22 dic. 2013

Felicidades

         Felicidades a todos  nos re-encontramos en el 2014

20 nov. 2013

Paco Cao

Paco Cao 1965 Asturias Descanso eterno y el Gabinete psico-lingüístico-retro-futurista, proyectos puestos en marcha en 2012 en el espacio neoyorquino (Art)Amalgamated, y en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto, Italia, ocupan su práctica actual. En el año 2011 su trabajo fue expuesto en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, como parte de la exposición Facets of Figuration, así como en la 8 Bienal Mercosul, Porto Alegre, Brasil.


Entre sus proyectos de larga duración destacan El veneno del baile (2009-En curso), una película de 71 munutos de duración realizada por encargo del CGAC (Santiago de Compostelea, España), que en la actualidad se expande en forma de una serie de instalaciones históricas; la saga de concursos de  parecido (2001-2004) organizada en colaboración con El Museo del Barrio (Nueva York, EE.UU.), el museo de El Prado (Madrid, España), el Museo de Arte de Nuoro (Cerdeña, Italia), y el Museo Jovellanos (Gijón, España); así como la aventura empresarial Rent-a-Body/Alquile un cuerpo (1993-1998) lanzada en colaboración con Creative Time Inc. (Nueva York, EE.UU.)





El punto de partida del proyecto Descanso eterno consiste en un juego de cartas para predecir el futuro diseñadas por el artista e inspiradas en la imagen de Michael Jackson, Amy Winehouse, Whitney Houston y Kurt Cobain. Haciendo uso de dicho juego de cartas, Paco Cao ofrece lecturas individualizadas de las mismas con el fin de clarificar asuntos fundamentales del usuario y predecir su futuro. Gracias a la fusión de los rasgos fisonómicos de los ídolos musicales mencionados y de obras de arte de maestros europeos de entre los siglos XV y XIX, el artista establece un vínculo entre pasado, presente y futuro. La estrecha relación entre arte, simbolismo y pensamiento mágico ha alimentado la energía creativa y espiritual de la humanidad durante siglos. El uso de dicha energía es la base fundamental de la metodología propia del proyecto Descanso eterno

9 oct. 2013

KOENRAAD DEDOBBELEER


Koenraad Dedobbeleer en el Centre d'art contemporain d'Ivry
Koenraad Dedobbeleer, dibujo preparatorio de pequeñas cajas por las vidas pasadas ", 2012. © Koenraad Dedobbeleer, cortesía de compensación, Nueva York.

Koenraad Dedobbeleer
La mano de obra de la certeza



"Esculturas disfuncionales" 
Las esculturas de la artista belga Koenraad Dedobbeleer (n. 1975) funcionan como simulacros de objetos funcionales de hoy en día. Debido a que se colocan en un contexto de la exposición y por lo tanto, liberados de su función útil, que existen como soportes ambiguas que se ponen a disposición para la interpretación. Cada pieza se presenta tanto como un objeto cotidiano, que pertenece a la esfera doméstica (una pieza de mobiliario, utensilios, herramientas), y un objeto estético, que corresponden a los criterios que rigen en el diseño y la escultura. Tablas o columnas están excesivamente agrandados, por ejemplo, o desmontados y reconstruidos de manera diferente.

Este es el caso de la asignatura de la materia (WS), una pieza que es algo entre una columna y una fuente, a la vez masivo y portátil, y doblemente paradójica, o Tradición nunca es Given, siempre construida, una reproducción monumental del tubular pies de taburetes imbuidos de gran banalidad, pintado en tonos rosa y blanco roto delicados, como tantos cambios irónicos que hacen las piezas oscilan entre el estado de los muebles ornamental y la de obras de arte. El calor de una estufa, la llama de un quemador de gas (Economía Política de la mercantiliza Signo, 2012), el agua de una fuente, un arbusto recortado en un topiary, estos sugieren una apropiación de la naturaleza a través del placer, mientras que los objetos manufacturados se rompen hasta ser convertido a un estado salvaje.


Con un gran amontonamiento de ironía, los objetos del artista parecen indecisos, que provocan múltiples asociaciones de ideas; Dedobbeleer crea "esculturas disfuncionales," Cascos establecido por nuestra percepción de que nos invitan a volver a evaluar nuestros propios criterios para la comprensión de las formas y sus orígenes culturales.







8 oct. 2013

Wojtek Ulrich



the dog( video)


.Wojtek Ulrich (Polonia, 1963) es egresado de la Academia de Artes de Wroclaw (Polonia), así como de la Academia de Artes de Düsseldorf (Alemania). Sus principales plataformas de producción son el video, la videoinstalación, la escultura y la intervención a sitio específico. Vive y trabaja en Nueva York.
MUESTRA        Ineluctable modalidad de lo visible
Pongo a su consideración el hecho de que cada exhibición es el resultado de un arreglo de objetos en un espacio designado para la presentación pública de arte. Este ordenamiento propone un sentido, no sólo indicando un recorrido, sobre todo estableciendo vínculos nominales entra las piezas reunidas con el único fin de alcanzar una coherencia entre las decisiones del artista, respecto de la producción de cada una de ellas, y el sesgo interpretativo al que está sujeto todo proceso curatorial.


Yo debo considerar que el trabajar en el terreno del arte contemporáneo no pospone enfrentarme a un conjunto de expectativas sobre lo que debería ser el arte, opuestas a lo que ya no se encuentra en su actualidad. La certeza de las ausencias y las posibilidades del hallazgo suceden pues en el terreno de la experiencia. Exigir de antemano garantías de satisfacción o complacencia es lo último que hará por usted ésta, la primera individual del artista Wojtek Ulrich (Polonia – EU) en México.
Por qué? Quizá se deba al uso de materiales reciclados e industriales para la intervención de espacios arquitectónicos originalmente consagrados a la devoción, vueltos ahora continentes de un conjunto de útiles (1) dispuestos a la secularización total. Pero esta operación de laicidad no actúa únicamente sobre presupuestos religiosos. La procedencia maquinal de las partes que conforman estos dispositivos está lejos de ser reverenciada. Incluso se ponen a prueba las elecciones estéticas que hacen otros artistas sobre el potencial de cambio que su práctica supone para nuestras sociedades en estado de crisis.
video-Instalacion

De manera consistente, Wojtek Ulrich se ha dedicado a subrayar las tensiones que acompañan todo proceso de representación en el arte. La simple elección de materiales o el lugar de su realización, y quienes contribuirán a su materialización, puede desatar profundos conflictos éticos, morales, de clase y políticos tanto para el artista como para el público receptor. Es decir, la condición pasiva de toda audiencia es en realidad una concesión, pues la percepción implica ya una participación que obliga a la toma de posición. Aprobar o desaprobar no son las metas, promover la discusión, la recepción crítica, es una posibilidad cada vez más disminuida en sociedades acostumbradas a lo espectacular, lo entretenido y seductor en el ámbito de lo visual.
Heidegger estaba consciente de cómo la entropía terminaba por transformar lo originario en derivado, lo útil en objeto, el decir en habladurías. La experiencia del arte ofrece una oportunidad para revertir la irreversible extinción de la posibilidad de lo útil en todo aquello que conforma nuestro mundo, es decir, mantener la opción para realizar el cambio.
Irving Domínguez, curador de la muestra


INSTALLATION.
Wood, dry fish, 5 video monitors video clip.

W: 51" H: 48" D: 128". years: 1997 - 1998

6 oct. 2013

Manuel Vilariño

Fotógrafo y poeta, Manuel Vilariño (La Coruña, 1952) - Para mí el paisaje es interrogación, es el preguntarse sobre la desaparición. Pero también tiene que ver con la escucha, con esa sensación de cuando te acercas a montañas y océanos y sabes que llegas a lo desconocido y a lo salvaje, de acercarse a lugares intactos aunque no lo sean. Fotografío esos paisajes que no son de ningún lugar, paisaje aurorales, con niebla, que pueden ser de Islandia o puede ser una laguna al lado de mi casa, que no distinguen entre sí. Me interesa como experiencia de lugar de escucha o de silencio y siempre observado con los ojos del animal. Como decía Rilke: "con todos los ojos del animal en lo abierto", así pretendo ver yo el paisaje. No como algo exótico, sin retorica ni grandilocuencia, pretendo verlo de frente. Con sosiego, con eso que María Zambrano llama "la luz del despertar", cuando aun no cantan los pájaros, como acto primero virginal. 

Entrevista Manuel Vilariño. Mar de Afuera. Fotografía

2 set. 2013

Iori Tomita


Shinsekai [Toumei Hyouhon]Nacido en 1983

Especímenes transparentes? están muy lejos de lo que se puede imaginar de la palabra "ejemplares". A pesar de ser organismos, aparecen como si estuvieran muy bien esculpidos a partir de minerales.

Originalmente, el método de toma de muestras transparentes? enzimáticamente girando transparente la proteína, el teñido del magenta huesos y teñido de azul los cartílagos? se creó con fines científicos para estudiar el sistema esquelético. Dando un paso más para perfeccionar la forma y la coloración de las muestras requiere tiempo y experiencia.

Creo especímenes transparentes como piezas de trabajo que ayudan a las personas se sienten más cerca de las maravillas de la vida.

La gente puede ver mis muestras como material académico, una obra de arte, o incluso una entrada a la filosofía. No hay ninguna limitación a la forma de interpretar su significado.
Espero que usted encuentre mi trabajo como un "lente" para proyectar una nueva imagen, un nuevo mundo que nunca has visto antes.


Por favor, disfrutar del hermoso y maravilloso mundo de los "nuevos ejemplares transparentes Mundo."


19 ago. 2013

Oleg Frolov




Pintor abstracto ruso Oleg Frolov ve su trabajo como una interpretación visual de la respuesta del alma a la realidad que lo rodea.



Trato de poner todo el espectro de los sentimientos y emociones en mi arte. Veo ilimitadas posibilidades únicas y de mostrar la realidad existente y la creación de nuevas realidades. Ampliación de horizontes visuales y emocionales de la percepción.
Búsqueda y creación de imágenes que hacen que la participación y la tibia sentimientos. Se trata de una improvisación de los pensamientos, sentimientos, definido o indefinido acciones durante el proceso de creación. Cada uno presenta una forma específica en un tiempo determinado.
Frolov estudió arte y pintura en la Escuela de Arte Dramático de Kazan, y recibió formación práctica en varios talleres y estudios de los artistas. En 1981, Frolov estudios en Pintura y Dibujo en el Instituto de las Artes Repin de San Petersburgo.


Frolov ha servido en la facultad en la Academia Estatal de Kazán de Arquitectura y Construcción y Serov en la Escuela de las Artes en San Petersburgo. Además, diseñó y ejecutó los decorados de las óperas "La Reina de Espadas" y "La novia del zar", realizado en la Academia de Kazan Estados Teatro de Opera y Ballet.



1 jul. 2013

Yayoi Kusama



La obra de la japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) se desenvuelve en el contexto artístico internacionalizado que comienza a finales de los 50 y es origen de la actual globalización. Sus casi seis décadas de trayectoria, iniciada en exposiciones individuales con tan solo 23 años en Japón, le llevan a cruzar las fronteras nacionales hasta Nueva York en 1958, ciudad ya reconocida como epicentro artístico mundial.

La rápida relevancia que desarrolló en este contexto durante los sesenta es claro reflejo de que su obra carece de las referencias más habituales, situándose en un territorio cuya excepcionalidad es única. A este momento pertenecen sus trabajos más reconocibles, las denominadas Accumulation sculptures [Esculturas de acumulación], en las que la pintura deja de ser un objeto para encontrarse con los dominios de la escultura , abundando en apéndices fálicos, y las Infinity nets [Redes de infinito], amplias extensiones de puntos aún dependientes de la monocromía blanca. Si por lo general estas obras se han convertido en una de las representaciones más habituales de un arte pop y feminista, también hay que tener en cuenta que avanzan formas vinculadas con la excentricidad minimalista de artistas como Lynda Benglis o Eva Hesse. El hecho de que al mismo tiempo atrajera la atención de Donald Judd y expusiera con Yves Klein es clara indicación de que su obra escapa a los marcos de interpretación asumidos. La amplitud de sus intereses le permitió vincularse con los movimientos contraculturales del momento, especialmente con el hippie, lo que se refleja en sus obras audiovisuales menos conocidas, como Self-Obliteration (1968), en las que la pintura se transforma en elemento que empapa el espacio para estallar en verdaderas celebraciones del cuerpo y de la libertad sexual.
Al volver a Japón en 1973 Kusama encarna el trauma del sujeto globalizado, cuya pérdida de raíces le conduce a episódicas crisis psiquiátricas. A este proceso le acompaña una vuelta a la pintura y a otro tipo de medios privados, como la escritura de su novela Manhattan Suicide Addict (1978), en contraste con la dimensión pública de sus happenings neoyorquinos. Ya en los ochenta y noventa retoma la producción pictórica y escultórica en diálogo con la retícula moderna para convertirla en un motivo orgánico, aludiendo así a las acumulaciones de apéndices previas.

En la actualidad, Yayoi Kusama continúa trabajando en su estudio de Tokio. Más allá de la concentración en el aspecto patológico y terapéutico del arte, esta exposición pretende reflejar la profundidad de su trayectoria así como su contemporaneidad, mostrando también recientes instalaciones, como I´m Here, but Nothing (2000), y otras concebidas para la ocasión, comoInfinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life (2011).
Ahora la podemos ver en Buenos Aires del 28 de junio al 23 de setiembre 2013  

20 jun. 2013

Maria Lassnig

“Du oder ich” (Tú o yo)
Maria Lassnig  (Austria, 1919) es unapintora austríaca de 92 años y aún en activo, de estilo expresionista. Inspirada por el surealismo, la pintura de acción y el arte expresionista abstracto, Lassnig trabaja y vive en Viena.
Vivió en Paris de 1950 a 1960 y allí conoció el estilo que luego marcaría su obra. Al volver a Viena, en 1980, se convirtió en la primera mujer profesora de arte en un país de habla alemana, entrando a trabajar en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. También fue la primera mujer artista en ganar el Gran Premio de Austria del Estado en 1988, y fue galardonada con la Cruz Austríaca del Honor, la Ciencia y el Arte en 2005. Ha llevado su arte revolucionario y feminista hasta museos como el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, exponiendo en 2007, y ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales a nivel internacional, entre ellas el Museo de Arte Moderno, la Fundación Ludwig de Viena, el Centro Georges Pompidou de París, el Mueso Stedelijk de Amsterdam y un largo etcétera.





Lassnig autodefine su técnica cómo “la consciencia del cuerpo”, una exploración del cuerpo que se basa en transformar y deformar las siluetas de éste. Sus pinturas suelen ser imágenes de cuerpos humanos o de escenas de la vida cotidiana alteradas, distorsionadas. Es una mujer pionera, vanguardista, con un punto de vista feminista, de pinturas impactantes e introspectivas, de formas atrevidas y colores fuertes
bienal Venecia2013 

Dormir con un tigre



Los retratos y las abstracciones semi-figurativas de Lassnig rechazan las tendencias estáticas del retrato tradicional. Sus cuadros son grotescos y violentos. Porque, la verdad, no sé como definir sino, por ejemplo, el autorretrato en el que ella, con 90 años, desnuda, con las piernas abiertas, apunta al espectador con una pistola y con otra a su cabeza.(informacion de viena yyo wordpress)