29 may. 2010

Há sempre um copo de mar,para un homen navegar



(Hay siempre un vaso de mar
para un hombre navegar)
29ª Bienal de San Pablo, 2010
25 de septiembre -
12 de diciembre 2010
La 29ª Bienal de San Pablo se lleva a cabo bajo la dirección curatorial de Moacir dos Anjos y Agnaldo Farias junto a un equipo de curadores de diferentes orígenes: Fernando Alvim, Rina Carvajal, Yuko Hasegawa, Sarat Maharaj, Chus Martínez
El título "Hay siempre un vaso de mar para un hombre navegar" está inspirado en un verso del poeta Jorge de Lima (1895 - 1953) de su obra Invenção de Orfeu (1952).
El concepto de la Bienal de San Pablo de este año está basado en la noción de que es imposible separar el arte de la política. El arte, a través de sus propios medios, es "capaz de bloquear las coordenadas sensoriales a través de las que entendemos y habitamos el mundo, introduciendo temas y respuestas que no cabían previamente, modificando y ampliándolo."
En este sentido el título "Hay siempre un vaso de mar para un hombre navegar" permite visualizar las intenciones de los curadores, reafirmando la dimensión utópica del arte. Según ellos: "Es en el 'vaso de agua' – o en este casi infinito en el que los artistas insisten en producir sus obras – donde de hecho surge la fuerza para seguir, pese a todo." Y, como sigue diciendo el autor del poema Jorge de Lima, se halla "la fuerza de seguir navegando incluso sin barcos / incluso sin olas ni arena."
Dos Anjos y Farias ven el arte como un área de conocimiento, que nos puede enseñar algo del mundo, de lo que no se puede hablar de otra manera y cambiando la forma en la que lo vemos. Son conscientes de que la temática Arte y Política no es una novedad, ni siquiera en el Brasil.
Pero, como destacan, su interés particular reside en recuperar el aspecto de la experimentación como factor político. Y, además de proposiciones activistas y conceptuales, habrá obras con manifiesta tangibilidad y materialidad poética. Confiesan en este sentido que siempre tienden a insertar algún tipo de referencia literaria. El sector artístico ha desarrollado un lenguaje propio, que resulta hermético al que no pertenece a este grupo. Además, muchos de los conceptos son frecuentemente utilizados en forma mecánica. "Creemos que la palabra poética es una llave importante para la percepción."

La exposición desplegará en áreas curatoriales integradas seis núcleos temáticos relacionados con el pensamiento político y la acción artística. Cada uno de ellos ordenará agrupamientos conceptuales en el espacio, ambientados por un proyecto artístico desarrollado para la interacción con el público a través de un programa de eventos correlacionados. Estos proyectos pueden ocupar un área máxima de 120 m2 y son denominados terreiros. En Brasil, se llama terreiros a espacios como plazas, terrazas, templos y patios, áreas al aire libre o cerradas, en las que la gente se reúne a bailar, pelear, jugar y hacer música, llorar, hablar o ejecutar los rituales de la religiosidad híbrida del país.

Además de servir como lugares de descanso y reflexión antes de continuar por la exposición de la Bienal, serán utilizados para variadas actividades, como charlas, proyecciones de cine y video, performances y conferencias.

Las discusiones que guían y por lo tanto denominan el marco conceptual de cada uno de estos terreiros, son:

- La piel de lo invisible
- Dicho, no dicho, interdicto
- Soy la calle
- Memoria y olvido
- Lejos..., justo aquí
- El otro, el mismo
Bienial ampliada
El proyecto curatorial no se agota en la presentación articulada de un grupo de obras de arte, si bien esto es claramente su centro e intención. La 29a Bienal de San Pablo ya ha comenzado a extenderse en diversas áreas, a través de un programa educacional, actividades discursivas, residencias artísticas y su sitio web, proponiendo un proyecto multifacético en el que el arte es un medio para conocer y cambiar el mundo de manera única.

(universes-in-universe)

Philagrafika 2010



El festival Philagrafika 2010 es el resultado de más de cinco años de planificación por un grupo comprometido que se han movilizado por toda la comunidad en torno a un interés común, visitando estudios, imprentas, bienales y otros eventos de arte en busca de artistas que incluyen.

19 may. 2010

Primer Proforma 2010




Los artistas han realizado una cuarentena con 15 voluntarios para crear tres muestras

Los tres artistas vascos , Sergio Prego, John Mikel Euba y Txomin Badiola han permanecido «encerrados» en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) para el desarrollo de «Primer Pro-forma 2010», que se expone desde el sabado pasado hasta el 6 de junio, en el que los artistas han trabajado para la consecución de un taller con treinta ejercicios para convertir al espacio expositivo en un escenario en constante evolución en el que no se diferenciaban los remanentes artísticos de los desechables. En un proyecto, del a veces incomprendido arte contemporáneo, cuyos resultados son para los artistas «difíciles» de definir, Badiola bromeó con que «las señoras de la limpieza tenían que decidir cada día lo que era arte y lo que no».
Actuaciones musicales, rodajes o alpinismo sobre hinchables han sido algunos de los acontecimientos que el público visitante de esta cuarentena, 25.000 personas, ha contemplado desde el 30 de enero en un espacio en el que admiraba como miles de resquicios del taller se distribuían por una superficie que desde hoy se aprecia configurada a modo de exposición.
A su inicio, unos paneles reflejan la síntesis de cada uno de los proyectos desarrollados para contextualizar al espectador de lo que va a experimentar una vez acceda a la muestra.
A modo de síntesis Badiola resumió la experiencia como «un pequeño milagro» en el que se han mostrado «desnudos» para exhibir todos sus «trucos», en un experiencia en la que Euba reconoció que «han perdido los papeles» y que según Prego ha sido posible gracias a una «concepción mutua del arte, a través de la cual se ha establecido la comunicación».

Frontera Incierta


Frontera Incierta ( Paisaje de datos)es el blog del artista Uruguayo Enrique Aguerre

http://www.raiavirtual.net/

12 may. 2010

Marina Abramovic







Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la “Abuela del arte de la performance”.
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.
PHE- ¿Cómo comenzó en el mundo de las artes visuales?

Marina Abramovic- Empecé de pequeña haciendo dibujos y pinturas. Siempre he estado celosa de Mozart. Su primer concierto fue con 7 años y mi primera exposición con 12. Desde entonces nunca he dejado de trabajar como artista. Nunca he querido dedicarme a otra cosa y nunca he dudado de esa decisión.

PHE- Durante su extensa carrera que ya dura más de tres décadas ¿Cuál ha sido el proyecto que le ha dado más satisfacción?



MA- Los proyectos mas satisfactorios son aquellos que suponen un reto más grande, los que necesitan de un largo periodo de preparación y requieren esfuerzo físico. Para recorrer la Gran Muralla, los preparatorios duraron 8 años hasta que obtuvimos el permiso del gobierno chino. Siete piezas sencillas supusieron 12 años de preparativos y de convencer al Guggenheim para que nos diera su permiso.

PHE- Son muchos los trabajos en los que se ha expuesto a dolor, desgaste físico y peligro ¿Cuál ha sido el proyecto más complicado con el que se ha encontrado?

MA- Ninguno de trabajo, la vida misma.

PHE- Como veterana en el mundo de las performances ¿Cuál es tu opinión de la evolución de la performance desde que comenzó hasta la actualidad?

MA- En los setenta, la performance no estaba en oposición al mercado del arte, pero el mercado no consideraba del todo arte a la performance. Hoy en día, la performance sigue sin ser vendida a museos y coleccionistas. El único artista capaz de encontrar la forma de vender las performances es Tino Sehgal. La documentación y el vídeo comienzan ahora a venderse, pero aún no se ha encontrado una forma definitiva de cómo vender performance a instituciones y coleccionistas.

PHE- ¿En qué otros artistas visuales te fijas?

MA- No miro a otros artistas. Mi inspiración viene de la naturaleza, los desiertos, el budismo tibetano, la antropología, la mineralogía, etc. Los artistas que me gustan y respeto hoy en día son aquellos de los que estoy cerca: James Lee Byars, Leah Bowery, Matthew Barney, FrancoB, Shirin Neshat. De la generación más joven me gusta el trabajo de Nico Vascellari, Ragner, Terrence Koh, Francesco Vezzoli, Davide Balliano.

PHE- Durante muchos años Ulay fue tu compañero para los proyectos de performance ¿Qué diferencias encuentras entre trabajar sola y trabajar con otros artistas?

MA- No encuentro diferencia. Lo importante es el concepto, la idea y cómo es desarrollada. No importa si es trabajo en solitario o en grupo, solo importa si el arte es bueno o malo.

PHE- ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

MA- Actualmente me encuentro trabajando en una retrospectiva sobre mis performances en el MoMA. El título es Marina Abramovic - The artist is present, desde el 9 de Marzo hasta el 31 de Mayo de 2010.

PHE- ¿Cuáles son tus planes de futuro?

MA- Estoy trabajando con Bob Wilson en una obra de teatro llamada The Life, que será presentada en 2011. Tengo planes para abrir mi propio centro en arte de performance en Nueva York a lo largo de 2012.

10 may. 2010

Doris Salcedo Premio Velázquez



nacida en Bogotá en 1958 es la ganadora del premio Velázquez de las artes en España.

Desconocida en revistas y periódicos, con su trabajo artístico inclinado a lo político ha dado que hablar en todo el mundo, muestra de ellos es su obra Shibboleth, Maniacal Chairs instalación en la Bienal de Estambul donde cubrió de sillas todo el espacio de un edificio.

Sergio Porro





Sergio Porro 1970 Uruguay artista plástico Su más reciente expòsición se llama Watashi, que consta de una serie de obras que tienen a primera vista puntos en común con el Animé japonés, el Manga y la estética de Disney.
Según la curadora de esta muestra, Jaqueline Lacasa, Watashi tiene un sistema particular en la composición de su iconografía, y surge de la paciente y larga investigación que ha llevado a cabo Porro, desde hace más de 15 años, quien ha basado su producción en el pliegue común de la pintura clásica y la contemporánea, componiendo con trazo impoluto la visualidad de sus creaciones.

6 may. 2010

Mientras duermo




Shilpa Gupta (1976) Vive y trabaja en Mumbai la India Gupta crea su obra mediante videos interactivos, sitios web, objetos, fotografías, sonido y actuaciones públicas para investigar y analizar en forma subversiva como el deseo, la religión, las nociones de seguridad en la calle y en la frontera imaginado.
Su actual proyecto «Mientras yo sueño", donde trabajó junto psicólogo Mahazarin Banaji (profesor de Harvard) en la recepción de imágenes de la exploración de miedo y los prejuicios y se entrevistó con Noam Chomsky, inaugurado en Le Laboratoire en París a mediados de 2009, tras lo cual viajó a theLouisiana Museo de Arte Moderno de Dinamarca y se muestra a continuación en la Trienal de Auckland 2010.
I want to fly,
high high above
in your sky
Don’t push me away
We will all fall down
Deep deep deep
into the ground
A part of me will die
By your side
Taking you with me
High
High above
in the sky

"Cantando Cloud"
Objeto contruido con miles de micrófonos con 48 multicanales de audio ( 2008-09)

3 may. 2010

Armando Andrade Tudela




«Detrás de cada adicto hay una historia que contar».
Así reza el eslogan de la Fundación Synanon, creada en 1958 en Santa Mónica (California) por Chuck Dederich, antiguo miembro de Alcohólicos Anónimos. Se trata de una institución pionera en el tratamiento de la adicción, una colonia sin médicos dedicada a la autoayuda. Synanon, cuyo nombre es una síntesis de los términos ingleses symposium y seminar, fue un proyecto en sintonía con el espíritu utópico que animó buena parte de la década de los sesenta y que ahora sirve al artista peruano afincado en Berlín Armando Andrade Tudela (Lima, 1975) como punto de partida para su nueva película.
Este filme se presenta en la Capella MACBA junto a otro, también inédito, sobre un curioso bosque de piedras situado en Marcahuasi (Perú) que es el epicentro del movimiento hippie de ese país, así como un singular catálogo de formas que configuran un extraño canon de escultura natural. Ambas películas se presentan integradas en un espacio arquitectónico diseñado por el propio artista y que puede leerse como una obra más en formato escultórico. Asimismo, se exhibirá una cuarta obra, ésta antigua, con el título Casas alteradas (2006).
Andrade Tudela utiliza la escultura, la fotografía y el dibujo. Su obra se acerca de una forma analítica, aunque no por ello carente de sentido del humor, a las diferentes «derivas» de los lenguajes formales y semánticos de la modernidad.

La elección de Andrade Tudela para inaugurar esta nueva serie de exposiciones no es casual. Precisamente, su obra indaga en la vida de las formas, en cómo el lenguaje depurado de formas y significados de la modernidad ha sufrido múltiples transformaciones y reaparece, una y otra vez, en los contextos más inusitados. Espacios singulares como talleres y estancias de un centro de rehabilitación para la drogadicción; una comuna, remanente de una utopía secular de los años sesenta como Synanon, en la que los muebles de la Bauhaus conviven con escenarios propios del Tirol, todo ello fruto de las continuas mudanzas debido a la obra social que la institución realiza para recaudar fondos.

2 may. 2010

Sharad Haksar






Fotógrafo indio que ha ganado muchos premios por su fotografia estilo publicidad. Tambien ciertos problemas. Como un pintoresco cartel monstrando los jarros de agua en frente de un mural de Coca-Cola podria llevarlo a los Tribunales . El problema: es arrojar luz sobre el hecho
Coca-Cola está causando escasez de agua en pueblos de india donde tiene operaciones de embotellado, y de acuerdo a los movimientos rurales contra la empresa, que contamina el agua todo lo que no embotella.