15/9/2014

31 BIENAL DE SAN PABLO

Este evento es uno de los más importantes del mundo y en esta oportunidad se exponen 250 obras, de 100 artistas y 81 proyectos. Las puertas se abrieron este 6 de septiembre, en el magnífico edificio de la Sede de la Bienal que el arquitecto Oscar Niemeyer construyó con este propósito en medio del parque de Ibirapuera, en San Pablo, Brasil.

Según Pablo Lafuente, que es uno de los comisarios de la bienal, no es necesario tener conocimientos artísticos para que el visitante tenga un lugar allí, pues el objetivo es propiciar encuentros con discusiones sobre obras y artistas para relacionarse mejor con las expresiones del arte contemporáneo,

Cuando se habla de PROYECTO, se tiene la intención de crear una idea más amplia de la que un artista pueda hacer en su estudio, aquí entonces se introduce una amplia gama de prácticas culturales contemporáneas donde trabajan, educadores, sociólogos, arquitectos, artistas... Cada proyecto es una contribución independiente, pero puede estar construida también por colectividades.

En esta edición encontraremos que los artistas han buscado mezclarse con temas actuales como el Mundial de Brasil, los conflictos raciales, las masacres en Gaza y otras muy incomodas obras de arte donde se denuncia acciones políticas y sociales.
Este año se han unido lazos con Itaú Cultural y con Servicio Social do Comercio, junto con la Fundación Bienal de Sao Paulo, para impulsar y fomentar la creación y difusión del arte contemporáneo. Reafirmando la convicción de que los campos de la cultura y el arte son semilleros de formación profesional para beneficio público. Se organizarán acciones educativas como encuentros y talleres, y se planea coproducir obras y proyectos.
Antes de entrar al edificio hay un pabellón del colectivo de Mujeres Bolivianas "Creando", donde en unas pequeñas cabinas que simulan úteros invitan a las mujeres a entrar y entonces dar algún testimonio bajo el lema de Espacio para abortar.
En otro pabellón hay un colectivo peruano, encabezado por Giuseppe Campuzzano, donde expone su Museo Travesti de Perú, tratando de subvertir todos los modelos del catolicismo.
Encontraremos otro espacio llamado Violencia de Juan Carlos Romero con videoclips, relativos a imágenes y noticias de lo que fue la Argentina de los años 70.
Uno de los más destacados artistas brasileños es Gabriel Mascaro, autor de la película: No es sobre zapatos. Relacionada con las protestas de junio del 2013 y realizada con imágenes que policías militares infiltrados hicieron de las mismas. El artista revela que sintió muchísima angustia al trabajar con este material pero no dice como llegó a hacerse con las imágenes.

Quizás una de las obras que busquen los visitantes es el video Inferno,del artista Yael Bartana, de origen holandés-israelí, donde simula la destrucción del megatemplo de la Iglesia Universal do Reino de Dios en Sao Paulo, Incluso fue denunciada y aunque la causa fue archivada, este artista ha llegado a los límites desafiando a la iglesia evangélica.

En esta edición, hay cinco jueces extranjeros, Charles Esche, Galit Eilat, Nuria Enguita , Pablo Lafuente y Oren Sagiv, y éste año le han dado por nombre a la Bienal: COMO LAS COSAS NO EXITEN, que es una invocación poética de las capacidades del arte y las capacidades de reflexionar sobre la vida, el poder y la creencias. Han elegido a artistas que están un poco al margen del mercado, centrándose en el presente y en los modos de existencia menos aceptados dentro de esta sociedad que trata de ser normal , dijo Nuria Enguita, española que hace mas de años que es curadora de la Bienal de Sao Paulo.

Una movilización que organizó el artista plástico arquitecto y escritor libanés Tony Chakar, y con él 55 artistas más, consiguió que la organización devolviera un dinero para el apoyo a Gaza. Esta fue la primera de las polémicas antes de la bienal y que fue una movilización mas bien política, pero con buen resultado.

23/7/2014

Josep Renau


El artista valenciano Josep Renau (1907–1982) destacó sobremanera en la técnica del fotomontaje. Vinculado desde 1931 al Partido Comunista, su preocupación por la política y la influencia que recibió de movimientos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo le llevaron al convencimiento de que debía usar el arte como arma revolucionaria.




Al término de la contienda española, se exilió en México, donde, influido por la proximidad con Estados Unidos, comenzó la serie Fata-Morgana. USA – The American Way of Life. En este trabajo critica la Guerra Fría, el capitalismo, el racismo o el militarismo, muy influido por el artista alemán John Heartfield y con la pretensión de lograr la mejora de las condiciones de vida del ser humano. Trabajo que, lejos de envejecer, cobra especial interés en la actualidad, tanto por el contexto de crisis socioeconómica como por su reflexión sobre la función social del arte y la cultura

6/7/2014

Martial Raysse


Raysse nació en una familia ceramista en Vallauris y empezó a pintar ya escribir poesía a los 12 años.

Fascinado por la belleza de plástico, saqueó bajo cuesta tiendas con artículos de plástico y desarrollado lo que se convirtió en su concepto de "higiene visión"; una visión que presenta la sociedad de consumo. Este trabajo recibió atención y elogios de la crítica en 1961, y en una galería comercial en Milán, su exposición se agotó 15 minutos antes de la apertura. Raysse luego viajó a los Estados Unidos a involucrarse en la escena del arte pop en la ciudad de Nueva York


.En octubre de 1960, Raysse, junto a Arman, Yves Klein, François Dufrêne, Raymond Hains, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé y el crítico de arte y filósofo Pierre Restany fundó el grupo Nuevos Realistas. Más tarde el grupo se unió a César, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle y Christo. Este grupo de artistas ha definido a sí mismos como teniendo en común una "nuevos enfoques en perspectiva de la realidad". Su trabajo fue un intento de volver a evaluar el concepto de arte y el artista en el contexto de una sociedad de consumo del siglo 20o reafirmando los ideales humanistas frente a la expansión industrial



Durante la década de 1960 Raysse comenzó a hacer composiciones más pictóricas, basadas en imágenes de la publicidad, así como en las bellas artes. También produjo pinturas en las que una rugosidad deliberada de ejecución se enfatiza por la superposición de una sola línea de neón. Raysse comenzó en este tiempo para crear sus propios prototipos como otra forma de seguir para elevar el mal gusto y la falsedad a la categoría de arte.


 Aunque tenía todas las cualidades para ser una estrella del arte y había conquistado el jugoso mercado de los EE UU, donde vivió en los años sesenta, el francés Martial Raysse (1936) llevó con amargura la derrota de los ideales de la revolución de mayo de 1968, cuyo inicial estallido de esperanza le hizo regresar a París. El fracaso del movimiento estudiantil le empujó a un "repliegue voluntario", se retiró al campo, rompió con el negocio y durante 30 años en los que vivió con una humildad lindante con la pobreza su rastro se desvaneció.



Fue un pionero en el uso del neón Aunque en 1960 se había adherido al movimiento del Nuevo Realismo, que predicaba la capacidad de ver el mundo como una imagen para trocerla en piezas, Raysse introdujo numerosas innovaciones antes que ningún otro artista, por ejemplo el uso del neón y las proyecciones de cine insertadas en los cuadros. En los años ochenta, tras la crisis existencial de 1968, cambió radicalmente su enfoque artístico y empezó a repensar la pintura y la escultura en profundidad.

19/5/2014

Diane Arbus

(Nueva York, 14 de marzo de 1923 -, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense.
“La fotografia es un secreto que habla de un secreto. Cuanto mas te dice, menos te enteras “ (Diane Arbus)

 La audacia de sus temas y el enfoque fotográfico fueron reconocidos como revolucionarios y sus fotografías captaron la atención de la crítica y del público de su época.


Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías:gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día)



 La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.


En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.

17/5/2014

Natasha Gray

Natasha Gray (ciudad de México, 1969) 



"Hacen estas olas enormes, negras, al atardecer, pero lo hacen para protegerse de los depredadores", dijo Gray sobre estas bandadas que se conocen como murmullos. "Es este concepto de la unión hace la fuerza que el ser humano no ha entendido. La vida es un esfuerzo de grupo, por eso las comunidades funcionan bien"."Lo que le pasa a alguien que parece además lejos tiene repercusiones en todos nosotros, todos estamos en el mismo planeta", expresó en una entrevista reciente con The Associated Press. "Tenemos las mismas necesidades y yo no creo en nada en este tema de 'tú eres diferente a mí porque eres de otro país o tú eres diferente a mí porque eres pobre, o eres rico'''.La muestra está integrada por tres móviles, el más grande de 1.307 pájaros y los otros con cerca de 300 cada uno. Los pájaros están hechos en tul negro con un balín cosido para darles peso; están pintados de negro para que la tela tenga una mayor rigidez y para protegerlos del polvo. Cuelgan suspendidos de hilos de nailon, lo que les da la apariencia de ser una de esas bandadas en pleno vuelo. En el móvil de mayor tamaño destaca un pequeño pájaro azul.

"Representa el hecho de que la colectividad está hecha de individuos. Me daba un poco de preocupación que interpretaran la idea que yo estaba tratando de transmitir como el hecho de que el individuo no es tan importante y se pierde o cede por la colectividad", explicó Gray. "La unión hace la fuerza no quiere decir que nos perdemos como individuos, la unión hace la fuerza porque somos individuos".La serie también incluye la caja de técnica mixta "Murmullo y mar", con un dibujo de una bandada realizado con alambre sobre una fotografía del mar.Gray estudio los movimientos de estos pájaros en videos y tomó fotos para conocer las múltiples posibilidades en cuanto a formas, "una cosa extraordinaria", dijo al tiempo que acotó que le gustaría seguir explorando este tema.

"Me parece que la naturaleza nos ofrece cosas muy mágicas, nos ofrece muchas respuestas", agregó.
A lo largo de su obra la artista se ha inspirado en el viento, las hojas y el desierto, y creó una serie de seis cuadros de alambre, uno de sus materiales favoritos, sobre hierbas medicinales de México.

2/5/2014

Carolee Schneemann



Carolee Schneemann (Fox ChasePensilvania12 de octubre de 1939) es una artista visual estadounidense, conocida por sus discursos sobre el cuerpo, la sexualidad y de género.
Schneemann se presentó cubierta con sólo una sábana y explicó al público que iba a leer un extracto de su libro Cézanne she was a great painter. Acto seguido, se despojó de la sábana y se pintó el contorno del cuerpo y del rostro con grandes trazos de barro. Se subió a una mesa larga y leyó el texto mientras posaba en una serie de poses típicas de modelos de dibujo al natural, sosteniendo el libro en una mano. Lo dejó caer y, lentamente, se extrajo un rollo de papel de la vagina y leyó las inscripciones que había escritas en él, extraídas de textos feministas que ella misma había redactado para una obra anterior. 
Pregunte a la DiosaActuación 1993-97.
La Vulva habla: "Si las tradiciones del patriarcado separaron lo femenino en la envilecida / glamour desinfectado / con sangre, madonna / puta ... cuerpo, fractura, como no podía Vulva entrar en el ámbito masculino, excepto como" castrado "o neutral ..." castrado "?
En esta actuación 1991, Schneemann personifica el reino vulvic en una exploración / examen de los tabúes culturales y las historias secretas de la vulva. Interacción directa de Vulva con el espectador crea un diálogo visual, verbal y experiencial con el público.
Schneemann, considerada como una de los pocas que crea constantemente un erotismo heterosexual verdaderamente basado en lo femenino, 
Ojo del cuerpo: 36 acciones transformadoras 1963
Pintura, pegamento, piel, plumas, serpientes de jardín, vidrio, plástico, con la instalación de estudio "Big Boards". Las fotografías del artista islandés Erró, en 35 mm de la película en blanco y negro.
Schneemann de "Acción para la cámara" en la que fusionó su propio cuerpo con el ambiente de su pintura / Construcciones ... "Yo quería que mi cuerpo real que se combina con el trabajo como un material integral - una dimensión adicional de la construcción .. . Me siento a la vez creador y de la imagen del cuerpo puede seguir siendo erótica, sexual, deseado, desear, pero es así votiva:.. marcada, escrito más de un texto de accidente cerebrovascular y el gesto descubierto por mi voluntad femenina creativa " - 

20/11/2013

Paco Cao

Paco Cao 1965 Asturias Descanso eterno y el Gabinete psico-lingüístico-retro-futurista, proyectos puestos en marcha en 2012 en el espacio neoyorquino (Art)Amalgamated, y en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto, Italia, ocupan su práctica actual. En el año 2011 su trabajo fue expuesto en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, como parte de la exposición Facets of Figuration, así como en la 8 Bienal Mercosul, Porto Alegre, Brasil.


Entre sus proyectos de larga duración destacan El veneno del baile (2009-En curso), una película de 71 munutos de duración realizada por encargo del CGAC (Santiago de Compostelea, España), que en la actualidad se expande en forma de una serie de instalaciones históricas; la saga de concursos de  parecido (2001-2004) organizada en colaboración con El Museo del Barrio (Nueva York, EE.UU.), el museo de El Prado (Madrid, España), el Museo de Arte de Nuoro (Cerdeña, Italia), y el Museo Jovellanos (Gijón, España); así como la aventura empresarial Rent-a-Body/Alquile un cuerpo (1993-1998) lanzada en colaboración con Creative Time Inc. (Nueva York, EE.UU.)





El punto de partida del proyecto Descanso eterno consiste en un juego de cartas para predecir el futuro diseñadas por el artista e inspiradas en la imagen de Michael Jackson, Amy Winehouse, Whitney Houston y Kurt Cobain. Haciendo uso de dicho juego de cartas, Paco Cao ofrece lecturas individualizadas de las mismas con el fin de clarificar asuntos fundamentales del usuario y predecir su futuro. Gracias a la fusión de los rasgos fisonómicos de los ídolos musicales mencionados y de obras de arte de maestros europeos de entre los siglos XV y XIX, el artista establece un vínculo entre pasado, presente y futuro. La estrecha relación entre arte, simbolismo y pensamiento mágico ha alimentado la energía creativa y espiritual de la humanidad durante siglos. El uso de dicha energía es la base fundamental de la metodología propia del proyecto Descanso eterno

9/10/2013

KOENRAAD DEDOBBELEER


Koenraad Dedobbeleer en el Centre d'art contemporain d'Ivry
Koenraad Dedobbeleer, dibujo preparatorio de pequeñas cajas por las vidas pasadas ", 2012. © Koenraad Dedobbeleer, cortesía de compensación, Nueva York.

Koenraad Dedobbeleer
La mano de obra de la certeza



"Esculturas disfuncionales" 
Las esculturas de la artista belga Koenraad Dedobbeleer (n. 1975) funcionan como simulacros de objetos funcionales de hoy en día. Debido a que se colocan en un contexto de la exposición y por lo tanto, liberados de su función útil, que existen como soportes ambiguas que se ponen a disposición para la interpretación. Cada pieza se presenta tanto como un objeto cotidiano, que pertenece a la esfera doméstica (una pieza de mobiliario, utensilios, herramientas), y un objeto estético, que corresponden a los criterios que rigen en el diseño y la escultura. Tablas o columnas están excesivamente agrandados, por ejemplo, o desmontados y reconstruidos de manera diferente.

Este es el caso de la asignatura de la materia (WS), una pieza que es algo entre una columna y una fuente, a la vez masivo y portátil, y doblemente paradójica, o Tradición nunca es Given, siempre construida, una reproducción monumental del tubular pies de taburetes imbuidos de gran banalidad, pintado en tonos rosa y blanco roto delicados, como tantos cambios irónicos que hacen las piezas oscilan entre el estado de los muebles ornamental y la de obras de arte. El calor de una estufa, la llama de un quemador de gas (Economía Política de la mercantiliza Signo, 2012), el agua de una fuente, un arbusto recortado en un topiary, estos sugieren una apropiación de la naturaleza a través del placer, mientras que los objetos manufacturados se rompen hasta ser convertido a un estado salvaje.


Con un gran amontonamiento de ironía, los objetos del artista parecen indecisos, que provocan múltiples asociaciones de ideas; Dedobbeleer crea "esculturas disfuncionales," Cascos establecido por nuestra percepción de que nos invitan a volver a evaluar nuestros propios criterios para la comprensión de las formas y sus orígenes culturales.







8/10/2013

Wojtek Ulrich



the dog( video)


.Wojtek Ulrich (Polonia, 1963) es egresado de la Academia de Artes de Wroclaw (Polonia), así como de la Academia de Artes de Düsseldorf (Alemania). Sus principales plataformas de producción son el video, la videoinstalación, la escultura y la intervención a sitio específico. Vive y trabaja en Nueva York.
MUESTRA        Ineluctable modalidad de lo visible
Pongo a su consideración el hecho de que cada exhibición es el resultado de un arreglo de objetos en un espacio designado para la presentación pública de arte. Este ordenamiento propone un sentido, no sólo indicando un recorrido, sobre todo estableciendo vínculos nominales entra las piezas reunidas con el único fin de alcanzar una coherencia entre las decisiones del artista, respecto de la producción de cada una de ellas, y el sesgo interpretativo al que está sujeto todo proceso curatorial.


Yo debo considerar que el trabajar en el terreno del arte contemporáneo no pospone enfrentarme a un conjunto de expectativas sobre lo que debería ser el arte, opuestas a lo que ya no se encuentra en su actualidad. La certeza de las ausencias y las posibilidades del hallazgo suceden pues en el terreno de la experiencia. Exigir de antemano garantías de satisfacción o complacencia es lo último que hará por usted ésta, la primera individual del artista Wojtek Ulrich (Polonia – EU) en México.
Por qué? Quizá se deba al uso de materiales reciclados e industriales para la intervención de espacios arquitectónicos originalmente consagrados a la devoción, vueltos ahora continentes de un conjunto de útiles (1) dispuestos a la secularización total. Pero esta operación de laicidad no actúa únicamente sobre presupuestos religiosos. La procedencia maquinal de las partes que conforman estos dispositivos está lejos de ser reverenciada. Incluso se ponen a prueba las elecciones estéticas que hacen otros artistas sobre el potencial de cambio que su práctica supone para nuestras sociedades en estado de crisis.
video-Instalacion

De manera consistente, Wojtek Ulrich se ha dedicado a subrayar las tensiones que acompañan todo proceso de representación en el arte. La simple elección de materiales o el lugar de su realización, y quienes contribuirán a su materialización, puede desatar profundos conflictos éticos, morales, de clase y políticos tanto para el artista como para el público receptor. Es decir, la condición pasiva de toda audiencia es en realidad una concesión, pues la percepción implica ya una participación que obliga a la toma de posición. Aprobar o desaprobar no son las metas, promover la discusión, la recepción crítica, es una posibilidad cada vez más disminuida en sociedades acostumbradas a lo espectacular, lo entretenido y seductor en el ámbito de lo visual.
Heidegger estaba consciente de cómo la entropía terminaba por transformar lo originario en derivado, lo útil en objeto, el decir en habladurías. La experiencia del arte ofrece una oportunidad para revertir la irreversible extinción de la posibilidad de lo útil en todo aquello que conforma nuestro mundo, es decir, mantener la opción para realizar el cambio.
Irving Domínguez, curador de la muestra


INSTALLATION.
Wood, dry fish, 5 video monitors video clip.

W: 51" H: 48" D: 128". years: 1997 - 1998