4 ago. 2015

Richard Linder

Richard Lindner,(11 noviembre 1901 hasta 16 abril 1978) era un alemán-estadounidense ) uno de esos raros pintores que sucumbió a la oscuridad de la pintura entendida como un gran luminoso comercial que nos anuncia un tiempo de consumo y farsa. 
 Pintor mordaz cuyos colores brillantes sobrepujaban los del propio decorado del plástico, el envoltorio abigarrado, el neón, el anuncio luminoso y el aluminio esmaltado. Todo es extorsión de la mirada. El maquillaje hinchado, el centelleo enflautado, el atiborrado ahuecamiento de los cuerpos conforman el paisaje de la exuberancia humana que pinta Lindner. Las figuras atarugadas pueblan el paisaje de la desproporción. La fisonomía del muñeco que sirve a sus representaciones no tiene el don de la intemporalidad propio de las figuras de Fernand Léger. No, la actualidad es aquí, por el contrario, muy inmediata. Tener fisonomía de muñeco es algo que favorece la autoestima de los sujetos Sus figuras de hombres y mujeres son como cuerpos tipográficos agresivos que componen juntos la palabra actualidad (en mayúsculas). Visualiza ese rótulo para sus coetáneos con una ironía aterradora, hiperbólica. 

Entre los objetos de consumo es el sexo el que da tema a los cuadros de este pintor. No es un sexo practicado ni cobrado en el lienzo, sino consumo inconsumado, en constante estado latente: la forma de vida de relación que llamamos seducción al consumo


21 may. 2015

Ibrahim Mahama







Espectaculares instalaciones de Ibrahim Mahama de sacos de carbón cosidas son el resultado de su investigación de las condiciones de la oferta y la demanda en los mercados africanos. El producto final - el arte - está igualmente representada en plazas de mercado desafiando tanto sistema de valor intrínseco de los artefactos.Artista que vive y trabaja en Ghana participa en la Bienal de Venecia.

6 mar. 2015

Tristan Perich

  Muestra SOUND/CODE/DRAWING del compositor y matemático Tristan Perich (Estados Unidos, 1982), considerado uno de los artistas sonoros más innovadores de la actualidad, según el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MOMA).
La muestra reúne tres piezas que dan cuenta de distintas interfaces entre tecnologías análogas y digitales. Con elogiosas críticas del New York Press y el Wall Street Journal, el  primer caso corresponde a 1-Bit Symphony(2010) composición electrónica en cinco movimientos desarrollada mediante programación y circuito integrado.
 Aunque se aloja en un CD, no se trata de una grabación en el sentido tradicional, sino de una activación en tiempo real del código desarrollado por el artista. La obra requiere de la intervención del público que podrá escucharla con audífonos cada vez que la encienda.

El segundo caso corresponde a 0.01s. La primera centésima de segundo de 1 - Bit Symphony (2014), un libro de 695 páginas, que evidencia la programación oculta que da vida la composición orquestal.
La tercera pieza corresponde a Machine Wall Drawing 2015-03-19 7:00PM to 2015-04-24 7:00PM, dibujo sobre muro ejecutado aleatoriamente por una máquina, cuya acción que no se detendrá mientras dure la muestra.
Las tres piezas conviven en un mismo espacio, en una instalación que parte de la poética del código para tomar curso hacia la visualidad, la música y la objetualidad.


La muestra forma parte del programa Cruces Sonoros. Residencias Colaborativas  desarrollado por Anilla Cultural MAC con el aporte de FONDART 2014 y será exhibida hasta el 24 de mayo de 2015.
Sobre el artista 
Tristan Perich (EEUU, 1982) es compositor y matemático, graduado de la Universidad de Columbia y postgraduado del Interactive Telecommunications Program, Tisch School of the Arts, de la Universidad de Nueva York. Ha expuesto en espacios como Bitforms (Nueva York), Mikrogalleriet (Copenhagen), Museo Caradente (Spoleto, Italia), The Adisson Gallery (Massachusetts), Katonah Museum (Nueva York), Monster Truck (Dublín) y Leap (Berlín).

3 nov. 2014

Ana Teresa Barboza


Ana Teresa Barboza  (Peru 1980) mezclando bordado y dibujo o bordado y foto.







Lo que hace Ana Teresa Barboza  Su arte radica en utilizar las telas y los bordados para crear escenarios de la naturaleza con un toque de teatralidad entre los personajes que los protagonizan.
Con simples retazos de distintos colores e hilos en diferentes tonalidades, Ana representa en su última exposición “Animales Familiares”, figuras animales relacionándose con seres humanos.En sus trabajos, la artista peruana invita a apreciar el detalle con detenimiento y hasta a tocar con las manos las texturas que genera. Con la mezcla entre el dibujo en carbonilla y el bordado, ella plasma la relación entre los animales y los seres humanos, pasando de momentos de ternura a escenas de miedo como por ejemplo aquellas en las que se representan ataques de animales.

15 set. 2014

31 BIENAL DE SAN PABLO

Este evento es uno de los más importantes del mundo y en esta oportunidad se exponen 250 obras, de 100 artistas y 81 proyectos. Las puertas se abrieron este 6 de septiembre, en el magnífico edificio de la Sede de la Bienal que el arquitecto Oscar Niemeyer construyó con este propósito en medio del parque de Ibirapuera, en San Pablo, Brasil.

Según Pablo Lafuente, que es uno de los comisarios de la bienal, no es necesario tener conocimientos artísticos para que el visitante tenga un lugar allí, pues el objetivo es propiciar encuentros con discusiones sobre obras y artistas para relacionarse mejor con las expresiones del arte contemporáneo,

Cuando se habla de PROYECTO, se tiene la intención de crear una idea más amplia de la que un artista pueda hacer en su estudio, aquí entonces se introduce una amplia gama de prácticas culturales contemporáneas donde trabajan, educadores, sociólogos, arquitectos, artistas... Cada proyecto es una contribución independiente, pero puede estar construida también por colectividades.

En esta edición encontraremos que los artistas han buscado mezclarse con temas actuales como el Mundial de Brasil, los conflictos raciales, las masacres en Gaza y otras muy incomodas obras de arte donde se denuncia acciones políticas y sociales.
Este año se han unido lazos con Itaú Cultural y con Servicio Social do Comercio, junto con la Fundación Bienal de Sao Paulo, para impulsar y fomentar la creación y difusión del arte contemporáneo. Reafirmando la convicción de que los campos de la cultura y el arte son semilleros de formación profesional para beneficio público. Se organizarán acciones educativas como encuentros y talleres, y se planea coproducir obras y proyectos.
Antes de entrar al edificio hay un pabellón del colectivo de Mujeres Bolivianas "Creando", donde en unas pequeñas cabinas que simulan úteros invitan a las mujeres a entrar y entonces dar algún testimonio bajo el lema de Espacio para abortar.
En otro pabellón hay un colectivo peruano, encabezado por Giuseppe Campuzzano, donde expone su Museo Travesti de Perú, tratando de subvertir todos los modelos del catolicismo.
Encontraremos otro espacio llamado Violencia de Juan Carlos Romero con videoclips, relativos a imágenes y noticias de lo que fue la Argentina de los años 70.
Uno de los más destacados artistas brasileños es Gabriel Mascaro, autor de la película: No es sobre zapatos. Relacionada con las protestas de junio del 2013 y realizada con imágenes que policías militares infiltrados hicieron de las mismas. El artista revela que sintió muchísima angustia al trabajar con este material pero no dice como llegó a hacerse con las imágenes.

Quizás una de las obras que busquen los visitantes es el video Inferno,del artista Yael Bartana, de origen holandés-israelí, donde simula la destrucción del megatemplo de la Iglesia Universal do Reino de Dios en Sao Paulo, Incluso fue denunciada y aunque la causa fue archivada, este artista ha llegado a los límites desafiando a la iglesia evangélica.

En esta edición, hay cinco jueces extranjeros, Charles Esche, Galit Eilat, Nuria Enguita , Pablo Lafuente y Oren Sagiv, y éste año le han dado por nombre a la Bienal: COMO LAS COSAS NO EXITEN, que es una invocación poética de las capacidades del arte y las capacidades de reflexionar sobre la vida, el poder y la creencias. Han elegido a artistas que están un poco al margen del mercado, centrándose en el presente y en los modos de existencia menos aceptados dentro de esta sociedad que trata de ser normal , dijo Nuria Enguita, española que hace mas de años que es curadora de la Bienal de Sao Paulo.

Una movilización que organizó el artista plástico arquitecto y escritor libanés Tony Chakar, y con él 55 artistas más, consiguió que la organización devolviera un dinero para el apoyo a Gaza. Esta fue la primera de las polémicas antes de la bienal y que fue una movilización mas bien política, pero con buen resultado.

23 jul. 2014

Josep Renau


El artista valenciano Josep Renau (1907–1982) destacó sobremanera en la técnica del fotomontaje. Vinculado desde 1931 al Partido Comunista, su preocupación por la política y la influencia que recibió de movimientos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo le llevaron al convencimiento de que debía usar el arte como arma revolucionaria.




Al término de la contienda española, se exilió en México, donde, influido por la proximidad con Estados Unidos, comenzó la serie Fata-Morgana. USA – The American Way of Life. En este trabajo critica la Guerra Fría, el capitalismo, el racismo o el militarismo, muy influido por el artista alemán John Heartfield y con la pretensión de lograr la mejora de las condiciones de vida del ser humano. Trabajo que, lejos de envejecer, cobra especial interés en la actualidad, tanto por el contexto de crisis socioeconómica como por su reflexión sobre la función social del arte y la cultura

6 jul. 2014

Martial Raysse


Raysse nació en una familia ceramista en Vallauris y empezó a pintar ya escribir poesía a los 12 años.

Fascinado por la belleza de plástico, saqueó bajo cuesta tiendas con artículos de plástico y desarrollado lo que se convirtió en su concepto de "higiene visión"; una visión que presenta la sociedad de consumo. Este trabajo recibió atención y elogios de la crítica en 1961, y en una galería comercial en Milán, su exposición se agotó 15 minutos antes de la apertura. Raysse luego viajó a los Estados Unidos a involucrarse en la escena del arte pop en la ciudad de Nueva York


.En octubre de 1960, Raysse, junto a Arman, Yves Klein, François Dufrêne, Raymond Hains, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé y el crítico de arte y filósofo Pierre Restany fundó el grupo Nuevos Realistas. Más tarde el grupo se unió a César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle y Christo. Este grupo de artistas ha definido a sí mismos como teniendo en común una "nuevos enfoques en perspectiva de la realidad". Su trabajo fue un intento de volver a evaluar el concepto de arte y el artista en el contexto de una sociedad de consumo del siglo 20o reafirmando los ideales humanistas frente a la expansión industrial



Durante la década de 1960 Raysse comenzó a hacer composiciones más pictóricas, basadas en imágenes de la publicidad, así como en las bellas artes. También produjo pinturas en las que una rugosidad deliberada de ejecución se enfatiza por la superposición de una sola línea de neón. Raysse comenzó en este tiempo para crear sus propios prototipos como otra forma de seguir para elevar el mal gusto y la falsedad a la categoría de arte.


 Aunque tenía todas las cualidades para ser una estrella del arte y había conquistado el jugoso mercado de los EE UU, donde vivió en los años sesenta, el francés Martial Raysse (1936) llevó con amargura la derrota de los ideales de la revolución de mayo de 1968, cuyo inicial estallido de esperanza le hizo regresar a París. El fracaso del movimiento estudiantil le empujó a un "repliegue voluntario", se retiró al campo, rompió con el negocio y durante 30 años en los que vivió con una humildad lindante con la pobreza su rastro se desvaneció.



Fue un pionero en el uso del neón Aunque en 1960 se había adherido al movimiento del Nuevo Realismo, que predicaba la capacidad de ver el mundo como una imagen para trocerla en piezas, Raysse introdujo numerosas innovaciones antes que ningún otro artista, por ejemplo el uso del neón y las proyecciones de cine insertadas en los cuadros. En los años ochenta, tras la crisis existencial de 1968, cambió radicalmente su enfoque artístico y empezó a repensar la pintura y la escultura en profundidad.

19 may. 2014

Diane Arbus

(Nueva York, 14 de marzo de 1923 -, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense.
“La fotografia es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras “ (Diane Arbus)

 La audacia de sus temas y el enfoque fotográfico fueron reconocidos como revolucionarios y sus fotografías captaron la atención de la crítica y del público de su época.


Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías:gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día)



 La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.


En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.

17 may. 2014

Natasha Gray

Natasha Gray (ciudad de México, 1969) 



"Hacen estas olas enormes, negras, al atardecer, pero lo hacen para protegerse de los depredadores", dijo Gray sobre estas bandadas que se conocen como murmullos. "Es este concepto de la unión hace la fuerza que el ser humano no ha entendido. La vida es un esfuerzo de grupo, por eso las comunidades funcionan bien"."Lo que le pasa a alguien que parece además lejos tiene repercusiones en todos nosotros, todos estamos en el mismo planeta", expresó en una entrevista reciente con The Associated Press. "Tenemos las mismas necesidades y yo no creo en nada en este tema de 'tú eres diferente a mí porque eres de otro país o tú eres diferente a mí porque eres pobre, o eres rico'''.La muestra está integrada por tres móviles, el más grande de 1.307 pájaros y los otros con cerca de 300 cada uno. Los pájaros están hechos en tul negro con un balín cosido para darles peso; están pintados de negro para que la tela tenga una mayor rigidez y para protegerlos del polvo. Cuelgan suspendidos de hilos de nailon, lo que les da la apariencia de ser una de esas bandadas en pleno vuelo. En el móvil de mayor tamaño destaca un pequeño pájaro azul.

"Representa el hecho de que la colectividad está hecha de individuos. Me daba un poco de preocupación que interpretaran la idea que yo estaba tratando de transmitir como el hecho de que el individuo no es tan importante y se pierde o cede por la colectividad", explicó Gray. "La unión hace la fuerza no quiere decir que nos perdemos como individuos, la unión hace la fuerza porque somos individuos".La serie también incluye la caja de técnica mixta "Murmullo y mar", con un dibujo de una bandada realizado con alambre sobre una fotografía del mar.Gray estudio los movimientos de estos pájaros en videos y tomó fotos para conocer las múltiples posibilidades en cuanto a formas, "una cosa extraordinaria", dijo al tiempo que acotó que le gustaría seguir explorando este tema.

"Me parece que la naturaleza nos ofrece cosas muy mágicas, nos ofrece muchas respuestas", agregó.
A lo largo de su obra la artista se ha inspirado en el viento, las hojas y el desierto, y creó una serie de seis cuadros de alambre, uno de sus materiales favoritos, sobre hierbas medicinales de México.

2 may. 2014

Carolee Schneemann



Carolee Schneemann (Fox ChasePensilvania12 de octubre de 1939) es una artista visual estadounidense, conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género.
Schneemann se presentó cubierta con sólo una sábana y explicó al público que iba a leer un extracto de su libro Cézanne she was a great painter. Acto seguido, se despojó de la sábana y se pintó el contorno del cuerpo y del rostro con grandes trazos de barro. Se subió a una mesa larga y leyó el texto mientras posaba en una serie de poses típicas de modelos de dibujo al natural, sosteniendo el libro en una mano. Lo dejó caer y, lentamente, se extrajo un rollo de papel de la vagina y leyó las inscripciones que había escritas en él, extraídas de textos feministas que ella misma había redactado para una obra anterior. 
Pregunte a la DiosaActuación 1993-97.
La Vulva habla: "Si las tradiciones del patriarcado separaron lo femenino en la envilecida / glamour desinfectado / con sangre, madonna / puta ... cuerpo, fractura, como no podía Vulva entrar en el ámbito masculino, excepto como" castrado "o neutral ..." castrado "?
En esta actuación 1991, Schneemann personifica el reino vulvic en una exploración / examen de los tabúes culturales y las historias secretas de la vulva. Interacción directa de Vulva con el espectador crea un diálogo visual, verbal y experiencial con el público.
Schneemann, considerada como una de los pocas que crea constantemente un erotismo heterosexual verdaderamente basado en lo femenino, 
Ojo del cuerpo: 36 acciones transformadoras 1963
Pintura, pegamento, piel, plumas, serpientes de jardín, vidrio, plástico, con la instalación de estudio "Big Boards". Las fotografías del artista islandés Erró, en 35 mm de la película en blanco y negro.
Schneemann de "Acción para la cámara" en la que fusionó su propio cuerpo con el ambiente de su pintura / Construcciones ... "Yo quería que mi cuerpo real que se combina con el trabajo como un material integral - una dimensión adicional de la construcción .. . Me siento a la vez creador y de la imagen del cuerpo puede seguir siendo erótica, sexual, deseado, desear, pero es así votiva:.. marcada, escrito más de un texto de accidente cerebrovascular y el gesto descubierto por mi voluntad femenina creativa " -