Jeannette Betancourt

 "La sombra es el espectro del vacío, la representación de aquello que está ausente", dice Jeannette Betancourt. Esa afirmación -en la que se reconoce la influencia de escultores como Oteiza y Brancusi, de los que la artista puertorriqueña se declara "muy fan"-, resume la esencia de la instalación Campeche 331, visitable en el Horno de la Ciuadela hasta el próximo 26 de septiembre.

Una obra que capta los valores primordiales de las sombras que se encuentran en los árboles durante el día. La propuesta artística, que conforma un círculo de unos 6 metros de diámetro, ha sido realizada a base de recortes a mano en hule de sombras de ramas y arbustos, en concreto los del jardín de la casa de Ciudad de México en la que vive Betancourt. La instalación se ambienta con un audio que reproduce los sonidos de los pájaros que visitan dicha estancia durante la primavera y en cuya creación ha colaborado Eduardo Roel, y con una iluminación de tono verdoso que crea una atmósfera de naturaleza hiperreal en la que hay tanto de calma como de inquietud. "Trato de lograr una representación lo menos evidente posible de la realidad", dice Jeannette Betancourt, nacida en Brooklyn (Nueva York) en 1959 aunque vive entre México y Puerto Rico. Y lo consigue: una realidad subvertida y fragmentada que invita a ser rodeada con curiosidad y sin prisa.Entre los proyectos más recientes de Betancourt están la instalación interactiva Metamorfosis en Papalote Museo del Niño en la Ciudad de México, la instalaciónResidente/ Visitante, la exposición Caja Negra: relato de un siniestro en el Museo de Arte de Caguas en Puerto Rico, y Careos y relevos en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico.

2013 «Agua: Flujos / Situaciones» – una exhibición de la artista en residenciaRecolectora de relatos y de objetos, Jeannette Betancourt* articula en torno al agua una narrativa transparente, que comprende desde derivaciones de mitos y leyendas a la deconstrucción de los procesos de comercialización del agua. No existe interés alguno por postular conclusiones, solo el de colocar en el cubo blanco una serie de preguntas abiertas (cifradas en esculturas, instalaciones, videos y objetos) a consideración del espectador.

Ocupada con los temas que amenazan a la naturaleza desde hace ya casi una década, la artista designa la exposición al eje de la vida misma.  El agua – como tema- le permite tocar las contradicciones implícitas en el ser humano: las elucubraciones en la construcción de sentido ante la imposibilidad de lo inexplicable (como bien pudo ser en la antigüedad las tormentas en el mar); las razones de orden pragmático que han imperado en el manejo de este recurso y por ende, la visión fragmentada que existe en cuanto su recolección, distribución y uso actual.En la instalación escultórica “Aguacero”, Jeannette Betancourt logra un intersticio entre una imagen de su infancia y la tensión hídrica actual en la isla de Puerto Rico. En la playa de Salé, Marruecos, la artista recupera para la obra “El Arrullo”, la evidencia de una contaminación por demás, globalizada. En el Mar Egeo en Grecia, capta en los videos “Radiografía del Poder” y “Muro de Agua” el temperamento y la topografía del mar respectivamente. El océano, cada día más cercano al punto de inflexión, advierte de su poder mediante el incremento en la intensidad de las tormentas.

En la exposición, Agua: Flujos/ Situaciones, Jeannette Betancourt genera una nomenclatura de nuestra relación con el agua, una que va de la divinización a la contaminación.

Daniel Silvo

DANIEL SILVO Cadiz 1982 Su obra se centra principalmente en la fotografía y el vídeo, aunque
actualmente
su obra se vuelve más conceptual. Las dificultades en la comunicación y la traducción es el
tema que le ocupa repetidamente desde que realizó Breakfast (2004), un vídeo en la que
entrevista a un artista de Nairobi en su propio idioma y lo traduce al persa, así como lo traduce también en imagen audiovisual, a través de la metáfora del desayuno. Actualmente
prepara su individual en la galería Marta Cervera sobre este mismo tema, investigando en
torno a la visualización del lenguaje braille y el de signos.
 En 2009 realizó su obra “Cien formas de doblar tu dinero”, una serie de 100 figuras
de papiroflexia realizadas con billetes de 1 dólar estadounidense, donde reflexiona sobre
el valor del dinero, de la obra de arte y la plusvalía del trabajo del artista

.

 Está preparando en la actualidad el doctorado en la Universidad Complutense en
torno a nuevos caminos del videoarte, y da clases de edición de vídeo en el Centro Universitario Villanueva.
 Su trabajo conceptual nunca deja de manejar recursos poéticos, cuidando que la
forma sea atractiva y pueda funcionar por sí misma. En Shooting Stars (2006) las palomitas de maíz sobre el mar en la noche nos remiten a las constelaciones del cielo, como si de
su reflejo se tratase. Technoaceitunas (2002) trata un tema racial a través del paralelismo
con el color de las aceitunas. Su interés por las formas redondas y los puntos conectan directamente con la apariencia visual del lenguaje braille, por lo que estas dos vías plásticas
se cruzan en la obra De Revolutionibus Orbis Caelestis (2010), donde unas fotografías de
esferas blancas de porexpán se completan con subtítulos de puntos ordenados en forma de
textos en braille.

Cecilia Paredes

Nacida en Lima, Perú Cecilia Paredes.1950 Actualmente vive y trabaja entre Filadelfia, PA EE.UU. y Lima Perú.

Instalacion

Cecilia construye objetos utilizando principalmente elementos naturales desechados y con su trabajo, re crea otro idioma. Ella también tiene actuaciones con maquillaje, pintura corporal o cualquier otro recurso para crear sus imágenes antropomorfas, transformándose en animales, plantas o paisajes. Estos actos se registran en la fotografía, la creación de sus photoperformances.

Las fuentes y motivaciones de Cecilia son principalmente la naturaleza o, mejor dicho, la relación del ser humano con la naturaleza.

El otro abrevadero de Paredes es su “peruanidad”. En parte de su obra, rinde homenaje al Perú andino y a su historia, a la parte amazónica y a la de la costa. Con esto, dice ella, cierra el círculo de su nacionalidad, alrededor de sí misma.

Cecilia se mimetiza, se funde con el fondo, un recurso natural de sobrevivencia, de selección natural. Ella es parte de esa naturaleza y de esa nación, así que es una artista que logra trascender sus fronteras físicas, el cuerpo que la envuelve y se reencuentra con su entorno.

Jose Luis Landet

El artista José Luis Landet (1977 )
Landet adquiere pinturas de paisajes en mercados de pulgas, que interviene apropiándose de ellas, fragmentándolas y recortando detalles con los que dispone y estructura una nueva imagen.

Así, la obra resultante, una retícula, un paisaje, explicita la superficie del lienzo y el carácter apropiacionista de su producción, y con ello desbasta la ventana ilusionista que se creyó, por mucho tiempo, era la pintura.

"Pintar un paisaje muchas veces implicó el traslado corporal del artista hacia afuera, hacia `la naturaleza` para lograr capturar la esencia buscada. Landet, por el contrario, opera sobre el dispositivo pictórico al utilizar al paisaje como asunto de representación", afirma el curador Sebastián Vidal Mackinson.

Y agrega: "utiliza el paisaje como soporte con el que estructura una nueva composición y como superficie sobre la que interviene con otra imagen. Trama su producción artística sobre el género en una doble acepción: como asunto de representación y como motivo de apropiación.

José Luis Landet es egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda por la ENPEG CENART de México DF. Ha sido becario del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) de Argentina y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y de CONACULTA INBA de México.

Bob Carey

Fotógrafo Bob Carey. Con la misión de recaudar fondos para publicar su libro BALLERINA, Carey nos trae su serie THE TUTU PROJECT, libro el cual busca recaudar fondos para mujeres con cáncer de mama.En el año de 1994 a su mujer, Linda, le fue diagnosticado cáncer de mama, tras largos meses de quimioterapia logró vencerlo pero para el 2006 Linda fue diagnosticada nuevamente. The Tutu Project comenzó en el 2003, toda la serie está basada en autorretratos de Carey en locaciones que van de una costa a la otra en los estados unidos, The Tute Project ha tenido una gran acogida por todo el mundo. Para la primavera de este año el libro BALLERINA será publicado finalmente y como cometido se quieren llegar a los setenta y cinco mil dólares.

organizaciones que luchan contra el cáncer y centros de medicina especializados en el cáncer de mama.

Lee Bul

  Lee Bul ( Corea 1964) la obra de la artista coreana Lee Bul se caracteriza por situarse dentro del ciberfeminismo y sus planteamientos —identidad, teratología o post-humanismo—. desde los años 90, primero con la performance y más tarde con piezas escultóricas, instalaciones y vídeo, bul se ha convertido en una de las artistas más interesantes del panorama actual. sus obras simulan la dicotomía que sentimos frente a la tecnología —y las promesas incumplidas en torno a ella—, las envolturas de sus esculturas brillantes atraen al espectador, pero al mismo tiempo repelen por sus formas sinuosas que recuerdan a las criaturas creadas por giger.

 

mas Lee Bul

Andreas Franke

 Andreas Franke fotógrafo de Viena que lleva sus fotografias al fondo del mar.

La primera exposición de Franke fue en el buque hundido Hoyt S. Vandenberg, frente a la costa de Florida (Andreas Franke/Cortesía ).
"En mis fotografías trato de construir mundos ilusionistas. Me gusta ver las cosas desde un ángulo diferente y trato de crear nuevo tipo de opiniones. Con ello tomar imágenes de un barco hundido y dando vida a la nave por llenar estas imágenes con historias siempre fue muy interesante para mí. al sumergirse el Vandenberg finalmente encontré el escenario perfecto y el último obstáculo para realizar mi idea fue removido.
Mi trabajo siempre se basa en un concepto estricto, que es fotográficamente y técnicamente implementado perfectamente. Cada pequeño detalle es parte de una producción precisamente arreglada. No hay espacio dejado por casualidad. "

 

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Me voy de vacaciones, volvere con novedades Gracias por estar mis mejores deseos para este nuevo año 

FELICES FIESTAS!!!!!!!!!

KP Reji

K P Reji, Bad Catch,
2009, oil on canvas, 60" x 84"

  KP Reji   nacio en Kerala  India1972
Su uso de la figuración audaz y ligeramente redondeadas construye un estilo que recuerda ingenua de Gauguin. A pesar de - o quizás debido a - su aparente sencillez, sus pinturas son enigmáticas y los motivos que él engendra son difíciles de descifrar. Su trabajo es multifacético y complejo en su análisis de la relación del individuo con su entorno externo. A menudo político en la inflexión, sus lienzos ...Reji examina lo cotidiano y su relación con un mayor cuerpo político. Sus obras utilizan imágenes de familias, parejas, casas y objetos para reflexionar sobre las construcciones más grandes de la comunidad y la nación. Examina los puntos de encuentro entre la "tradición" y la "moderna" y cómo se reflejan en la manera de vivir. Cifras reji se hizo en los momentos de intensidad personal - durante el sueño, en el juego, la creación de una casa o hacer el amor - y se yuxtaponen para el efecto conmovedor. Sus imágenes teatrales se componen de una serie de viñetas, lo que implica tanto la narrativa y el punto de vista histórico más amplio.(Traductor Google)

THE TAILOR, 2003
Oil on canvas
60 x 83 ½ inches

  El artista vive y trabaja en Baroda.
su web

Eugenio Ampudia

Eugenio Ampudia(Valladolid, 1958) Vive y trabaja en Madrid

Evacuo Madrid por la puerta de Alcalá en 2008, 'hizo flotar' el acueducto de Segovia en 2009 y transportó 'nubes de memoria' procedentes de centros de arte a lo largo del Camino de Santiago. Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958), artista especializado en instalaciones, videoarte y performance

  El tiempo y el espacio son dos conceptos muy tratados en su obra. ¿Qué le interesa enseñar al público exactamente?

Normalmente trato de cosas básicas. Deconstruyo mucho cuando planteo mis investigaciones artísticas y creo que 'Temps' es un ejemplo claro de los temas que me preocupan. Se trata de reflexionar sobre algo que se desmaya ante los ojos del espectador, una manera de transmitir que el tiempo pasa y no permanece nunca, incluso cuando se concreta en un momento determinado, al siguiente se desvanece.

 A lo largo de 27 segundos esta snuff movie nos relata como una descarada naranja nos enseña sus más íntimos secretos. ¡Sexo, violencia y una fruta en la encimera de la cocina!

 Su obra, rehuye las claves de situación de la tradición vanguardista, para referirse a sí misma. Introduciendo en su mensaje diferentes medios expresivos, y una versatilidad poética reduccionista, Ampudia, traslada el medio expresivo al espectador, de tal modo, que es éste el que ejecuta la obra mediante su traducción. Desde la depuración, sus imágenes anecdóticas y recurrentes, se deslizan, sin embargo, al territorio de lo olvidado; a lo colectivo como forma de reconocernos a nosotros mismos.

An-My Lê

An-My Lê nació en Saigón, Vietnam, en 1960. Lê huyó de Vietnam con su familia cuando era un adolescente en 1975, el último año de la guerra, colocando eventual en los Estados Unidos como refugiado político. Lê recibido BAS y una maestría en biología de la Universidad de Stanford (1981, 1985) y un MFA de la Universidad de Yale (1993). Sus fotografías y películas de examinar el impacto, las consecuencias y la representación de la guerra. Ya sea en una tensión color o en blanco y negro, sus cuadros marco entre el paisaje natural y su transformación violenta en campos de batalla. Los proyectos incluyen "Viet Nam" (1994-98), en el que Le recuerdos de un paisaje devastado por la guerra se reconcilian con el paisaje contemporáneo "guerras pequeñas" (1999-2002), en la que Lê fotografiado y participó en la Guerra de Vietnam representaciones en Carolina del Sur, y "29 Palms" (2003-04), en la que Estados Unidos Marines Preparación de la implementación acto play-escenarios en un entorno virtual Oriente Medio en el desierto de California. Suspendido entre las tradiciones formales del documental y organizaron la fotografía, la obra de Le explora la disyunción entre guerras como hechos históricos y la representación ubicua de la guerra en el entretenimiento contemporáneo, la política y la conciencia colectiva.  Ella vive en Brooklyn y enseña fotografía en el Bard College.(traductor google)

Esta escasez simultánea y exceso de información es una característica distintiva de las fotografías An-My Le. En un sentido literal, su sujeto es siempre evidente, sin embargo, subtextos la fotografía siguen siendo profundamente oculto. En la misma serie, el capitán Folsom (2003-04) muestra el comandante titular frente a un grupo de soldados con cascos en una colina en el primer plano, en el centro de la fotografía, cuatro tanques acompañados de tres Humvees están estacionados en una baja cordillera, su cañones dirigido a un enemigo no identificado en el paisaje mediocre mismo. En Pelotón de Infantería, Attack (2003-04), los grupos minúsculos de soldados corriendo y un camión convoy punto una vista panorámica.

An-My Lê, “Patient Admission, US Naval Hospital Ship Mercy, Vietnam,” 2010, A