27 jun. 2012

Christian Vinck




La pintura de Christian Vinck (Maracaibo, 1978)" supone la revelación de una voluntad expresiva en torno a pequeñas cosas.Dicho de esta manera, parecería que Vinck asume su oficio como un ejercicio por contar lineal y progresivamente historias menudas. Nada mas ajeno a este trabajo intenso y voluntarioso, que no se surge ni de una culta estrategia intelectual en torno a la actividad pictórica ni de su capacidad de representación, sino que la aborda como un gesto desbocado y frenético, que recoge la potencia fabuladora y quimérica que el artista le concede al dialógico mundo de sus objetos. 




 














Vinck los describe verbalmente como si contara pequeños cuentos, breves y dislocados, como sentencias dictadas desde el absurdo o la ensoñación. Sus pinturas se alzan (en su dimensión fragmentaria, instalativa y sincrónica) como "frases" visuales. De este modo, la reunión de sus pinturas, o al menos el diálogo que nosotros podemos establecer a partir de un conjunto de ellas, nos comprometen a completar nuestra particular historia, en el territorio libertario y atemporal de la imaginación, situándonos en el mismo espacio frenético e ingenioso de donde surgen estas dulces pero agudas imágenes poéticas.


En el horizonte artístico venezolano de nuestros días, la obra de Christian Vinck apuntala una refrescante y novedosa reformulación de la pintura y a su vez recupera desde la intensidad y la sencillez, la naturalidad de la imaginación y la fantasía: lógico origen y postrer destino de la creación artística".(Carlos Palacios)
Recientemente seleccionado para participar en la próxima edición de la Bienal de Sao Paulo,

25 jun. 2012

Daniel Steegmann

Daniel Steegmann Mangrané Barcelona, 1977. Vive y trabaja en Rio de Janeiro.



 

Las cuestiones planteadas en el trabajo de Daniel Steegmann son cuanto menos tan variadas como los medios y técnicas que emplea.
Así, problemáticas relativas a la percepción, la realidad, la representación o a la elaboración de la imagen y la identidad son abordadas recurrentemente a través de una obra cuyas imágenes remiten directamente a la historia de la modernidad, la cultura popular, el diseño, la botánica o la biología para acabar construyendo un discurso de marcado carácter lúdico-político.




Sus obras se desarrollan como fenómenos y procesos inéditos puestos en marcha con el propósito de establecer un marco simbólico-representacional que sea útil para pensar un mundo mejor. DS reevoca nuestro saber en la tradición moderna, estructuralista y postestructuralista para reintroducirnos en la aventura del pensamiento utopista. De hecho DS considera que el arte no ha dejado de ser un modelo para una sociedad mejor.
Cada uno de sus trabajos desencadena un proceso de traslocación, de vueltas circulares y saltos bruscos en el espacio y el sentido, en el que nuestra percepción del significado y la forma de las cosas es cuestionada constantemente:
Realiza pequeñas acuarelas de enorme carga íntima, guirnaldas de hojitas secas a modo de conductores entre piezas, fotografías con espejos y filtros de resultados alucinógenos, proyecciones de diapositivas de lugares en mutación atrapados en el bucle del carrusel del proyector, dibujos de tramas como las usadas en los gráficos espacio-tiempo deformadas como si fueran elásticas, o pequeñas cabañas de filtro fotográfico que ponen en cuestión la fragilidad de nuestras percepciones y, a través de asociaciones sencillas (como el filtro naranja y el zumo de naranjas), nos obligan a replantearnos los modos en que construimos el sentido.
























MUSAC El proyecto de Daniel Steegamn es una película de 16 mm con color y sonido filmada en la selva tropical de la costa de Brasil. Siguiendo estrategias propias del cine estructural, 16 mm juega con el metraje del rollo utilizado en una filmación como base constituyente de su forma y contenido. Una película de 16 mm standard tiene una duración aproximada de 5´33´´, lo que corresponde con 18,3 cm de película por segundo. Partiendo de esta relación entre tiempo y distancia, el artista diseñó un carro de travelling especial que permitiera a la cámara avanzar a lo largo de un cable de acero como rail de travelling.

Lo especial de esta transformación es que un único motor hace avanzar a la misma velocidad la película en el tambor y la cámara a lo largo del cable. El resultado será un plano fijo, un travelling único y de velocidad constante atravesando la selva durante la duración del rollo del filme. Un ejercicio de penetración lleno de connotaciones psicológicas. Como si de una mirada táctil se tratase, el trabajo es una idea y al mismo tiempo el encuentro físico del cuerpo con la selva: el paso de idea al hecho. Un estudio sobre el movimiento, la profundidad y sobre el tiempo.
Daniel Steegmann ( estara Bienal San Pablo 2012)

24 jun. 2012

Philippe Bordas



Philippe Bordas Nacido en 1961, vive y trabaja en París.
Residente en la Villa Médicis en 1996, director de la película seleccionada Grand Battle en el festival de Venecia en 1996, Philippe Bordas ha expuesto sus imágenes en el mundo.
Su trabajo fotográfico se unió a su obra literaria, que comenzó en 2008 con la publicación de los locos aclamados. La invención de la escritura es una narración de un mismo linaje. Después de haber presentado la aristocracia francesa popular en los locos, Philippe Bordas ofrece, con la invención de la escritura, el retrato de la aristocracia popular en África.


 




 Philippe Bordas con nosotros en el corazón del Valle de Mathare, el barrio marginal más grande de África. Nos sumerge en una escuela dominical convertido en un gimnasio de boxeo por un misionero danés. Este padre blanco preferido que son delincuentes de poca monta sala de entrenamiento con la esperanza de convertirse en campeones de boxeo, en lugar de salir a la calle para meterse en travesuras.










Veinticinco años Philippe Bordas descubrió África y es un apasionado de estos lugares que están lejos de los estereotipos de los espacios abiertos, la vida silvestre y la sabana. Él revela la oscura atmósfera del gimnasio o no hay suficiente aire para todo el mundo respira. Uno se siente el calor de la habitación, imaginar el olor del sudor y la envidia de los boxeadores a ir tan lejos como sea posible para seguir el camino de Muhammad Ali, el primer campeón de boxeo mundial, en la tierra sagrada de África . La Casa Europea de la Fotografía en el hermoso escenario que sucedió en la toma de una habitación completamente oscura. La única luz proviene de los focos que iluminan las imágenes. En la sala abovedada de este medio privado, el ex [1] en el fondo, el aliento de la formación de los hombres, los golpes de guantes de cuero, la fricción de los zapatos en el suelo. Una serie de blanco y negro, nos transporta a otro mundo con los hombres que esperan a cambio una condición de la fuerza de sus puños.


 Philippe Bordas creció en Sarcelles, en 1986 compró una Leica y decide comenzar de nuevo. Así que a los 25 años se exilió en África y hace contacto con los boxeadores de Mathare Valley. De vuelta a Francia en 1988, se convirtió en un periodista y retratista de revistas. También es conocido por ser el fotógrafo oficial de la cantante MC Solar y director de su video "Fashion Victims". Se ejecuta en paralelo un trabajo en profundidad sobre África. Se publicará en breve un libro sobre los antiguos cazadores de Malí y otro libro sobre el pintor enciclopedista de Costa de Marfil Brulé Bouabré


En 1996, Philippe Bordas ha hecho una película en color, mientras residía en la Villa Medici Se trata de un documental sobre el luchador Moustapha Gueye. Se llama "Grand Battle" y fue seleccionado en el momento en el Festival de Venise


 


"Sus imágenes están al frente y ultraviolentes porque" en los gimnasios, no se puede ver nada, demasiado calor, demasiada niebla, nos enfrentamos a la oscuridad. "dice Philipe Bordas

Su libro: África Bare Knuckle, Seuil, 2004, 352 p, 300 fotografías.

 (traductor google)

21 jun. 2012

Nino Cais

  Nino Cais São Paulo - Brasil 1969


Sem título - 24 x 33 cm - 2008

Aparador - 50 x 70 cm - 2006
fotografia

Sem título - 60 x 90 cm - 2007
fotografia










Estará  en la   30 Bienal San Pablo colocando e recolocando  objetos del cotidiano en movimentos constastes.

18 jun. 2012

Simeón Saiz Ruiz

Simeón Saiz Ruiz nació en Cuenca 1956 trabaja con materiales ya dados, disponibles para todos, en nuestro ámbito cultural. Las imágenes y situaciones, incluso sus descripciones en forma de título de sucesos o de crónica, se toman de la prensa y la televisión. Pero para situarlas en otro contexto, el del arte, a través de una minuciosa labor de transposición, en el que las rayas y el parpadeo electrónicos de la imagen se fijan pictóricamente en la serie de cuadrículas que forma la superficie del cuadro.

Simeón Saiz Ruiz: Masacre en Racak. 2002
 Para precisar aún más "el punto de vista" del espectador, Simeón Saiz deforma en menor o en mayor medida la imagen, produciendo distintos grados de anamorfosis, de ruptura de la perspectiva frontal.La imagen alcanza así, ya en su estructura y cualidades formales, un giro aún más intenso que permite percibir, y no sólo por la temática abordada, la terrible violencia inscrita en el universo actual de la representación. En esa gran pantalla de la sociedad del espectáculo, que despoja nuestra condición humana del latido de la vida, convirtiéndola en sombra hueca, en puro vacío 

“Matanza de civiles en Sarajevo por proyectiles caídos junto al mercado principal el lunes 28 de agosto de 1995. Víctima en la barandilla (A partir de imagen aparecida en Tve-1)”, 1998
En su trayectoria artística, Simeón Saiz ha ido profundizando desde sus primeras propuestas, situadas en el terreno del minimalismo y los campos de color, en la dualidad de la representación. En el hecho de que toda imagen permite ver y oculta cosas y situaciones distintas de manera simultánea. Algo más explícito después, cuando la imagen inscrita, asociada con el trazo inmediato y los graffiti urbanos de los ochenta, se abre paso en los densos entramados o en los vivos planos de color de los cuadros. La serie de pinturas, fotografías, objetos, esculturas y vídeos Masculino/Femenino (1989-1990) plantea esas cuestiones, por medio de una indagación sobre las imágenes recibidas, formadas culturalmente, de los papeles sexuales.Pero el acento en la dualidad de la imagen se hace aún más intenso en la serie Fetiches, iniciada en 1993 y que Simeón Saiz considera todavía abierta, en la que un denso entramado superficial de líneas y trazos, que cubre enteramente la superficie del cuadro, deja ver en su fondo el trazado en sombra de una imagen, habitualmente pornográfica.imeón Saiz ha alcanzado un registro verdaderamente brillante de la intersección plástica entre fotografía y pintura. Según él mismo observa, la fascinación que despierta la fotografía va ligada a que se piensa en ella como en un documento. Pero eso es falso, porque la fotografía por sí misma no es nunca un documento: "Hay que poner un texto, una retórica, para que valga como tal", concluye. A diferencia de la fotografía la pintura no fija el instante, sino que lo condensa, y ese mecanismo de condensación es el que él utiliza en la serie.
“Víctimas de bombardeos serbios a zona croata por encima de las posiciones bosnias en Mostar (A partir de imagen aparecida en Tve-1)”, 1996

 En último término, como sucede siempre en el arte de auténtico aliento, la búsqueda formal y el compromiso moral convergen. Simeón Saiz afirma que una parte considerable del arte de hoy es espectáculo, pero que esa parte no le interesa. El demanda en el arte una "actitud ética". Ya que, de manera muy diferente al periodismo, que lo hace de forma más inmediata, el arte genera ideas, crea opinión. Y en ese sentido, obviamente ya sin las pretensiones globales y de ruptura de las viejas vanguardias clásicas, para este artista que traspone la indistinción de la crónica a la singularidad de la imagen plástica, "el arte cambia la vida".

13 jun. 2012

Ali Banisadr

 Ali Banisadr nacido en Teherán en 1976, se  trasladó a los EE.UU. cuando tenía 12 años de edad. Cursó estudios de psicología estuvo involucrado con el arte de Graffiti mientras vivía en San Francisco.

imagen en miniatura

No han aterrizado en la Tierra Sin embargo, (Detalle)

2012, Óleo sobre lienzo, 82x120 cm

En sus obras se opone el carácter explícito, la profundidad de sus colores y superficies aparentemente abstracta.

Está en el Aire

2012, Óleo sobre lienzo, 82x120 cm


El artista juega con la imaginación del espectador, el los que el espacio, el tiempo, el lugar, la acción de los colores y el movimiento del contenido dentro de las obras incitan a un diálogo entre la memoria y la emoción, por ello en  sus creaciones tiende a crear una experiencia universal.Estas pinturas son una reminiscencia de los primeros tiempos del Picasso cubista, que estuvo marcada por las obras de análisis, que deconstruyen la percepción del mundo y los objetos

11 jun. 2012

David Hockney

David Hockney (1937), pintor británico, dibujante, grabador, fotógrafo, diseñador, y el artista británico más conocido de su generación


Ha sido a menudo considerado como un playboy del mundo del arte. Ha tenido relaciones lascivas, y se ha quedado en los círculos artísticos extraños y locos. Sin embargo, él siempre ha mantenido un sentido de estabilidad en su vida a través de su constante e incansable en su trabajo. Hockney es un artista que siempre ha gozado de éxito y alabanza, enfrentando poca o ninguna dificultad en su carrera. Lo que es interesante acerca de su vida no son los problemas que ha encontrado, pero los pasos que ha tomado para evitar mucho sufrimiento humano y malestar general.


 El artista britanico ademas de  servirse del programa de edicion de diseño y dibujo, emplea una tableta  electronica conectada  a su ordenador que  visualiza en una gran pantalla.
Las obras de David Hokcney más recientes suelen ser composiciones formadas por lienzos de pequeñas dimensiones, que unidos forman un conjunto impresionante. Su obra más grande ha sido la titulada Bigger Trees Near Warter, que mide 4,5m de alto x 12m de largo y está compuesta por 50 lienzos, que unidos, representan la zona de Warter – Yorkshire, donde Hockney nació.Desde el 15 de mayo al 30 septiembre 2012, su exposición “Una visión más amplia” se puede visitar en el Museo Guggenheim de Bilbao. En esta exposición que incluye más de 150 obras está dedicada a los paisajes incluye óleos, acuarelas y sus nuevas creaciones: unos 50 dibujos hechos con un iPad, instrumento que le ha cautivado desde su lanzamiento, e impresos en papel para la exposición.

9 jun. 2012

Patrick Jolley

Artista irlandés Patrick (o Paddy) Jolley abarca la fotografía, el video de instalación y el cine. Sus puntos de partida se encuentran en esos momentos donde el tiempo parece moverse anormal o antinatural se convierte en una atmósfera densa o fina. Estas impresiones de ansiedad entonces se entrelazan con una serie de imágenes de resonancia metafórica densa, símbolos con muchas capas de la asociación que pueden aparecer profundamente significativo o vacío de significado igual. El tono es oscuro y huele con la melancolía, pero conserva la posibilidad de la comedia absurda o slapstick.

Sonidos de tráfico lento en una calle lluviosa. Un hombre en un traje barato se encuentra en la cama en un apartamento tranquilo. Las serpientes se entrelazan él, arrastrándose lentamente dentro y fuera de su ropa.

 2011 Patrick Jolley cuenta una historia de auto-hilado de lo que puede haber ocurrido durante seis semanas perdidos en la vida del poeta Antonin Artaud frances, que en 1937 llegó a Irlanda que afirma tener en su poder el Estado Mayor de San Patrick, que deseaba regresar a su lugar correcto. El tiempo perdido y su posible secuencia de eventos, que terminó después de la detención de Artaud, se reconstruyen a partir de pruebas escasas y por escrito de Artaud en el período. Jolley relata su visión de agarre en las imágenes granuladas en blanco y negro Super8 y 16mm, sumergirse en el surrealismo, en una jornada densa e inolvidable de duras escritos poéticos y sorprendentes asociaciones visuales. Un libro como el título-escrito en colaboración con dos co-autores ha sido publicado. Jolley obras en solitario y los grupos se han mostrado en los principales festivales y exposiciones en todo el mundo desde Helsinki a San Pablo, además, un número de museos internacionales tienen sus obras en sus colecciones, entre ellos el Museo de Arte Moderno de Nueva York.(traductor Google)

PATRICK JOLLEY - SOG from bobby good on Vimeo.

6 jun. 2012

Mark Morrisroe

Mark Morrisroe (Malden, Massachusetts, 10 de enero de 1959 - Jersey City, Nueva Jersey, 24 de julio de 1989) fue un artista estadounidense, conocido por sus performances y por su trabajo como fotógrafo. Contribuyó al desarrollo de la cultura punk en Boston en la década de 1970 y a la gran eclosión mundial del punk en Nueva York a mediados de los años 1980. En el momento de su muerte, la producción artística de Morrisroe rondaba las 2000 obras.Como fotógrafo, pertenece a la llamada Escuela de Boston. Su obra se caracteriza por el experimentalismo y por su naturalidad a la hora de abordar asuntos tales como la vida marginal, la homosexualidad, la prostitución masculina o la enfermedad.


Morrisroe nos enfrenta con imágenes impetuosas que coleccionó de amigos, amantes, escenas cotidianas y se dejó abrazar por la incansable ciudad de New York.
Con una infancia perturbadora, pues su madre era drogadicta desde antes de su nacimiento, y sólo dos años después de salirse de casa a los quince años le dispararon en la espalda, hechos que en definitiva cambiaron su perspectiva.


Un gran artista de Boston que se dedicó a capturar imágenes una y otra vez, acumulando una serie preciosa y conmovedora. El trabajo de Morrisroe es sin duda portador de un sentido y perspectiva inauditos, ya que las diversas áreas en las que experimento durante su vida fotográfica dejan huella de ello, la necesidad que sentía por explorarse a sí mismo de una maneraque pudiese exteriorizar su abatimiento y enajenarlo un poco de sí, hacerle frente a la enfermedad VIH que consumía su cuerpo, jugando con este mismo.Capturar su propia vida desde un ángulo artístico le llevó a explorar y explorarse a él mismo dentro de la fotografía experimentando con diversas técnicas como placas de rayos X de su propio cuerpo demacrado, el uso de un cuarto oscuro y paginas de revistas porno con las que nos acerca a su vida de una manera tan cercana y muy emotiva.