todavía existe y es posible. Ahora bien, sus paisajes están desiertos y la aventura es individual. Eso se llama melancolía. Y por tanto, también demuestra, de paso, la marginalidad actual del modelo, la frustración ante la imposibilidad de la reconstrucción colectiva.

Geofrey Johnson

2011-12-02T19:33:00.000-03:00

Geofrey Johnson nació Carolina del Norte 1964

Con una paleta de espartano que es capaz de transmitir imágenes e ideas que son muy lujosas. El uso de un "sepia", casi al estilo monocromático Geoffrey nos desafía a ver el mundo a través de su interpretación. Que logra esta tarea verdaderamente notable con aparente facilidad.
Geoffrey se conoce por tomar hasta diez proyectos al mismo tiempo de su estudio de los suburbios de Atlanta. Su interés por el arte se remonta al 3 º grado, donde los dibujos cómicos un compañero de clase le inspiró. Geoffrey como ganado numerosos premios incluyendo el arte, la beca la empresa Campbell Soup, y el Premio Morris Blackburn Paisaje.

Joseph Cornell

2011-12-01T16:57:00.001-03:00

Joseph Cornell nació en Nueva York el 24 de diciembre de 1903-1972. Después de su acercamiento al surrealismo, comienza a crear collages en blanco y negro con recortes de grabados del siglo XIX, siendo Max Ernst una de sus mayores influencias. Posteriormente, comenzó a crear obras tridimensionales como cajitas y campanas de vidrio. Era en las noches, después de trabajar, cuando dedicaba tiempo a sus creaciones.

No era un escultor, un dibujante o pintor. Este artista moderno de renombre internacional nunca tenia formación profesional. Él era, ante todo, un colector. Le gustaba recorrer tiendas antiguas de libros y tiendas de segunda mano de Nueva York en busca de recuerdos, recuerdos teatrales, estampas antiguas y fotografías, partituras musicales, y la literatura francesa.

Cornell Mediante la recolección y yuxtaposición con cuidado los objetos encontrados en pequeñas cajas de cristal frontal, Cornell creó poemas visuales en los que la superficie, forma, textura, luz y jugar juntos. Uso de las cosas que podemos ver, Cornell hizo cuadros sobre las cosas que no podemos ver: ideas, recuerdos, fantasías y sueños.Era una especie de mago, convirtiendo objetos cotidianos en misteriosos tesoros. En homenaje al Ballet Romántico, cubos de plástico de hielo se convierten en joyas cuando se establece en una caja forrada de terciopelo, los recuerdos de una actuación medianoche famosa bailarina en la estepa rusa congelada. Un pequeño frasco de vidrio lleno de color arena se transforma en oro en polvo a partir de una
Templo maya, cuidadosamente conservados en el Museo de la Universidad de Cornell.
Un simbolista, Cornell utiliza los materiales encontrados que habitan.

sus cajas de papel de las aves, las pipas de arcilla, los resortes de reloj, pelotas y aros, hacer alusión a las ideas abstractas.Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro de ellas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo. Muchas de sus cajas, tales como la famosa caja Medici Slot Machine, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.

Angel Marcos

2011-11-29T23:00:00.001-03:00

Angel Marcos (España, 1955) se dedicó exclusivamente a la fotografía editorial y publicitaria hasta 1992, año en que recibe un encargo fotográfico para retratar el Teatro Calderón en Valladolid, lo que le permitió realizar un trabajo más personal y menos formal.

A partir de entonces se replanteó su carrera y empezó una trilogía que muestra el poder imperante y la realidad social de las ciudades.

En Alrededor del sueño (2001), Marcos contrasta eslóganes publicitarios de los alrededores de Manhattan, que simbolizan la idea del deseo contenido, con cúmulos de basura y vagabundos, para llegar a reflexionar sobre historias vitales de fracaso y frustración. Nos sitúa delante de lo cotidiano, haciéndonos reflexionar sobre nuestra propia condición.

Los logotipos y mensajes ligados al mundo del consumo son sustituidos por iconos y lemas de la revolución en el su proyecto En Cuba (2004-06). Ángel Marcos nos retituye la arquitectura de una ciudad cuyas fachadas, como en un decorado teatral, nos remiten a una ciudad fantasma. Finalmente su proyecto China (2007) retrata la singularidad del régimen comunista y su reciente apertura al mercado capitalista.

Ángel Marcos- Mi comienzo fue totalmente casual, como no había escuelas que enseñaran fotografía, tuve que aprender solo, experimentando mucho y con algunos libros de iniciación que me sirvieron para mis primeros pasos. Esto en cuanto a técnica, claro. En cuanto al lenguaje y conceptos de la imagen todo fue más dificil, más largo de aprender, posiblemente ha propiciado que haya podido generar un lenguaje bastante propio.

No había en España, en los ambientes fotográficos cuando yo comenzaba en la fotografía, una idea clara de lo que la fotografía significaba, tampoco se separaban los campos de aplicaciones de esta técnica, por lo que el análisis de la aplicación de la imagen era bastante inútil y sobre todo confuso.

¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

AM- He terminado recientemente un vídeo llamado Jilguero, he montado en la X Bienal de La Habana un proyecto llamado La mar negra una gran instalación, y ahora estoy preparando las próximas ferias y exposiciones, también documentando todo mi trabajo antes de empezar un nuevo proyecto.

Con la videocreación "Jilguero", el artista recrea en una cinta de unos 6 minutos de duración el desarrollo de unas habilidades por un ejemplar de esta especie de pájaro común en España que está atado a una caseta de madera y para beber precisa tirar de un hilo del que pende un dedal que contiene agua.

Así, al modo de la tesis conductista del científico ruso Paulov, el jilguero, para no morir de sed, lleva a cabo esa práctica que, recogida en esta cinta por Ángel que, consigue mostrar "una metáfora de la necesidad de esclavizar, de ser esclavos y esclavizados" en la sociedad.

Victoria Civera

2011-11-27T22:24:00.000-03:00

En las creaciones de Victoria Civera (Puerto de Sagunto, 1955) siempre hay una presencia, una esencia femenina. Tanto en sus pequeñas pinturas, como en sus cuadros circulares o en sus objetos-instalaciones. "Es lógico, soy mujer, y por ser mujer me sale de forma muy natural en la manera de tocar los materiales".

Objetos, pinturas, instalaciones y piezas escultóricas configuran el universo plural que retrata la trayectoria de la artista vinculada a Cantabria Victoria Civera.

Es una de las artistas que ha abordado con mayor profundidad y asiduidad el universo femenino. Civera ha mostrado en este camino, además, una constante y reveladora evolución a través de lenguajes y formas diferentes.

La fotografía, el fotomontaje y el happening, junto con la pintura, han sido lenguajes claves y recurrentes en la trayectoria de Civera, muy selecta en sus comparecencias públicas y ajena a lo mediático, en cuya creación se revela «la soledad, la quietud, el movimiento, la fantasía y el silencio».

"No soy una radical feminista. No me lo he propuesto ni lo quiero ser", apunta Civera

En su muestra Atando el cielo, Civera reflexiona sobre diferentes tipos de mujeres. En unas la mujer aparece como objeto del deseo (Túnel eterno), en otras lo hace en soledad (Perdida), pero siempre está representada como un ser poderoso, valiente, desafiante y decidido, dispuesta a romper con los moldes establecidos como en Saliendo del paisaje.

Carlos Canovas

2011-11-26T15:09:00.000-03:00

Carlos Cánovas (Hellín, Albacete, 1951) se sintió inclinado hacia un tipo de fotografía que reflejaba la melancolía y degradación de los espacios industriales. Series como Tapias (1981), Dolientes plantas (1983) o Extramuros (1984-86) anunciaban ya una obra de madurez que nos muestra un universo creativo propio, construido alrededor del paisaje urbano.

Desde aquellos años inaugurales ha mantenido siempre una admirable coherencia, creando imágenes de una exquisita perfección formal que nos enseñan la desolación de la civilización, la melancolía de los espacios abandonados y expoliados, la belleza de los ámbitos degradados.

Igual que Diane, la protagonista de la película El Séptimo Cielo (Frank Borzage, 1927), que en su miserable pero adorado apartamento parisino promete a su ciego y amado limpiabotas convertirse en sus ojos, Carlos Cánovas abre ahora los nuestros y nos enseña el proceso de expansión urbana sobre las periferias rurales. La huida de un segmento de la población hacia las afueras es un fenómeno frecuente en muchas capitales del mundo occidental. El resultado de esta propagación son urbanizaciones campestres, centros comerciales, equipamientos sociales de aspecto uniforme que se dispersan en vastos espacios y que, poco a poco, van invadiendo las zonas rurales. En este tipo de ciudades sus habitantes se refugian y aíslan, y el eje, la esencia de sus vidas acaba siendo el automóvil.

“Frente al lugar decisivo, el espacio intersticial, aquél que puede uno encontrar un poco antes de la marginación y lejos de la postal, silencioso, aquél que conserva algo de final, de frontera, de tránsito. Paisajes urbanos anónimos e inidentificables porque pueden ser nombrados e identificados en cualquiera de nuestras ciudades…”

JOHN BALDESSARI

2011-11-24T10:25:00.000-03:00

John Baldessari ( 1931) California pionero del arte conceptual, Trabaja desde el origen de ambas tendencias (pop y concept art), por medio de alterar con vivos colores imágenes fotográficas y stills de video, pero dificilmente podría ser considerada su técnica simplemente como collage. Tiene que ver, sí, con la imagen, pero no solo con esta sino con una abstracción bastante inteligente y simpática, esto tratan de hacerlo muchos diseñadores pero, aquí lo interesante, el "pop art" de Baldessari no es solo diseño, es directamente arte de museo.

La prueba de su tacto y su claridad en lo que está mostrando es bien evidente en sus cuadros que contienen texto a la manera clásica de muchos artistas conceptuales, por que en esos cuadros discurre algunas cosas sobre el arte o sobre la pintura y sin embargo no parecen manifiestos sino simplemente arte.

José Roosevelt,

2011-11-23T11:09:00.000-03:00

José Roosevelt, el pintor, ilustrador y autor de novelas gráficas, nace en Río de Janeiro (Brasil), en 1958.Como escribe su novela gráfica "L'Horloge" ("El Reloj"), crea un personaje llamado Juanalberto, una especie de pequeño hombre mutante con una cabeza de pato, un claro homenaje al gran Carl Barks (1901 - 2000), el que inspiró la vida de Pato Donald y su mundo a través de algunas obras maestras de los libros de comics, entre 1942 y 1966. Roosevelt inicia su carrera con los cómics , mas tarde se vuelve hacia la pintura facinado por Dalí

De todos modos, la pintura se convierte en la principal actividad de Roosevelt a partir de 1977. Pronto se hace su primera exposición individual, en Brasilia (octubre 1979). Esta exposición se compone de treinta cuadros surrealistas, pintadas en su mayoría en acrílico sobre lienzo. Desde el año siguiente, el artista se dedica exclusivamente a su pintura búsquedas. El nuevo programa de exposiciones de obras de inspiración surrealista lado a lado para la foto-realistas paisajes urbanos (en la forma de Ralph Goings y Eddy Don) y composiciones óptico inspirado en la obra de Chuck Close.
En 1985, es el final de la búsquedas: el surrealismo se convierte definitivamente en la base del trabajo de la Roosevelt. Se desarrolla un lenguaje original, una mitología personnal donde se explora la imagen del cuerpo humano, con especial atención a los detalles.Alrededor de los temas humanos, podemos ver crecer las peras y las manzanas, los árboles muertos, libros antiguos, banderas, máscaras, fearies, cuadros enmarcados, más extraños paisajes y cielos brillantes.

En paralelo de la pintura, casi como una obra diletant, una novela gráfica ha sido escrita y dibujada por Roosevelt, entre 1983 y 1986. Su título es "A Cidade" ("The City") y es una fábula en blanco y negro de 136 páginas, inspirada en la obra de teatro Albert Camus "L'Etat de Siege". "A Cidade" es la primera novela que se publicará, cinco años después, en su versión en francés de "La Ville".
En 2000, escribe el texto de una nueva novela gráfica, "La Tabla de Venus" ("La losa de Venus").
Tambien Ha ilustrado Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll

Juliao Sarmento

2011-11-22T22:23:00.000-03:00

Juliao Sarmento nacido en Lisboa 1948

Comenzó a exhibir cine, video, sonido, pintura, escultura, instalación y multimedia en los años setenta, pero también ha desarrollado varios importantes proyectos site-specific.Represento a Portugal en la Vienal de Venecia en 1997.

“Me interesa provocar tensión e inseguridad frente a la obra de arte”

En su obra aparecen y reaparecen vasos de leche y de miel, junto a fragmentos de cuerpos, brazos, piernas, una mano, un hombro, mujeres sin rostro y mujeres sin cabeza. Perturbador. Aunque Sarmento regresa una y otra vez a las mismas obsesiones, su obra es increíblemente variada. Crea pinturas, esculturas, películas, grabados y performances, un espectro que podrá verse en Distancias cortas. No es fácil definir su trabajo. “Lo mezclo todo: mis angustias, mis deseos, mis necesidades, mi desesperación… mis placeres, las cosas que amo, las que odio, lo que me ha interesado en ese día concreto…”, comenta. Tampoco aprueba que se le considere un pintor, su faceta más conocida, sobre todo por las denominadas Pinturas blancas, con sus blancas superficies sucias que recuerdan a sábanas manchadas y sus imágenes dibujadas y parcialmente borradas. Mi trabajo da forma a una cadena global de asociaciones. Es como quien escribe un libro. Soy escritor, pero en lugar de escribir con palabras lo hago con imágenes”, señala.Sarmento habla de su deseo de entender la imagen como un objeto o escena tridimensional: “no me conformo con ver la imagen, quiero tocarla; ver un determinado espacio con una determinada figura dentro de él, pues para mí el espacio es muy importante”. “Me gustan las mujeres y me gusta trabajar con mujeres.

Son, para mí, un leitmotiv. Para empezar a trabajar me hace falta un pretexto, y en la representación del cuerpo femenino lo encuentro”, explica.

Benjamín Domínguez

2011-11-21T10:04:00.000-03:00

Benjamín Domínguez Barrera nació en la ciudad de Jiménez, Chihuahua en 1942. En dicha población el adolescente Benjamín conoció a una señora que pintaba al óleo, Doña Carolina Estavillo. Esta amistad fue muy fructífera. Platicaban de las obras maestras del arte universal y ampliaban sus conocimientos con las imágenes de cerillos clásicos. Benjamín aprendió a dibujar y a manejar algunos colores. El cine de la localidad le hizo algunos encargos para promocionar algunas películas. El destino de aquel joven ya estaba decidido, viajaría a la ciudad de México para convertirse en todo un pintor profesional.

Primero se empezó a dar a conocer por las monjas floridas, luego con las alacenas y en 1985 llegó la serie dedicada al matrimonio Arnolfini. Teresa del Conde valoró aquellas obras y las programó para exhibirlas en el Palacio de Bellas Artes.

A partir de aquella fecha el pintor chihuahuense participa en diversas exposiciones realizadas en galerías, museos y centros culturales en México y el extranjero.

En sus obras sobresalen seres extraños con peculiar vestuario realizando rituales mágicos; así como ángeles en bicicleta, volando papalotes por las orillas del mar.

El pasado presente parece mezclarse sin ningún problema. En la actualidad Benjamín Domínguez es uno de los pocos pintores que por su virtuosismo y conocimiento de las antiguas técnicas se considera heredero de la tradición pictórica mexicana.aqui sus obras

“La mayoría de los creadores hacemos las mismas figuras en nuestros trabajos. Podemos tardarnos mucho tiempo en encontrar esa forma que nos llame la atención. Cuando la hallamos, no nos despegamos de ella”, asegura.
Añade que retoma frecuentemente las series de poemas sobre “Ángeles” de Rafael Alberti y la de “Los hombres miran” de Mario Benedetti, pues en ellas se puede ver lo peor o lo mejor de los seres humanos. “A mí me gusta mezclar

ambos elementos”.

Luc Tuymans

2011-11-20T15:11:00.001-03:00

Luc Tuymans (Bélgica, 1952) ha sido llamado el mejor pintor de los 90's. Si bien esta afirmación es apresurada y simplista, como todas las de su tipo, es cierto que en su obra se resumen los principales problemas de la pintura actual.
Sus pinturas encarnan la "verguenza del pintar" en una historia de lo que al parecer ya alcanzó sus mayores logros técnicos-Van Eick, Rafael, Caravaggio, Velazquez- y sus más amplias exploraciones con las vanguardias del siglo pasado.

Así, su obra nos parece una cruda después de la fiesta.
En los ochentas se impuso la moda del neoexpresionismo. Frente a esos pintores que se autoproclamaban desgarrados y sufrientes, Luc Tuymans es un sano regreso a la mesura y a ver el dramatismo de la existencia sin falsas estridencias.
Influida claramente por el conceptualismo, su obra sin embargo llama al artista a no creerse la gran cosa, a dejarse de poses semiintelectules y recuperar el sentido original de su oficio.
Tuymans usa pinturas baratas, de esas que se compran en papelerías comunes. Sus colores son adrede faltos de contraste, sucios, apagados, sombríos, sin chiste, como una mancha de café o de vómito. Sus telas, a menudo mal tensadas, también son a menudo malpreparadas para que envejezcan prematuramente y se llenen de grietas. Según su opinión, una técnica demasiado perfecta en un cuadro es pedantería.

No les pone marco a sus lienzos, que expone junto a fotos, videos, hojas de historieta, imágenes electrónicas, etc...Comparándolos con estos medios-por los cuales Tuymans se deja influir, y que también practica-, los cuadros parecen aún más pobres, meros fragmentos de situaciones olvidadas.
En lugar de huir de la invasión de imágenes del mundo moderno, enfrenta al cuadro con los otros medios audiovisuales que le quitaron su aristocrático lugar.

Tras la aparente simplicidad de la narrativa de su obra, el halo sombrío, la pincelada acuosa y el silencio engañoso que la caracterizan no son más que una apariencia ilusoria para producir en el espectador tensión y un cierto desgarro ante el que no puede permanecer impasible

Peter Menzel

2011-11-19T13:28:00.000-03:00

Butan. Familia de Jakar. Gasto $5.03

Peter Menzel (nacido el 07 de febrero 1948) es un fotógrafo independiente estadounidense.Hace unos años, el fotógrafo Peter Menzel decidió viajar por el mundo y fotografiar a 30 familias de 24 países de todo el mundo. La idea era fotografiar a las familias, junto a la comida que consumirían esa semana, además de tomar nota del gasto por cada una de las familias. El libro se llama Hungry Planet, y la verdad es que además del buen trato fotográfico, sorprende mucho las diferencias entre un país y otro.Muy interesante

Japón. Familia Ukita de Kodairo. Su gasto es de $317.25

Nigeria. Familia de Abubakar. Gasto $1.23

Kuwait. Familia de Khagan. Gasto $221.45

USA. Familia Kelly, Carolina del Norte. Gasto $341.98

Egipto. Familia Ahmed. Gasto $68.53

Ecuador. Familia de Otavalo. Gasto $31.55

Mongolia. Familia de Tongsa, Ulan-Bator. Gasto $40.02

Gran Bretaña. Familia Bacon. Gasto $253.15

India: $39.27. Receta familiar: Sangeeta Patkar Poha (copos de arroz)

Mali: $26.39. Receta familiar: Plato del arroz de la familia Natomo

Mexico. Familia de Cazales. Gasto $189.09

Me quedan más paises que los pueden ver aqui su Web .Para pensar

Jean Jacques Ribi

2011-11-18T10:23:00.001-03:00

Arte Digital el historiador, crítico de arte y ensayista alemán Erwin Panofsky señaló que "el artista debe ser ojos, oídos y voz de su tiempo". Actualmente nos encontramos ante una era cuya base es la electrónica; los recursos tecnológicos están al alcance de la mano, de ahí que no sea extraño que se involucren elementos digitales en la creación de las obras de arte , dejando de lado la paleta y los pinceles para utilizar el mouse, pasando a ser parte de una disciplina conocida como Arte digital.Uno de los exponentes en Panamá es Jean Jacques Ribi Nacido en Italia en 1975, de padre suizo y madre panameña, Jean Jacques Ribi siempre se ha considerado extranjero en cada país que reside o más bien un "ciudadano del mundo".

"Me di cuenta que cualquier imagen, dibujo, foto u objeto fotografiado podía ser parte de mi obra; con esta conclusión empecé un periodo experimental muy largo que llamé "cualquier cosa", donde el único objetivo era poder mezclar de manera harmónica cualquier estilo visual y especialmente cultural, conciente de que la búsqueda del "lenguaje universal" había estado enormemente facilitada por el suporte virtual.

En verdad el arte no es digital: el arte sigue siendo natural expresión de la realidad contemporánea. Si hay interferencias digitales en el arte es porque vivimos una vida digital, profundamente integrada con la inteligencia artificial que representa hoy una extensión directa de nuestra mente. La complejidad de la vida ha crecido y necesitamos soportes externos para almacenar y poder manejar un flujo de informaciones que ya no caben en nuestro cerebro.

Por mi parte, empujo para la integración en un solo ser entre hombre y ambiente, entendiendo como ecológico no sólo la relación con la naturaleza, sino también hacia las personas con sus sentimientos, ideas y fallas... Más que ambientalista, soy simbiótico.

Para que el arte sea auténtico, el artista tiene que llegar a reflejar (no ilustrar) su alma en la obra. Cuando esto pasa, es como otorgar una calidad especial a la pieza, transformándola en algo mucho más grande que la suma de sus componentes: un potencial espejo anímico para el observador.

Como Platón decía: el hombre adquirió conciencia de sí mismo al ver su imagen reflejada en el agua, eso mismo le puede pasar a un alma en frente de una obra auténtica. En este contexto, el artista se vuelve como una antena que capta las verdades del hombre que no tienen palabras; como explorador se adentra en las vidas percibiendo una realidad que no se ve.

Así como hay música viajando invisible en el aire y hace falta un radio con su antena para escucharla, de igual manera hace el artista para los demás.

Es un proceso análogo, traducido en digital. Se empieza con la foto del modelo en la posición deseada y luego se toman las fotos de los materiales u objetos que se quieren integrar: una foto por cada detalle, color, reflejo y transparencia.

Luego se editan juntas en Photoshop, moldeando el objeto encima del cuerpo, armonizando las dos realidades, haciéndolos coincidir en los puntos que más caracterizan ambos elementos.

Una obra es en media la edición de 20 fotografías, y en muchos casos se superan los 80 layers. Nada está dibujado, el resultado final es una foto real de la realidad virtual.

Aunque parezca absurdo, el feeling que tengo es un poco como si pintara al óleo: en lugar de la tablilla de colores, tengo una de fotos y el pincel tiene botones.n la producción interactúo con el mundo real, tomando fotos y grabando los elementos necesarios. Esta parte puede volverse emocionante, al estar por ejemplo a 2 metros de un águila que podría arrancarte la cabeza; digamos que generalmente satisface mi espíritu de "aventura exterior".

En la post-producción, entro en Photoshop y me pierdo en el virtual. Generalmente de noche, es el momento donde puedo de verdad soltar las riendas, y llevar al límite mi espíritu de "aventura interior". En esta fase seguro que he vivido las experiencias más deslumbrantes.

A mi me inspira casi cualquier cosa, la televisión, los libros, la gente, las películas, las conversas nocturnas y en ocasiones el rostro de una mujer interesante.

"Pacha Mama" (exposicion reciente en Panama)

En el momento en el que perdemos conexión con la Tierra, vamos a quedar desamparados. Así piensa el pintor Jean Jacques Ribí

Erika Ernawan

2011-11-17T18:30:00.000-03:00

Erika Ernawan(nacida en 1986) Indonesia. Su obra es una impresión en acrílico, grabados 170x190cm generalmente de tamaño , en acrylicnya hay lagunas que se ajustan para incluir una pieza de tamaño similar de vidrio, lo que añade una impresión dramática . Refuta la mirada masculina o de cualquier otro tendencias voyeuristas La cuestión es la mirada masculina que se cuela en cuartos privados para disfrutar en secreto "prohibido" placeres. También se trata de tabúes culturales y los prejuicios sociales contra las mujeres, que obstaculizan su camino para convertirse en personas por derecho propio.

Como parte de la apertura, Erika estrelló su trabajo con un martillo, lo que refleja la ruptura de las percepciones y estereotipos patriarcales de las mujeres. Al igual que otros artistas feministas, Erikamenudo se muestra en su obra de arte. El comisario de la exposición, Asmudo J. Irianto, dijo: "A través de su trabajo, Erika aires protestas y provoca al público."Erika trabaja con un martillo de oro, un ejercicio de exploración del proceso de construcción de la identidad y la deconstrucción.En su primera serie que ella había llamado espejo me ve, se había modelado para las imágenes en el trabajo, y el aplastamiento luego le dio la satisfacción de vengarse de los voyeurs. But in her second series, she wanted to see other people's reactions. Pero en su segunda serie, que quería ver las reacciones de otras personas.

Distorsiones del cuerpo no sólo son causados por la rotura, sino también por esta forma de tomar una fotografía.
Curador Asmudjo Irianto considera que estas distorsiones como metáforas de las construcciones deformes creados por una cultura patriarcal sobre las mujeres.

Aunque no hay espejos están involucrados, el reflector de vidrio colocada delante de acrílicos lenticular permite a los espectadores a ver su reflejo, aunque un poco vagamente. Erika dice que esta serie de obras forman parte del proceso que la llevará a su próximo proyecto, que se acerca el rostro de la humanidad.

Ganó un premio en la edición inaugural de los Premios de Arte Contemporáneo de Bandung en enero pasado.

Nick Rands

2011-11-16T10:56:00.000-03:00

Nick Rands (Londres) artista plástico, curador, professor y escritor. Vive en Brasil desde 1999.Rands es lo que llamamos un Walking Artist, sus obras son el resultado de caminatas ya sea en el espacio rural o el espacio urbano. El artista define con anticipación sus propios sistemas los cuales repite una y otra vez y así va construyendo la obra, por medio de este proceso predeterminado por él mismo las obras tienen un resultado muchas veces inesperado para el propio artista, sus obras se desenvuelven en variados medios como la pintura, fotografía, video animación, instalaciones e inclusive trabajos site specific.

Hillfield de 2005Fotografía basado en el trabajo.

50cm x 150cm

Una obra de vídeo basado en 1.930 fotografías tomadas a intervalos de 100 ritmo a lo largo de un paseo de 2000-el ritmo, que se repite cien veces en un período de un año. Avenida Lucas de Oliveira – Porto Alegre/RS – Brazil Avenida Lucas de Oliveira - Porto Alegre / RS - Brasil

Como uno de los nueve artistas convidados a participar del proyecto “Cuadernos de Viaje”, Nick Rands, el artista británico residente en Rio Grande do Sul realizó un “Art Journey” o podríamos traducirlo como un “Trayecto Artístico” aplicando su práctica habitual con nociones matemáticas.( Bienal del Mercosur 2011)Dice el artista :"En los primeros trabajos sistémicos que comencé a realizar aproximadamente hace 30 años, los sistemas estaban más determinados por el lugar. La obra se relacionaba mas directamente al paisaje (landscape), hoy en día mi trabajo no esta tan relacionado con lugares específicos – creo que se preocupa menos con el paisaje, pero continua reflejando y reaccionando a un lugar de una u otra manera.

Creo profundamente que debería ser posible crear obra en cualquier lugar, claramente hay algunos lugares que conducen de mejor manera a realizar una obra, pero no es realmente una meta de la obra reflejar un lugar en particular, en el sentido de crear obra a partir de un lugar.

Corinne Wasmuht

2011-11-15T11:24:00.001-03:00

La artista Corinne Wasmuht, nacida en 1964 en Dortmund y se crió en Argentina,Sus pinturas sobre madera pintada en el método de los viejos maestros se funden en múltiples perspectivas instantáneas de nuestro entorno urbano arquitectónico y paisajístico.

Aunque los fragmentos de la realidad terrenal inmediata siendo perceptible, fascinante y espacios aparentemente ajeno y ambientes lugar ante nuestros ojos, mientras que las escenas individuales parecen flotar uno junto al otro, sintácticamente no relacionados. Arquitecturas, cuerpos y espacios que se yuxtaponen en estas imágenes como unidades autosuficientes independientes sólo vagamente conectadas a las interfaces de gradaciones sutiles en la temperatura de color que a veces deriva en abismos venenosamente opalescente.

Los recursos de gran formato de imágenes Wasmuht, que son todos pintados al óleo sobre madera, se encuentran en un archivo visual amplia: ha sido la recopilación de imágenes de periódicos y revistas desde 1986. El archivo comienza con imágenes de la copa de los árboles, se complementó con imágenes de agua y los océanos, desiertos de arena y, y finalmente se ordenó de acuerdo a los contenidos y categorías formales y se almacenan en carpetas de anillas.( traduccion google)

De esta manera, el pintor ha desarrollado continuamente nuevos temas, se ramifican y sub-temas, por lo que poco a poco una red extensa de los tópicos más diversos se ha planteado, desde el que Wasmuht recluta a los modelos de sus temas visuales, collages ellos, los transfiere a la tela y lo aleja de una imagen

Amanda Smith

2011-11-14T11:20:00.001-03:00

Las combinaciones de diferentes lugares, ambientes interiores yuxtapuestos a los exteriores, permiten múltiples lugares y momentos que se comparten al mismo tiempo. La disponibilidad de películas y las frecuencias visuales añaden un familiar sentido universal, y permiten que ciertos rasgos comunes se comuniquen de pintura a pintura. "

Este concepto establece las bases de mi interés por la relación entre la pintura y el cine."

Night Light

2011

Oil, acrylic, and spray paint on rag paper

22 x 30 inches

Down By Lake

2011

Oil, acrylic, and spray paint on rag paper

22 x 30 inches

Stephan Balleux

2011-11-13T23:03:00.000-03:00

Stephan Balleux es un pintor belga nacido en Bruselas en 1974.La falta de definición es una necesidad en nuestra relación con el mundo y trabaja ". Trastorno de la identidad, el material a través de la desterritorialización y su disfraz, sino también el artista que los desafíos. En efecto, además de la diversa naturaleza de las obras propuestas y perturbar el trabajo de Stephan Balleux rápidamente escribiendo su coherencia, así como la pertinencia de sus preguntas. Esto es para él tener en cuenta, en la era digital y la identidad virtual, y el lugar de la pintura. Las diferentes rutas tomadas en su trabajo en los últimos años como faros en la perpetua búsqueda de la esencia de su medio. Así, tanto en sus pinturas, dibujos, videos, esculturas, o por medio de las diversas exposiciones en las que participó en los últimos años, nunca Balleux parece que hacer con la pintura, explorando todos los ángulos, incluso o en las formas más inesperadas los más heterogéneos.

Es como si este tipo de "virus" que es la pintura fue fotografiada sólo en el comienzo de su invasión.

Extremadamente preocupante, a veces su pintura, pe

ro muy interesante.(traduccion google). Su WEB

Jim Denevan

2011-11-10T14:35:00.001-03:00

Jim Denevanl(1961) artista norteamericano que realiza diseños enormes en la arena, el hielo y el suelo creando un maravilloso efecto óptico. Son obras de arte gigantes, en la arena, tierra y hielo. Sus piezas temporarias tienen corta duración, ya que son borradas por la naturaleza, lluvia, mar y viento. Utiliza simplemente trozos de madera para transformar completamente el paisaje.

Brochure from Peter Hinson on Vimeo.

Apuesta por el "arte efímero",su WEB

Cristina Canale

2011-11-09T12:19:00.002-03:00

El trabajo de Cristina Canale (Brasil 1961) La exposición del artista en solitario fue en 1985 en la Galería Contemporánea, Río de Janeiro, seguido por otros 23, en museos y galerías comerciales en Río de Janeiro, Sao Paulo, Recife, Belo Horizonte, Goiania (Brasil), Koblenz, Bretten, Furstenberg, Elf, Berlín y Marburgo, Schriesheim (Alemania).

Los elementos figurativos de la composición están siempre al borde de una inminente disolución en lo abstracto. Las historias reveladas por esas pinturas no están necesariamente comprometidas con la realidad, podrían derretirse en cualquier momento, disolverse en algo incorregible. La artista, egresada de la conocida Generación 80, construye atmósferas escénicas en las cuales la potencia pictórica abre grietas para lo imaginario subjetivo de cada espectado

Canale tiene 59 participaciones en conferencias en Brasil, Chile, EE.UU., Alemania, Francia, Suecia, y exposiciones locales y nacionales en la Bienal de São Paulo de 1991 Internacional, que ganó el Gobernador del Estado. En 2004, participó en ¿Dónde estás, Generación 80? En CCBB Río- Las obras son figurativas con una mezcla de elementos abstractos, donde los dos cuerpos se encuentran, se mezclan, hablar, siempre a través de las líneas finas de contornos mal definidos.Además de las pinturas (óleo, acrílico y barra de grasa) sobre lienzo, tambien realiza obras en papel (acuarela, grafito, etc) .. En estas obras, el artista mezcla, así como en la pantalla de soluciones y el diseño de sellos pictóricos.

Actualmente participa en la 6|°Bienal de Curitiva

Bader Mahasneh

2011-11-08T09:47:00.001-03:00

Bader Mahasneh nace en Jerash, Jordania en 1977. Af Después de graduarse de la universidad con una licenciatura en Derecho, decidió convertirse en un artista visual a tiempo completo. Su principal influencia original, Francis Bacon, Su nuevo enfoque es la fotografía. Su web

(fotografia)

Katarzyna Kozyra

2011-11-07T13:05:00.001-03:00

Katarzyna Kozyra video artista nació en Varsovia (Polonia) en 1963.
Ella vive en Varsovia, Trento y en Berlín. Las obras de Katarzyna Kozyra a punta a los temas más importantes de la existencia humana:. Identificación, la identidad, la transgresión , actúa en el ámbito de los tabúes culturales se refiere a la naturaleza corporal del hombre y de algunos estereotipos y comportamientos en el contexto de la vida social.

con una cámara oculta, disparó a los baños públicos de Budapest. La instalación consta de una pantalla principal que muestra una proyección de cuatro minutos en bucle, y cinco monitores que muestran imágenes inéditas. TEstas escenas se presentan de la casa de baños, grabación de la atmósfera reinante.Reproducciones de obras de arte clásicas han sido editados en las imágenes se muestran en la pantalla principal: Susana de Rembrandt y los ancianos y de Ingres El Baño Turco.

La autora se pregunta y los vence, mientras que la controversia se agita y (generalmente) sometiéndose a la crítica de los críticos indignados. Ella nos obliga a re-pensar y verificar el orden establecido de los valores con la presentación de los hechos

obra está compuesta de tres fotografías a gran escala y 12 min. video. de vídeo.
La primera fotografía muestra a la artista como la Olimpia de Manet, la segunda le muestra en una cama de hospital móvil,
la tercera muestra a una anciana.
El video documenta la artista que está siendo alimentado con un goteo mientras se somete a su tratamiento para el cáncer.

La notoriedad de Kozyra y el estado de polémica en Polonia es legendaria, y sus obras, sensacional , siguen para obtener respuestas extremas y se calienta el debate público. A través de estrategias de infiltración y la exposición de obras Kozyra de enfrentar los mitos, tabúes y estereotipos y afectan a grandes verdades universales sobre la naturaleza humana, los comportamientos privados, y las normas convencionales de la belleza. "
Magda Sawon Magda Sawon

ella es una dominatrix que controla completamente a sus hombres-perros.

Ambos vídeos y fotografías muestran desnudos los hombres jóvenes posando durante una sesión de fotos. Colocado delante de la cámara y no da instrucciones específicas de la artista, los hombres se dejan a su suerte.

IICastrato

Por un lado, estas se asemejan a inocentes juegos de guerra de la infancia, mientras que en otro video , debido al peligro real y la fuerza violenta de las armas reales, balas y explosivos, que están más cerca de las operaciones militares. Los rostros de los participantes se camuflan con las máscaras representan rostros de chicas pin-up o los modelos de Playboy. Esto suaviza el efecto de peligro y el miedo, sin agotar la autenticidad y el carácter documental.( traduccion google)

Miki Kratsman

2011-11-06T14:00:00.001-03:00

Nacido en Argentina1959 vive en Tel Aviv

es un premiado fotógrafo de origen argentino que vive en Israel desde 1971. Su trabajo ha aparecido en la Bienal de Arte de Venecia, y en exposiciones individuales desde Tel Aviv a Seúl, Madrid y Nueva York.

Con los años, ha fotografiado los palestinos en las manifestaciones, las actividades diarias, fiestas, funerales, para los retratos el perfil de la historia, y mucho más.

Desplazados (retrato)La serie "Displaced" fue tomada en agosto de 2010 a las aldeas beduinas Wadi El-Na'am, El Arakib y Tuawil en el sur de Israel.

Durante un mes, el fotógrafo Miki Kratsman ha vivido en el Negev, documentando la vida de los beduinos, la evacuación de sus casas y la demolición de la aldea de El-Arakib por el gobierno israelí.


El hombre camina por el pasillo, de asesinatos selectivos. Copyright Miki Kratsman. Derechos de autor Miki Kratsman.

infinitamente comprometido a documentar la evolución del conflicto palestino-israelí. Desde el punto de vista de Kratsman, una documentación acumulada de la rutina diaria es más importante, significativa e incluso inquietante que cualquier documentación específica de un evento potencialmente espectaculares o extremos.

Miguel Angel Rios

2011-11-05T00:26:00.000-03:00

Miguel Angel Rios (Argentina 1943) trabaja entre México y Nueva York la obra temprana del artista se concentra en la conquista europea de Latinoamérica y posteriormente se desplaza a territorios más abstractos, relacionados con el existencialismo, la alucinación y la violencia. En la instalación multimedia Toloache: Mapping with the Mind #1, 2000, habla sobre las tensiones producidas entre indígenas y mestizos, a través de la experiencia del artista con hongos alucinógenos y un chamán oaxaqueño.

En Ni me busques, no me encuentras (Don’t Look for Me, You Won’t Find Me), 2003, un video en el cual el artista encuentra el poder hipnótico del desierto mexicano, comienza a investigar este paisaje como medio para alcanzar estados alterados de conciencia. Al igual que en sus primeros trabajos, el artista investiga la naturaleza de la violencia en términos abstractos y metafóricos, como es el caso de Mecha (Fuse), 2010, en la cual una serie de caóticas y amenazadoras situaciones son puestas en escena utilizando juegos pirotécnicos, acciones cinéticas y pólvora.,En El 2010, instalación de un solo canal que trata de un juego que él practicaba cuando era niño. El juego consistía en hacer girar una tabla de madera atada a un cordón, creando una vigorosa vibración que reverberaba a lo largo del valle. Las características acústicas de la región son excepcionales ya que la proximidad entre las paredes de las altas montañas consigue crear una inmensa cámara de eco. En la versión actualizada de este juego, hecha por el artista, las tabletas están forradas con folios de aluminio y cada una lleva una inscripción —letras, números—, indicando fechas específicas y eventos trágicos en la historia mundial reciente NY9-11 (Nueva York), MAD3-11 (Madrid), OK4-19 (Oklahoma), MUN9-05 (Munich), etc. Paralelamente a estas instalaciones multimedia hay un grupo de trabajos sobre papel y pinturas sobre lienzo que ejemplifican temas similares a sus trabajos en video. Sus más recientes series de dibujos/collages observan la naturaleza de la violencia en la sociedad contemporánea.
Estos trabajos muestran acumulaciones truncadas de varias pistolas, ametralladoras y armas automáticas que apuntan al espectador. Algunas conforman armas construidas de cartón con frases recortadas sobre el objeto que dicen "Si quieres la paz, prepárate para la guerra"

Diego Donner

2011-11-03T09:22:00.002-03:00

Diego Donner Artista Plástico uruguayo 1959 Montevideo- Uruguay.

.."veo la pintura y el arte en general como un intento terapéutico de curación a varios niveles, donde no se excluye una transformación profunda, tanto de quién lo crea como, sería lo deseable, de quién lo contempla.Dada la técnica que uso, además de las fuertes texturas que la caracterizan, intervienen múltiples veladuras acuosas, en cuyo proceso protagoniza mucho el azar, actuando a travéz de la fuerza de gravedad, la manera en que se deposita la pintura, la libre aleación de los pigmentos en su liquidez, sus diferentes tiempos de secado, y otros factores, que permiten que el acto de pintar se convierta en un diálogo íntimo y un trabajo en equipo con la obra que se va formando, donde cada resultado aporta lo suyo y muchas veces señala el camino a seguir."

En la obra de este artista un puede ver/leer varios discursos, múltiples registros, varias inscripciones superpuestas. Superposición que, sin embargo, no implica el caos. En Donner las imágenes dialogan entre si como si hubieran sido rescatadas de una caja diversa, como si el artista las hubiera reunido casualmente, como si se tratara de un discurso caótico. Pero no."(Achugar)

"La pintura, es sabido, supone el plano. Un único plano que el artista invade con sus colores, sus texturas, dibujos, matices y pinceladas. No aspira al volumen ni a una tercera dimensión. Supone, además, la abolición del tiempo. Proclama la presencia instantánea. Permite y reclama el golpe de vista. La plenitud del ojo, la integridad de la mirada y el esplendor cromático de la luz son su modo y su reino...

Ahora, como siempre, la pintura de Diego Donner confirma que el arte es capaz de decir algo cuando instaura un espacio limpio, sano, donde la peripecia de lo posible y de lo incierto, de lo poéticamente mítico, son las únicas garantías de un conocimiento desvestido de dogmas, simplificaciones y retóricas fatuas.(Alfredo Torres)

La WEB del artista

Pentti Sammallahti

2011-11-02T09:14:00.000-03:00

Pentti Sammallahti ((Helsinki, 1950) es uno de los fotógrafos contemporáneos más destacados de Finlandia. Comenzó a exponer con regularidad su trabajo a los 21 años y trabajó durante mucho tiempo como profesor en la Universidad de Artes Aplicadas de Helsinki antes de recibir una beca del estado finlandés que le permitió consagrarse por completo a sus proyectos artísticos durante 15 años.Alejado de modas y tendencias efímeras, nos presenta pequeñas fotografías en blanco y negro, divertidas y serias al mismo tiempo. Confiesa su absoluta predilección por la nieve, el frío y la blancura del norte –en especial entre su país natal y Rusia–, lo cual no le impide encontrarse cómodo fotografiando latitudes más meridionales, como los Balcanes, Marruecos, India, Nepal e incluso Turquía.

En sus imágenes –y en particular en las que opta por el formato panorámico–, los paisajes y sus pobladores vagan sin rumbo, las casas y barracas parecen a punto de desmoronarse, con frecuencia aparece un animal –casi siempre un perro–, que deambula con la mirada perdida, con una indiferencia en cierto modo irónica.La relativamente escasa presencia del hombre, al menos físicamente, es la manera en la que Sammallahti habla al espectador de la condición humana. Si recurre a la naturaleza y a los animales, no cabe duda de que escoge el rodeo de la fábula para hablarnos del mundo en el que vivimos.
No sabemos a ciencia cierta si se debe al encuadre o a la propia naturaleza de lo que muestra, pero la mayoría de los paisajes fotográficos de Pentti Sammallahti –al igual que las pequeñas historias que cuenta– crean la extraña sensación de estar situados al borde del mundo. Es como si más allá de la línea del horizonte no existiese nada más que vacío…

En el planteamiento de Pentti Sammallahti confluyen dos enfoques fotográficos: por un lado, la fotografía de paisaje, casi contemplativa, donde la naturaleza juega un papel primordial, por otro, secunda el instante decisivo tan apreciado por Cartier-Bresson, que trata de captar un instante fugaz y único.

Es evidente que en esta paradójica dualidad entre la contemplación y la plasmación reside una parte importante de lo que conforma la impronta visual, inmediatamente reconocible, del fotógrafo.(Alain D’Hooghe)

Dave Muller

2011-11-01T11:57:00.000-03:00

Californiano Dave Muller(1964) Artista, comisario, agitador cultural, dj y coleccionista de discos, Muller goza de un reconocido prestigio en el panorama norteamericano,La exposición I Like Your Music I love You Music los trabajos del artista de los últimos años entorno a su tema fundamental: el valor cultural de la música y su reciprocidad social, tanto como retrato individual como colectivo. Los discos, en este caso representados por dibujos de sus lomos, carátulas, o por archivos sonoros de canciones, etc. son un punto de entrada a la historia personal y los recuerdos del artista, pero también a los de los espectadores y a la construcción de la identidad cultural a través de la música. Muller concibe la música como una red de intercambios y relaciones, estéticas, sociales y personales.

Oraciones (2008)

Las fotografías de "I WANT IT más fuerte"

Caida Libre(2010)

Las fotografías de "I WANT IT más fuerte"

Myoung Ho Lee

2011-10-31T08:16:00.000-03:00

(Daejeon, 1975) es un fotógrafo afincado en Seúl que saltó a la escena internacional en 2007 tras la publicación en Lens Culture de una serie fotográfica titulada Tree. La atención crítica que han logrado estas fotografías no responde únicamente a su notable belleza, ya que en ellas su autor ha puesto en juego elementos que implican no solo un cierto género de fotografía conceptual, sino también al Land-Art y a la pintura. El autor define su obra como un "Photography-Act", pero según algunos la serie extiende sus encantos hacia campos como la Botánica y la Ecología.

Nada más y nada menos que la realización de algo así como una imagen mental: aislar un objeto (un objeto particularmente complejo como es un árbol) de su entorno. A pesar de la pulcritud de la imagen, fijarla requiere una planificación y un despliegue de medios que de la fotografía final solo puede deducirse, pues su perfección no deja rastro del método de ejecución. aunque en primera instancia no alcancemos a discernirlo con claridad, en nuestro fuero interno intuimos que el encanto de estas imágenes hunde sus raíces en ciertos rasgos muy particulares del arte oriental.

El egocentrismo estético de Occidente tiende a minimizar el hecho incontestable de que en el Lejano Oriente se desarrolló mucho antes que aquí una poética del paisaje -dotada de hondo calado espiritual y de refinadísima construcción- que no terminaría de contaminar a nuestros artistas de un modo profundo hasta la irrupción del Postimpresionismo. Muy probablemente el origen de la poética visual que rige la serie de Myoung Ho-Lee se encuentra en el arte de la estampa y el dibujo a tinta japonés, es decir, en el terreno del Ukiyo-e y aún más en el del Sumi-e.En todas las fotografías se ha respetado cuidadosamente el eje frontal, lo que contribuye a reforzar la lectura bidimensional de la imagen.

El enorme lienzo blanco actúa como un papel de arroz presto a recibir la mancha alveolar del árbol, su perfil único. De hecho, el fotógrafo podría haber ceñido su encuadre fotográfico al encuadre de ese enorme papel de arroz, haciendo que ambos coincidan: esto hubiera sido lo estrictamente necesario para revelar (igual que la revelación química de la imagen sobre el soporte fotográfico) la inextricable estructura de cada uno de los árboles.
Sin embargo, Ho-Lee ha retranqueado el borde la imagen, y nos deja ver una enorme porción del paisaje que circunda al árbol escogido. Es como si una imagen contuviera a otra dentro. Una pequeña mise en abîme que tiene más de un efecto. Por un lado saca a la luz la provisionalidad y la teatralidad ligeramente onírica de la imagen, porque esta interrupción del paisaje, aún siendo de gran tamaño, nos parece minúscula en relación al contexto, cuyo coprotagonismo conecta con el espítiru del

Land-Art. Por otro lado, la naturaleza magrittiana de la imagen introduce un juego perceptual que pone en cuestión la noción de imagen, encuadre, marco, profundidad, perspectiva y escala, y cuyo principal logro consiste en que el espectador, no necesariamente al tanto de cada uno de los extremos de este análisis, siente sin embargo el deseo de detenerse ante la imagen, quedando cautivado por la inteligencia y la inusual delicadeza de su elaboración.

John Currin

2011-10-30T14:21:00.000-03:00

John Currin 1962 pintor americano

El trabajo de Currin es una fabulosa exploración de viejos estilos pictóricos que van del renacentismo a la escuela flamenca, pasando por Lucas Cranach, así como por el lujo indulgente de Fragonard y Boucher.
Este artista parece celebrar el arte malo a través de aparatosas paráfrasis de diversos pintores, especialmente de algunos poco conocidos ("Un artista aprende mucho más de los artistas segundones que de los grandes maestros", explica). Su trabajo consiste en retratos kitsch, fusiones de estilos clásicos con elementos de la publicidad contemporánea (los anuncios de Calvin Klein vienen a la mente) y un sentido perverso de la elegancia grotesca. Pero lejos de hacer simples pastiches o caricaturas ingeniosas, Currin trabaja con un gran rigor para convertir a sus personajes imaginarios –pues no se inspira en mujeres reales ni mucho menos en modelos– en seres postapocalípticos, cyborgs modeladas por la cultura de la decadencia, mutantes de una era de excesos que llevan impresos en la piel sus vicios y virtudes.
El trabajo de este artista está impregnado de un denso humor negro, de una poderosa carga paródica en la que las imágenes familiares súbitamente se han transformado en escenas de delirio febril. De modo semejante a los artistas pop que sacaban cosas cotidianas de contexto para convertirlas en algo distinto, Currin secuestra iconos de la historia del arte para volverlos herramientas para descifrar nuestra realidad, para situarnos en un tiempo neutral e indefinido, para aislar a las criaturas sociales que nos rodean y reconocernos en la fauna de los seres que se han moldeado a sí mismos a través de sus fantasías.

Paula Rego

2011-10-29T17:32:00.001-03:00

Paula Rego es una pintora e ilustradora nacida en Portugal en 1935, vive en Inglaterra desde 1975 y muchos ya la consideran una pintora inglesa. Utiliza técnicas diversas como el óleo, pastel y collage y sus personajes son extraños y perturbadores, mujeres de facciones masculinas y duras , escenas fetichistas o extraídas de cuentos infantiles con animales o niños como actores principales.De historias extrañas e inquietantes en las que salen a relucir los impulsos más oscuros del subconsciente a través de escenas con animales y niños (más bien niñas) perversos. En el fondo son fábulas de un humor tragicómico.

"Muchos de los cuadros que yo pinto son historias y a veces no sé en qué escenarios situarlos. Con frecuencia hago uso del recuerdo de sitios que conocí en mi niñez, como la casa de mi abuela en Lisboa. Nunca suceden en Londres. Aunque mi estudio está aquí y es el lugar donde todo cobra forma

Sus personajes suelen ser inquietantes, con un lado oscuro. ¿De dónde provienen esas ideas o historias?

Normalmente vienen de historias que he leído. Como Jane Eyre, de Charlotte Brontë; El crimen del padre Amaro, de Eça de Queiros; Nada, de Carmen Laforet. Un libro precioso. A veces leo obras que me inspiran, pero mis pinturas no son ilustraciones. Son una interpretación de lo que me hacen sentir.

Misha Gordin

2011-10-28T10:47:00.001-03:00

Misha Gordin es un fotógrafo ruso nacido en 1945 dedicado por completo a la fotografía conceptual de una brillante manera. Como él mismo escribe:Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.

E n una unidad de sueño y lo real

Desde los rincones más oscuros del corazón

Como una sombra del pasado turbio

Surge un llamado a la oración solitaria

BEATRIZ GONZÁLEZ

2011-10-27T07:47:00.001-03:00

Pintora, historiadora y crítica de arte santandereana (Bucaramanga, 1938). Beatriz González Aranda estudió Bellas Artes con Juan Antonio Roda en la Universidad de los Andes e hizo un curso de grabado en la Academia Van Beeldende Kunsten de Rotterdam. Como historiadora ha publicado: Ramón Torres Méndez, entre lo pintoresco y la picaresca (1985), Roberto Páramo, pintor de la sabana (1986), José Gabriel Tatis, un pintor comprometido (1987), Fídolo Alfonso González Camargo (1987) y "Las artes plásticas en el siglo XIX", en la Gran Enciclopedia de Colombia (1993). Beatriz González tiene una amplia producción que se remonta a los primeros años sesenta. En 1964 se presentó por primera vez en Bogotá con una exposición sobre La encajera del pintor holandés del siglo XVII Jan Vermeer.

Inspirada en este cuadro, Beatriz González realizó una serie de variaciones de indiscutible buen gusto. Su obra se caracterizó por los colores vivos y planos y las composiciones armónicas. Posteriormente vinieron, en 1965, las variaciones sobre La niña-montaje, en las que reafirmó su refinamiento cromático.
Beatriz González ha trabajado numerosas versiones de obras de grandes maestros. Desde La encajera de Vermeer hasta el Guernica de Pablo Picasso, titulado Mural para fábrica socialista, la artista ha hecho variaciones de Leonardo da Vinci, Rafael, Sandro Botticelli, Jean-AugustDominique Ingres, Jean-François Millet, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Edgar Degas, Pierre-August Renoir, Georges Braque, etc. Dos razones han llevado a Beatriz González a trabajar con obras famosas de la historia de la pintura: su inhabilidad para componer y su admiración por las obras artísticas. La pintora confiesa tener una visión prejuiciada de la historia del arte. A toda hora, en todas partes, asocia experiencias visuales con cuadros famosos.

la artista trabaja sobre superficies de diversos materiales y texturas (láminas de metal, maderas varias, toallas, hules, cubrelechos, etc.) debe inventar constantemente nuevas facturas. Con óleos, esmaltes o acrílicos, Beatriz González no sólo domina cada una de las técnicas, sino que trabaja con una gama muy variada de colores. Desde sus óleos sobre lienzo de comienzos de su carrera, hasta los telones pintados en acrílico y el Guernica (1981), realizado en esmalte sintético sobre tablex, pasando por sus numerosos esmaltes sobre lata (muchos instalados en muebles como "marcos"), Beatriz González se ha dado el lujo de dominar los medios y procedimientos y, sobre todo, de transvasar con talento las pinturas en que se inspira.

Beatriz González recuerda: “Cuando la pareja real se encontraba en Cartagena, un fotógrafo atrevido la tomó por detrás en el momento preciso en que el viento le levantó la falda a la princesa.” [Entrevista con la artista, mayo 18 de 2009.] La fotografía fue publicada en blanco y negro en el diario El Tiempo. La artista tomó el recorte de prensa, copió la imagen y la convirtió en una edición de serigrafías a color que tituló Los reveses de la realeza.

Junto con esta obra, la artista realizó la edición serigráfica titulada La actualidad ilustrada, que también se refiere a la visita a Colombia de la Princesa Ana y el Capitán Phillips. De acuerdo a Beatriz González, “Cuando llegó la pareja real, los anglófilos y aspirantes a tratos con la realeza le hicieron invitaciones. Una de ellas fue un almuerzo en la hacienda de Miguel de Germán Ribón. Creo que le dieron ajiaco. Cromos tenía la foto de la pareja en la finca en la carátula.” [Entrevista con la artista, mayo 18 de 2009.]

En las ambas serigrafías, la presentación frontal de las formas y la superposición y ordenamiento de planos de color contrastantes produce un efecto publicitario; sus uniones desajustadas recuerdan los resultados imprecisos en la impresión de los medios gráficos de circulación masiva como prensa, postales y estampas. Las imágenes están cercadas por un marco que simula la forma de los bordes de las estampillas postales, un detalle intencionado que enriquece las posibilidades de interpretación de ambos trabajos.

Maria Fernanda Cardoso

2011-10-26T10:41:00.001-03:00

Maria Fernanda Cardozo nace en Colombia 1963-vive en Australia-el encantamiento de la artista con todos los aspectos de la naturaleza. Su producción artística se ha caracterizado por el uso de materiales poco convencionales y por la ejecución meticulosa de sus obras la cual ponen en evidencia su fascinación con el mundo natural y la compleja relación del ser humano con éste. Moscas, lombrices, lagartijas, ranas, pulgas, mariposas, tusas de maíz, totumas, dulces de guayaba, huesos, corales y estrellas de mar, son algunos de los materiales previamente empleados por la artista como elementos formales con el fin de descontextualizarlos y darles un nuevo significado.

Jardín de insectos, una serie de delicados paisajes construidos por el movimiento espontáneo y discreto de diversos insectos como palitos (Phasmatodea), hojas (Phyllium bioculatum), mariposas hoja seca (Kallima paralekta) y grillos. Todos estos, obtenidos en el Museo de Historia Natural de Australia.
A todos los estudió y crió durante cuatro años, en el balcón de su apartamento en Sidney. Allí descubrió que "se camuflan en las ramas de los árboles para sobrevivir al acecho de los depredadores".
En efecto, al mirar estos refinados jardines, que se confunden con fotografía y dibujo, no se hace evidente la presencia de estos animalitos. Pero al aguzar la vista, empiezan a saltar uno a uno, con sus colores y siluetas estilizadas tan parecidas al bambú.

Esto se refuerza al observar los videos que también hace la artista, en los que, en ese paciente ritmo que tiene la naturaleza, vemos cómo despliegan sus miembros y exponen que simplemente están vivos.
"las personas nos disfrazamos para ingresar en grupos sociales y pasar inadvertidos", dice Cardoso.

Circo de Pulgas varios años antes de la realización de la idea del Circo Cardoso Flea, María Fernanda Cardoso comenzó a investigar la historia del circo de pulgas y la enseñanza misma del arte perdido de las pulgas de formación. Popularizó en el siglo XIX, los circos de pulgas se realizaron actuaciones novedad para pequeños grupos de espectadores, dos variedades están documentados-que utiliza "un juego de manos" para crear la apariencia de las pulgas real, y un segundo que utiliza las pulgas real.

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Gabriel Orozco

2011-10-25T09:26:00.003-03:00

"La única espontaneidad consiste en provocar un encuentro original"

Gabriel Orozco(1962) pertenece a la última generación de artistas surgida en el siglo XX. Su obra se ubica en esa zona de completa accesibilidad, como la describía el artista brasileño Hélio Oiticica, en la que nadie "se siente constreñido por estar en presencia del arte [porque] se trata de las 'cosas' que vemos todos los días sin de veras mirarlas". "Una especie de comunión con el ambiente" o, según diría el propio Orozco, la vida cotidiana vista como un "proceso funcional", en el cual el artista deja de ser un creador de formas inéditas para volverse una suerte de "desestabilizador" de la identidad de los objetos cotidianos, que al ser en alguna medida intervenidos, toman nuevos y movedizos sentidos.

"Creo que he logrado que nadie espere nada en particular de mí. Eso me ha permitido concentrarme en lo que quiero hacer, disfrutar los riesgos artísticos que corro, y al mismo tiempo lograr cierta complicidad con la gente que goza viendo cómo me meto en problemas, incluso pictóricos, aparentemente irresolubles y sin futuro evidente. La decepción ha sido un modo de generar un impasse o una limpieza en mi ego y en el del espectador. Yo no creo que exista un público “verdadero” como sugiere Duchamp. El público es una conjetura generada por la obra de arte, que es la que también convierte temporalmente a ciertos individuos en creadores de eso nuevo que acaban de experimentar o entender. La percepción de una obra de arte cambia todo el tiempo, y no hay garantía de que en cincuenta años la gente va a entender mejor el trabajo de un artista."

Es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz autor de una obra amplia y polivalente que abarca desde la escultura hasta las instalaciones espontáneas, pasando por la fotografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto.

Desde mediados de la década de 1990 se le consideraba el más significativo e indefinible renovador, y corroboraba lo atrevido de sus ideas cada vez que exponía, por ejemplo, una caja de zapatos. “Una cosa vacía de significado, recipiente de polvo y caja de la nada”, decía. A los comentarios más hostiles, entre el alud de críticas que recibía, respondía: “Sí, cualquiera pudo hacerlo, pero yo tuve los huevos”.

Por contra, respaldaba con impresionante prueba fotográfica la concentración y minuciosidad que requerían muchos de sus trabajos. Por ejemplo, en Black Kites, una calavera que en 1997 cubrió con franjas entrecruzadas hasta formar un ajedrez desfigurado. Orozco decía dibujar así en la tercera dimensión. Cuando salía a la calle no llevaba ni una cámara, pero con su método de trabajo quería “generar un espacio de resignificación o dislocación y reconsideración” de su entorno.

Buena parte de la originalidad y el eclecticismo que caracterizaban su obra, y de las que se preciaba, provenía del rescate y la exploración de los objetos y materiales más dispares. Muchos de ellos iban de la calle a su taller y de ahí a un museo. Entre sus creaciones se encontraban innumerables piezas perdidas, residuos urbanos, materiales efímeros y otros testimonios de la industria y el consumo.

Con respecto al comisario o curador en su opinión, "el artista necesita de ese comisario conciencia y espejo, que le ayude a descubrir lo que él mismo no ve en su obra”

Hans Peter Feldman

2011-10-24T08:53:00.000-03:00

Hans Peter Feldman1941 es un artista visual alemán es una figura reconocida del movimiento denominado arte conceptual y ha llevado a cabo muchos libros artísticos en diferentes formatos.

Durante años, Feldmann ha coleccionado, clasificado, recortado y pegado imágenes que componen su propio museo: fotos de aficionado, fotocopias, postales, juguetes... Y es que Feldmann elige entre las cosas que nos rodean y las expone a nuestra atención utilizando procedimientos muy sencillos.
Buscando en lo cotidiano una fuente de inspiración, el artista toma imágenes de objetos como herramientas, aviones, rodillas, o de hechos insignificantes, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana.
Hans Peter Feldman muestra un gran interés en las series de imágenes, en las agrupaciones, creando una especie de álbumes de fotos o de colecciones de souvenirs.
Su trabajo se podría agrupar en dos etapas, separadas por diez años de silencio. La primera fase de actividad artística se desarrolla entre 1968 y 1980, periodo en el que se dedica a coleccionar imágenes y objetos.

Su actitud crítica frente al mundo del arte y la cultura, le llevan en 1980 a abandonar el circuito artístico y a abrir una tienda de recuerdos, curiosidades, objetos de segunda mano y antigüedades en Düsseldorf, su ciudad natal.

Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos.

“Feldmann engaña. Parece sencillo y es muy complicado. Parece fácil de masticar y está lleno de espinas. Parece narrativo y ofrece algo opaco. Parece impersonal pero cuenta cosas muy íntimas. Luce directo y acaba siendo oblicuo.”

Will Cotton

2011-10-22T19:56:00.003-03:00

Nacido en Melrose 1965 (Massachussett USA) artista del algodon, musas durmiendo en nueves de algodón, o en una caverna de helado, o vestidas con crema de torta, son algunos de sus temas.

"Mi impulso inicial para hacer estas pinturas realmente salió de la conciencia del paisaje de los consumidores que vivimos cada día estamos bombardeados con cientos, si no miles de mensajes diseñados específicamente para incitar el deseo dentro de nosotros"

"Estas pinturas son de un lugar muy específico", dice Cotton, "Es una utopía donde todo deseo se cumple todo el tiempo, lo que significa en definitiva que no puede haber deseo, ya que no hay deseo sin falta"

"El sueño del paraíso, de una tierra de abundancia, es un hilo que corre a través de toda la historia humana, no sólo en los tiempos prósperos, pero de hecho, muy a menudo en la carne magra también"

Algunos artistas se inspiran en cantantes pop: Andy Warhol, Elvis Presley replicado en serigrafías, Jeff Koons inmortalizado Michael Jackson en esculturas de porcelana, y Jim Dine colaboró con los Beatles. Para Will Cotton la musa parece ser Katy Perry El artista ha trabajado con Perry en varias ocasiones, sobre todo como el director artístico de su video musical "California Gurls".. Además, la pintura de algodón de Perry que representa a la cantante en una nube de algodón de azúcar, como mechones fue la portada de "Teenage Dream Cotton aprovecha el lenguaje común de la cultura de consumo compartido a través de las fronteras geográficas.

Shinichi Maruyama

2011-10-20T22:29:00.001-03:00

Shinichi Maruyama 1968 Nagano Japon es un artista con un largo historial en el mundo de la fotografía. Comenzó fotografiando paisajes, años más tarde se pasó a la fotografía publicitaria, fotografió la cultura tibetana para dos libros que se editaron a principios de siglo (de este siglo, por supuesto) y hace cuatro años abandonó todo lo anterior para centrarse en la fotografía más conceptual, que es la que más nos gusta de todo lo que ha hecho hasta el momento. Kusho es fruto de este enfoque más conceptual de su trabajo. Parte de algo bastante sencillo: la unión de dos elementos como son el agua y la tinta china.

Gaspare Sicula

2011-10-20T08:52:00.001-03:00

Gaspare Sicula nació en 1954 en la provincia de Palermo en Partinico. En Palermo se graduó de la Escuela de Arte y ha asistido a cursos en Arquitectura.Desde 1983 vive y trabaja en Tortona.Cuenta con más de sesenta exposiciones individuales y ocho cortometrajes. Pinturas, esculturas, dibujos, fotografías e instalaciones.

Entrar en el universo de Gaspare Sicula significa llegar a un acuerdo con el tamaño de la lentitud.
El movimiento de balanceo es el movimiento lento del lugar de nacimiento, la madre del ritmo suave. Geometría Sicula casi existencial muestra este concepto en su trabajo, pero no hacer un discurso conceptual, o confía su minimalismo poético a todo lo formal y en él es parte de su vida.

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El tema de la soledad, con sus conexiones psicológicas profundas, aparece junto a la alienación y la ansiedad, el tema predominante, implementado a través de un collage de imágenes como la memoria salió de la corrección de los muchos marcos en un lento movimiento de locos y cuya persistencia de la visión se realiza y se realiza en una zona llena de figuras capturadas desde diferentes ángulos".(Giovanni Cappuzzo) Su webAQUI

Helena Almeida

2011-10-15T10:27:00.001-03:00

“Me interesa el placer que encuentro al trabajar, el debate en el taller. No necesito el acompañamiento del éxito"
Helena Almeida (Lisboa, 1934) está presente en los proyectos que marcan la renovación estética portuguesa desde los años 70. Durante más de treinta años, el trabajo artístico de esta portuguesa se ha afirmado como portador de un lenguaje expresivo en el que confluyen diversas disciplinas y actitudes. Aunque generalmente aparece representada en los manuales como fotógrafa, su obra se encuentra íntimamente relacionada con otras artes plásticas, como la pintura y la escultura, debido al minucioso proceso de elaboración de las imágenes, y al empleo de pigmentos y materiales complementarios en la realización de las fotografías

.Su discurso creativo encuentra su base en la auto-representación. No se trata meramente de autorretratos, la artista aparece siempre como modelo, escenificando distintas facetas: como autora, como mujer, planteando sus dudas personales ante la vida. Sus composiciones suelen presentarse como escenografías secuenciadas a la manera cinematográfica, instaurando espacios donde Almeida consigue emplazar su subjetividad. La artista y su cuerpo son siempre los protagonistas: sus formas, sus posturas y su relación con los objetos de su estudio son las principales categorías de interacción empleadas

Vik Muniz

2011-10-14T10:35:00.001-03:00

Nacido en São Paulo 1961 Vik Muniz forma parte de una generación de artistas que a finales de los ochenta abandona completamente el discurso fotográfico basado en la captación de imágenes reales, interesándose por la fotografía como objeto. Esta manera de entenderla como una construcción a priori separada de la realidad histórica y cotidiana, se remonta a las vanguardias históricas con Man Ray o El Lissitsky.Vik Muniz lleva esta idea al extremo pues fotografía la consecución de un trabajo de mimesis generalmente muy minucioso, a partir del cual podemos hablar de la creación de una realidad artificial. Como resultado, las fotografías de Vik Muniz son objetos por sí mismos, en los que la imagen se autoproduce dejando fuera cualquier referencia que no sea su propia definición o la fotografía misma. A partir de su llegada a Nueva York en 1983, Muniz comienza a absorber las imágenes e iconos americanos, que utilizará constantemente en todos su trabajos. Y homenajeó a uno de los artistas americanos con más influencia, Alfred Stieglitz, fotografiando nubes fabricadas con algodón en Equivalents (1993), demostrando su intención de establecer una referencialidad que no tuviese nada que ver con lo real.

Lo ya visto pero transformado es la razón de ser de sus posteriores trabajos. Para ello no duda en acudir a citas visuales tan reconocibles como las obras de Warhol, (After Warhol, 1999), Piranesi o Leonardo da Vinci. Sustituye la realidad, que en estos casos sería una copia, fabricando una trampa visual con materiales insólitos: hilo, chocolate, alambre, polvo, tinta, o tierra, que le permiten definir perfectamente la imagen y hacerla completamente independiente..Uno de los materiales empleados por Vik Muniz más reconocible y sorprendente es el chocolate. Sus obras tituladas Pictures of Chocolate empiezan a partir de 1997 y en ellas reconocemos iconos como Mohammed Alí, Manolete, Jackson Pollock, un grupo de paparazzi, una última cena... todos dibujados utilizando sirope de chocolate, jugosos y brillantesAl igual que el chocolate inspira multitud de fenómenos psicológicos como el deseo, la adicción o el sexo, los demás materiales elegidos por Muniz para sus Pictures tienen algo que decir por sí mismos. Suele seleccionarlos por la relación específica que mantengan con el sujeto o por el poder que tenga el material para cuestionar el significado del propio sujeto. Esto último ocurre en The Sugar Children, retratos de niños de la calle cuyos padres trabajan en las plantaciones de caña, que se ven dulcificados por un velo de azúcar. La comunicación que se establece con el espectador va más allá de las características de los materiales empleados, y entra también en juego la minuciosidad con la que Muniz ha creado estos “escenarios” ficticios. Muniz hace suya la dificultad técnica del grabador, representando con lanas los trazos del aguafuerte de las cárceles de Piranesi. Con el bote del sirope de chocolate imagina la action painting de Pollock, el doble retrato de Mona Lisa de Warhol con mermelada, ¿no es de fresa la Marilyn de Warhol? C. D.
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Eugenio Dittborn

2011-10-13T08:04:00.000-03:00

Nascido em Santiago do Chile em 1943Dittborn se caracteriza por utilizar las amplias posibilidades de la gráfica y el grabado, en sus diversos y modernos medios de impresión (como el offset, la serigrafía y la impresión fotográfica), sobre soportes no tradicionales, tales como géneros o cartones texturados.Traspasando siempre los límites de la pintura, Dittborn mantiene, como una constante en su producción, el traslado de imágenes desde los medios de comunicación, de archivos documentales y de su propia historia, hacia el arte, al modificar el contexto original de la imagen, y al acentuar el carácter dramático, y en ocasiones, el aspecto sublime, de ésta.
Lo Más importante en el trabajo de Dittborn ha sido la invención de las Pinturas Aeropostales, que descubrió por accidente cuándo plegó cuatro veces un papel de envolver de grandes dimensiones, y luego, al desplegarlo, advirtió que el papel estaba cuadriculado por sus pliegues.
De este modo, marcado con pintura, fotografías impresas, costuras y escritos, el papel de envolver plegado entró en un gran sobre, que voló por la red internacional de correos, hacia diferentes destinatarios en todo el mundo, quienes, cuando recibían este sobre, lo abrían, sacaban el papel, y lo desplegaban sobre muros de galerías o museos.

Con estos trabajos, Dittborn plantea una crítica definitiva a los medios plásticos tradicionales y también a la sociedad, al colocar imágenes de indígenas, delincuentes, deficientes mentales y escenas de familia tradicional. Investiga y reflexiona sobre el modo de ser, la mentalidad y el comportamiento colectivo e individual del humano, en particular del hombre chileno, expuesto en su fragilidad y soledad.

Darren Almond

2011-10-12T23:07:00.002-03:00

(Capturar y grabar el nexo de encuentro entre espacio-tiempo y realidad histórica constituyen la esencia artística de Darren Almond.)Darren Almond, nació en 1971 en Wigan,Vive y trabaja en Londres Reino Unido.Ha participado en numerosas exposiciones . Sensation' (1997-1999), Berlin Biennale (2001), Venice Biennale (2003), The Busan Biennale (2004) The Turner Prize, Tate Britain (2005), Moscow Biennale (2007), and the Tate Triennial, Tate Britain and Frac Lorraine, Metz (2009), MAC/VAL, Vitry-sûr-Seine, (2010) and Miami Art Museum (2011). Ha participado en numerosas exposiciones De trabajo diverso Darren Almond, que incorpora el cine, instalación, escultura y fotografía, se refiere a la meditación evocadora en el tiempo y duración, así como los temas de la memoria personal e histórica.
Desde 1998, Almond ha estado haciendo una serie de fotografías de paisajes conocidos como los Fullmoons.. Tomadas durante una luna llena con un tiempo de exposición de 15 minutos o más, estas imágenes de la remota ubicación geográfica aparecen fantasmas, bañados en una luz brillante donde inesperadamente la noche parece que se han convertido en el día. Muchos de los trabajos de Almond se filman en amplio - ya menudo inaccesibles - lugares geográficos, como el Círculo Polar Ártico, Siberia, las montañas sagradas de China o de la fuente del Nilo Occidental. . El artista siguió un minero de azufre en Indonesia durante una de las jornadas diarias del trabajador de la boca de un cráter de la estación de pesaje para producir rodamientos, tomada con una camara de alta definicion

En Schacta, Almendra filmó las actividades de una mina de estaño de Kazajstán y los puso en contra de una inquietante banda sonora - hizo una grabación de campo - de una mujer músico local / chamán durante su actuación.Otras obras exploran temas más cerca de casa: La tracción es un ambicioso proyecto de tres pantallas de proyección que dibuja un retrato del padre del artista, poniendo al descubierto las cicatrices externas e internas, al tiempo que revela la preocupación del artista con el paso del tiempo

Otra realización de tiempo se logró con la marea de trabajo, en el cual 600 relojes digitales se alineaban a lo largo de la totalidad de una pared al mismo tiempo registrar el paso implacable del tiempo, especialmente relevante para el 'reloj de entrada y salida "procedimiento de mecanizado de trabajo.(traduccion google)

Santiago Ydañez

2011-10-12T21:39:00.001-03:00

Nace en 1969 Jaen (España )

Su trabajo reside en el contraste de los paisajes de gran formato, dibujos , hojas de papel en donde se superponen imágenes de la naturaleza e imágenes religiosas, animales disecados con santos a lo cual comentó el artista en Lisboa: "El animal disecado tiene la misma historia que tiene un Santo en una iglesia. (...) Te acercas y consigues una intimidad tremenda, una relación serena e intensa. Me interesa esa sensación de 'familiaridad' con el santo o el animal disecado". Yendo un poco más allá, Juan José Santos ha encontrado una pequeña diferencia en el tratamiento que el artista da a animales y seres, y afirma en la revista Lápiz que "sus animales son igualmente inquietantes, pero no por su gesto agresivo, por la 'locura sana', sino por todo lo contrario: conservan una mirada humana. Y los humanos, en cambio, lucen un valor primitivo, animal".

su web AQUI

Juan Muñoz

2011-10-11T11:31:00.000-03:00

Juan Muñoz fue uno de los artistas contemporáneos más productivos e interesantes del escenario español.
Muñoz nació enMadriden 1953 y murió en Ibizaen 2001, su obra escultórica es de las más innovadoras porque desde la década del 90 comienza a trabajar la narrativa en la escultura a través de sus instalaciones, rompiendo con laescultura tradicional española.
técnica empleada por el artista madrileño para sus esculturas es primero papel maché y resina para la estructura base, luego bronce para el acabado final.

Pero antes de llevar a esta madurez, las obras de Muñoz eran escaleras, pasamanos o balcones que no conducián a ningún lugar o lasseriesde suelos ópticos, como metáforas exquisitas de la ausencia.
Juan Muñoz también se interesó por lo auditivo, creando algunas piezas radiales como A Man in a Room, Gambling (Un hombre en una habitación, Apostando), obra creada con el compositor Gavin Bryars, en las que el propio Muñoz relata trucosde naipes con música de Bryars. Esta pieza fue transmitida por Radio 3 de la BBC.

“Me gustaría que el espectador pudiera entrar en la obra de arte como un actor entra en su propia escena… Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea en un museo o en una galería, se comportara como lo haría un actor, un actor inmóvil”, decía.

Herbert BrandL

2011-10-06T08:54:00.001-03:00

Nacido en Graz, en 1959, artista austríaco Pintor de los años ochenta, íntimamente relacionado con la disposición de bastantes artistas de aquel momento por la pintura (Gerhard Richter, Gönther Fürg, Martin Kippenberger, Albert Oehlen y, sobre todo, Helmut Dorner -al que más se parece en su trabajo, Definiría su posición, dentro de la contemporaneidad, como integrante de un expresionismo romántico, directamente derivado del expresionismo austríaco y del romanticismo del norte, menos carnal y más idealista que el nacido en el Mediterráneo.

El color y la luz. El primero es de un registro amplio, que admite el arco completo de la paleta, desde los carmesíes encendidos o los amarillos brillantes hasta los grises y los tierra apagados. Sobre ese segundo y fundamental ingrediente, la luz, escribe el crítico vienés Robert Fleck: “la particularidad de sus obras es el intento de atrapar la luz en una red suave y abierta de la pintura. La imagen no está jamás fijada, aún teniendo incluso a priori todos los elementos para leerla. Estamos como sumergidos en el paisaje, donde el ojo y el cuerpo en movimiento redefinen a cada desplazamiento la imagen que se tiene”.

Talento para sumergir sus imágenes justo debajo de la umbral de representación, imágenes que siempre se están convirtiendo, en lugar de ser." Majestic y visceral, ricos en alusiones a las fuerzas naturales y exuberante atmósfera fantasmagórica."(Siong Chin)

Jenny Holser

2011-10-05T16:46:00.002-03:00

Jenny Holser nacida 1950 Gallipolis (Ohio), EE. UU.) es una artista conceptual . Holzer fue originalmente una artista abstracta, pero después de trasladarse a Nueva York en 1977, comenzó a trabajar con textos se centra en el uso de ideas en espacios públicos. Principalmente pósters, aunque también ha usado otros medios como letreros luminosos, pegatinas, camisetas, señales e internet.
Holzer centra su atención en la apariencia del texto, tamaño, lugar espacial y temporal, atrayendo la atención del espectador al mismo texto, recordándole que cualquier texto, incluyendo mensajes publicitarios o gubernamentales, siempre conllevan una existencia material, un tiempo, un lugar y un autor.

Hendrik Kerstens

2011-10-04T13:02:00.000-03:00

Hendrik Kerstens (1956)Toma como modelo a su hija Paula para realizar los retratos que le han hecho famoso y recrea sobre ella las imágenes más conocidas de autores holandeses o del Renacimiento italiano.
La mayor parte de su trabajo esta hecho en su casa de Amsterdam, con una cámara de gran formato 4×5, unos cuantos fondos de distintos tonos, iluminado con una ventana y su hija Paula de modelo. Kerstens lleva 15 años haciendo casi la misma foto, apropiandose de la estética de los pintores flamencos del siglo XV y XVI,
Encuentra de alguna manera, la forma de mantenernos atentos a la siguiente imagen. A pesar de que sabemos de antemano la pose, la luz, la expresión y el encuadre, son imágenes que retiene la mirada, que invitan a ver la siguiente para descubrir si Paula por fin se mueve, sonríe o llora.

Liu Qinghe

2011-10-03T10:41:00.000-03:00

Liu Qinghe 1961 Tianjin vive en Pekin China. Es reconocido como un maestro contemporáneo de la tinta y la pintura de lavado, es conocido por desafiar los límites de este medio tradicional para retratar la realidad actual. La mayor parte de sus obras figurativas en los últimos años muestra la gente común, su familia, sus amigos, y aquellos a los que ha fotografiado. Todas sus figuras están colocadas en contextos urbanos, dedicados a las relaciones contemporáneas y se fija en la actual crisis ideológica. Sus sentimientos de inseguridad, confusión, abatimiento, apatía e impotencia son evidentes en su retrato de una diversa colección de personajes de la vida real y situaciones.

Muntean & Rosenblum

2011-10-02T16:34:00.000-03:00

Markus Muntean (Graz, Austria, 1962) y Adi Rosenblum (Haifa, Israel, 1962)
…El trabajo de Muntean/Rosenblum se centra fundamentalmente en la pintura y el dibujo, si bien con constantes incursiones en otras disciplinas como la fotografía, el vídeo, la instalación e incluso la performance. El hilo conceptual que recorre todo su trabajo gira en torno al momento de desorientación existencial y la crisis de identidad que supone el paso a marchas forzadas hacia la madurez que sufre el adolescente en el mundo contemporáneo. Desde una perspectiva de tipo dual, que combina la imagen con texto escrito (o hablado, en el caso de los vídeos), sus obras desarrollan una reflexión sobre la deriva generacional en la que se ven sumidos los personajes que pueblan estas pinturas.

Partiendo de unos modelos humanos y estéticos reconocibles, aquéllos que pueblan las portadas de revistas y los distintos canales publicitarios de los mass media contemporáneos, sus obras no eluden un fuerte componente crítico, mediante el que se cuestiona el rol asumido por estos adolescentes en la sociedad actual.