10 set. 2016

markus lupertz


 Markus Lüpertz (Reichenberg, actual Liberec (República Checa), 25 de abril de 1941) es un pintorescultor y escritor alemán, vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.



Arnulf Rainer

Baden, Austria, 1929.
Arnulf Rainer se inició en la pintura a través del surrealismo. Interesado en el automatismo en seguida empezó a basar su expresividad en el ocultamiento de imágenes de otros artistas, o fotografías suyas. Así toma fragmentos de obras de arte, a menudo religiosas, para cubrirlos luego de capas de pintura y trazos realizados en ocasiones con las manos.Exaltando siempre el acto humano de pintar, en la obra de Rainer destaca el lenguaje corporal que pintar implica. Para esto, resalta las primeras formas de expresión humana, utilizando las manos para extender la pintura, y partiendo de la destrucción y el poder del subconsciente como fin creativo.
Muestras de un intento del artista por liberarse de sus propias limitaciones, sus pinturas denotan la búsqueda de la expresividad máxima, a través de colores, texturas y gestos. Incluso las formas de algunos lienzos exceden lo convencional, y adoptan la silueta de la cruz latina. La utilización de otras imágenes, cubiertas brutalmente de pintura, el uso de las manos y de la cruz como soporte y su obsesión por la muerte le han convertido en un artista reconocible internacionalmente, y en ocasiones polémico.

19 ago. 2016

Berlín Henrik Olesen

8c_HO2013_36_3En su obra conceptualmente rigurosa y a menudo ingenioso, artista residente en Berlín Henrik Olesen (b. 1967, Esbjerg, Dinamarca) investiga las estructuras de poder y los sistemas de conocimiento para revelar la lógica y reglas de normalización social y política inherentes. proyectos de Olesen, basado en una investigación en profundidad, se han ocupado de una amplia gama de temas, incluyendo los códigos legales, las ciencias naturales, la distribución del capital, y la historia del arte, y han tomado la forma de carteles, volantes, textos, collages, esculturas encontrado a objetos e intervenciones espaciales. En trabajos anteriores, Olesen ha recopilado ejemplos de "ley de sodomía" de todo el mundo como testimonio a la penalización de la homosexualidad persistente; montado un vasto atlas de las expresiones notables, aunque rara vez se reconoce de deseo del mismo sexo o afecto en la historia del arte occidental; y, más recientemente, ha creado un retrato-en-collages de fotos de texto y objetos escultóricos de-matemático británico Alan Turing, que fue perseguido por su orientación sexual a pesar de sus logros profesionales y contribuciones patrióticas histórico y imaginado.
Henrik Olesen. Imitation/Enigma (2). 2008. Box, adhesive tape, rope, padding material, and blanket, 23 5/8 x 39 3/8 x 11 13/16" (60 x 100 x 30 cm). © Henrik Olesen. Courtesy the artist and Galerie Daniel Buchholz, Cologne and Berlin

La imitación / Enigma ( 2 ) . 2008. Caja cinta adhesiva, cuerda, material de relleno , y una manta , 23 5/8 x 39 3/8 x 11 13/16 " ( 60 x 100 x 30 cm ) .
Monogram / Natures Morte
2012
C-Print, acrylic paint, collage on four panels
104 x 83 cm each

3 abr. 2016

Patricia Dauder



El trabajo de Patricia Dauder se caracteriza por hacer exploraciones conceptuales en la propia génesis de las imágenes como forma de construir nuevas visiones de la reali dad que invierten los procesos de captación de la misma, en un intento de devolver a un grado cero las formas adulteradas de la realidad y sustituirlas por un espacio visual autónomo donde se des-subjetiva la mirada.

Los dibujos-pintura de Patricia Dauder participan de la misma noción de des-realización de la imagen. La artista los trabaja y retrabaja hasta provocar el propio desfallecimiento de la imagen para que aparezcan otros significados que el espectador pueda aportar dentro de las tramas inconclusas y los rastros reiterados que no pretenden reconstruir realidad visible alguna sino tan solo transportar al papel y a la tela algo de su propia vivencia en el espacio y en el tiempo. Eso les da una presencia intangible, fluctuante a la vez que activa y necesaria, a pesar del infructuoso reconocimiento de las imágenes a las que puede estar haciendo referencia dado que son, ante todo, exploraciones en el propio acto de hacerlas emerger. Las superficies pictóricas se manifiestan a los ojos del espectador, como puras emergencias de la visión primera de las cosas que transcriben su devenir por encima de cualquier apariencia que las pueda fijar.



28 set. 2015

Rufina Santana

De la mano de los azules y describiendo un mapa pintado, la artista canaria Rufina Santana nos invita a realizar un viaje, a recorrer la senda del héroe. Dicho viaje comienza atravesando las columnas de Hércules y sigue hacia un mar incierto, ese mar que a todos nos une, y que en el caso de las cartografías, es un mar de tradición mediterránea que une las Islas Canarias, el Jardín de las Hespérides, con el nuevo mundo.La pintura de Rufina Santana es la pintura que habla del viaje, la memoria y el agua. Un viaje del alma, que no es tanto literal, sino simbólico e incluso cósmico, como viaja el alma del que crea en un proceso de meditación y creación y luego dibuja un mapa, una cartografía que la artista escenifica a través de una impecable técnica, el mito y el azul. Para ello se nutre de unos elementos de carácter representativo y simbólico: la barca, el barquero, el narciso que busca su propio reflejo ahondado en el elemento acuoso; el elemento sensible, el que más nos afecta de forma directa en todas sus posibilidades; la alegría de la lluvia, la conmoción ante un mar embravecido o el reflejo y perplejidad de la percepción de nuestra propia imagen ante la quietud de un estanque.
http://www.rufinasantana.com/






4 ago. 2015

Richard Linder

Richard Lindner,(11 noviembre 1901 hasta 16 abril 1978) era un alemán-estadounidense ) uno de esos raros pintores que sucumbió a la oscuridad de la pintura entendida como un gran luminoso comercial que nos anuncia un tiempo de consumo y farsa. 
 Pintor mordaz cuyos colores brillantes sobrepujaban los del propio decorado del plástico, el envoltorio abigarrado, el neón, el anuncio luminoso y el aluminio esmaltado. Todo es extorsión de la mirada. El maquillaje hinchado, el centelleo enflautado, el atiborrado ahuecamiento de los cuerpos conforman el paisaje de la exuberancia humana que pinta Lindner. Las figuras atarugadas pueblan el paisaje de la desproporción. La fisonomía del muñeco que sirve a sus representaciones no tiene el don de la intemporalidad propio de las figuras de Fernand Léger. No, la actualidad es aquí, por el contrario, muy inmediata. Tener fisonomía de muñeco es algo que favorece la autoestima de los sujetos Sus figuras de hombres y mujeres son como cuerpos tipográficos agresivos que componen juntos la palabra actualidad (en mayúsculas). Visualiza ese rótulo para sus coetáneos con una ironía aterradora, hiperbólica. 

Entre los objetos de consumo es el sexo el que da tema a los cuadros de este pintor. No es un sexo practicado ni cobrado en el lienzo, sino consumo inconsumado, en constante estado latente: la forma de vida de relación que llamamos seducción al consumo


21 may. 2015

Ibrahim Mahama







Espectaculares instalaciones de Ibrahim Mahama de sacos de carbón cosidas son el resultado de su investigación de las condiciones de la oferta y la demanda en los mercados africanos. El producto final - el arte - está igualmente representada en plazas de mercado desafiando tanto sistema de valor intrínseco de los artefactos.Artista que vive y trabaja en Ghana participa en la Bienal de Venecia.

6 mar. 2015

Tristan Perich

  Muestra SOUND/CODE/DRAWING del compositor y matemático Tristan Perich (Estados Unidos, 1982), considerado uno de los artistas sonoros más innovadores de la actualidad, según el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MOMA).
La muestra reúne tres piezas que dan cuenta de distintas interfaces entre tecnologías análogas y digitales. Con elogiosas críticas del New York Press y el Wall Street Journal, el  primer caso corresponde a 1-Bit Symphony(2010) composición electrónica en cinco movimientos desarrollada mediante programación y circuito integrado.
 Aunque se aloja en un CD, no se trata de una grabación en el sentido tradicional, sino de una activación en tiempo real del código desarrollado por el artista. La obra requiere de la intervención del público que podrá escucharla con audífonos cada vez que la encienda.

El segundo caso corresponde a 0.01s. La primera centésima de segundo de 1 - Bit Symphony (2014), un libro de 695 páginas, que evidencia la programación oculta que da vida la composición orquestal.
La tercera pieza corresponde a Machine Wall Drawing 2015-03-19 7:00PM to 2015-04-24 7:00PM, dibujo sobre muro ejecutado aleatoriamente por una máquina, cuya acción que no se detendrá mientras dure la muestra.
Las tres piezas conviven en un mismo espacio, en una instalación que parte de la poética del código para tomar curso hacia la visualidad, la música y la objetualidad.


La muestra forma parte del programa Cruces Sonoros. Residencias Colaborativas  desarrollado por Anilla Cultural MAC con el aporte de FONDART 2014 y será exhibida hasta el 24 de mayo de 2015.
Sobre el artista 
Tristan Perich (EEUU, 1982) es compositor y matemático, graduado de la Universidad de Columbia y postgraduado del Interactive Telecommunications Program, Tisch School of the Arts, de la Universidad de Nueva York. Ha expuesto en espacios como Bitforms (Nueva York), Mikrogalleriet (Copenhagen), Museo Caradente (Spoleto, Italia), The Adisson Gallery (Massachusetts), Katonah Museum (Nueva York), Monster Truck (Dublín) y Leap (Berlín).

3 nov. 2014

Ana Teresa Barboza


Ana Teresa Barboza  (Peru 1980) mezclando bordado y dibujo o bordado y foto.







Lo que hace Ana Teresa Barboza  Su arte radica en utilizar las telas y los bordados para crear escenarios de la naturaleza con un toque de teatralidad entre los personajes que los protagonizan.
Con simples retazos de distintos colores e hilos en diferentes tonalidades, Ana representa en su última exposición “Animales Familiares”, figuras animales relacionándose con seres humanos.En sus trabajos, la artista peruana invita a apreciar el detalle con detenimiento y hasta a tocar con las manos las texturas que genera. Con la mezcla entre el dibujo en carbonilla y el bordado, ella plasma la relación entre los animales y los seres humanos, pasando de momentos de ternura a escenas de miedo como por ejemplo aquellas en las que se representan ataques de animales.

15 set. 2014

31 BIENAL DE SAN PABLO

Este evento es uno de los más importantes del mundo y en esta oportunidad se exponen 250 obras, de 100 artistas y 81 proyectos. Las puertas se abrieron este 6 de septiembre, en el magnífico edificio de la Sede de la Bienal que el arquitecto Oscar Niemeyer construyó con este propósito en medio del parque de Ibirapuera, en San Pablo, Brasil.

Según Pablo Lafuente, que es uno de los comisarios de la bienal, no es necesario tener conocimientos artísticos para que el visitante tenga un lugar allí, pues el objetivo es propiciar encuentros con discusiones sobre obras y artistas para relacionarse mejor con las expresiones del arte contemporáneo,

Cuando se habla de PROYECTO, se tiene la intención de crear una idea más amplia de la que un artista pueda hacer en su estudio, aquí entonces se introduce una amplia gama de prácticas culturales contemporáneas donde trabajan, educadores, sociólogos, arquitectos, artistas... Cada proyecto es una contribución independiente, pero puede estar construida también por colectividades.

En esta edición encontraremos que los artistas han buscado mezclarse con temas actuales como el Mundial de Brasil, los conflictos raciales, las masacres en Gaza y otras muy incomodas obras de arte donde se denuncia acciones políticas y sociales.
Este año se han unido lazos con Itaú Cultural y con Servicio Social do Comercio, junto con la Fundación Bienal de Sao Paulo, para impulsar y fomentar la creación y difusión del arte contemporáneo. Reafirmando la convicción de que los campos de la cultura y el arte son semilleros de formación profesional para beneficio público. Se organizarán acciones educativas como encuentros y talleres, y se planea coproducir obras y proyectos.
Antes de entrar al edificio hay un pabellón del colectivo de Mujeres Bolivianas "Creando", donde en unas pequeñas cabinas que simulan úteros invitan a las mujeres a entrar y entonces dar algún testimonio bajo el lema de Espacio para abortar.
En otro pabellón hay un colectivo peruano, encabezado por Giuseppe Campuzzano, donde expone su Museo Travesti de Perú, tratando de subvertir todos los modelos del catolicismo.
Encontraremos otro espacio llamado Violencia de Juan Carlos Romero con videoclips, relativos a imágenes y noticias de lo que fue la Argentina de los años 70.
Uno de los más destacados artistas brasileños es Gabriel Mascaro, autor de la película: No es sobre zapatos. Relacionada con las protestas de junio del 2013 y realizada con imágenes que policías militares infiltrados hicieron de las mismas. El artista revela que sintió muchísima angustia al trabajar con este material pero no dice como llegó a hacerse con las imágenes.

Quizás una de las obras que busquen los visitantes es el video Inferno,del artista Yael Bartana, de origen holandés-israelí, donde simula la destrucción del megatemplo de la Iglesia Universal do Reino de Dios en Sao Paulo, Incluso fue denunciada y aunque la causa fue archivada, este artista ha llegado a los límites desafiando a la iglesia evangélica.

En esta edición, hay cinco jueces extranjeros, Charles Esche, Galit Eilat, Nuria Enguita , Pablo Lafuente y Oren Sagiv, y éste año le han dado por nombre a la Bienal: COMO LAS COSAS NO EXITEN, que es una invocación poética de las capacidades del arte y las capacidades de reflexionar sobre la vida, el poder y la creencias. Han elegido a artistas que están un poco al margen del mercado, centrándose en el presente y en los modos de existencia menos aceptados dentro de esta sociedad que trata de ser normal , dijo Nuria Enguita, española que hace mas de años que es curadora de la Bienal de Sao Paulo.

Una movilización que organizó el artista plástico arquitecto y escritor libanés Tony Chakar, y con él 55 artistas más, consiguió que la organización devolviera un dinero para el apoyo a Gaza. Esta fue la primera de las polémicas antes de la bienal y que fue una movilización mas bien política, pero con buen resultado.