24 jun. 2011

Urs Fischer

Urs Fischer ( 1973) Es un artista contemporaneo suizo



Urs Fischer materializa la fantasía, da forma a motivos y acciones que rara vez ocurren en el mundo visible. Siguiendo un símil pictórico, su paleta es de las más variadas de cuantas pueden encontrarse hoy en el panorama internacional. El artista suizo es capaz de trabajar en ámbitos antitéticos y es, así, uno de los mejores referentes para entender la deriva que ha tomado la escultura en las últimas décadas, su heterogeneidad, su radicalidad, el enorme espectro de posibilidades físicas y objetuales que ofrece. La escultura de Urs Fischer camina entre diferentes estados físicos

23 jun. 2011

Katharina Fritsh

Katharina Fritsch (1956) está considerada como una de las revelaciones de los últimos veinte años en el terreno de la escultura. Escultora alemana. Se forma en Dusseldorf con el escultor Fritz Schwegler. Su obra, kitsch y solemne a la vez, ha sido puesta en relación con tendencias como el minimalismo o el arte conceptual , y también se ha señalado la afinidad de algunas de sus piezas con las del español Juan Muñoz. Sus instalaciones producen sobre el espectador una mezcla de familiaridad e irrealidad. Son piezas de extremo realismo y cuidada confección, en las que se introducen variaciones de escala y color. Algunas de sus obras más conocidas son El rey rata (1993), monstruosa reunión de ratas de tamaño monumental, o Heart of money (1998-2000), un gran campo de monedas dispuestas en forma de corazón



 Se carácteriza por un humor sarcástico  en el que analiza la vida cotidiana, el turismo y el consumo. Sus esculturas son generalmente de molde en yeso ,aluminio o poliéster, copias de la realidad.

Ella ha trabajado con la fotografía y su conversión en los cuadros monumentales que se derivan
 recuerdos de infancia personales. estos son representados por la impresión de silkscreen excepcionalmente grande, yuxtapuesto con sus figuras de tamaño natural, que tratan con la realidad - proyecciones y clichés de vida diaria.entre estos trabajos más recientes son los pedazos conocidos del fritsch a partir de los años 1980 y los años 1990 como 'el elefante' verde (1987) 'y cena' (1988). fritsch estrechamente colaboró con el deichtorhalle crear un diseño especial arquitectónico para la exposición, una secuencia parecida a una película de espacios el resultado es un espectáculo que es un banquete para los ojos - los colores intensos y dimensiones magníficas del trabajo del fritsch, absorbiendo al espectador en su mundo.



22 jun. 2011

Peso y Levedad curada por Laura Terré, que se expone en el Instituto Cervantes como parte de PhotoEspaña 2011.

21 jun. 2011

Arte en las calles








La exposición "Art in the streets" (arte en las calles) que abrió sus puertas en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York pone sobre el tapete la polémica eterna de los límites de lo que debe se considerate arte y lo que no, con el condimiento adicional de que se trata de la primera "gran muestra del graffiti y el arte callejero en Estados Unidos".
Entre los artistas en exposición, se pueden identificar verdaderas leyendas del género como el británico Banksy, los neoyorquinos Fat 5 Freddy y Lee Quiñones y los brasieños Os Gemeos(nacidos en 1974) en São Paulo, Brasil, cuyos nombres reales son Octavio y Gustavo Pandolfo. Empezaron a pintar graffiti en 1987 y poco a poco se convirtieron en una influencia principal en la escena local, ayudando a definir un estilo propio de Brasil. Su trabajo a menudo se cuenta con personajes de piel amarilla. Los temas van desde retratos de familia hasta circunstancias sociales y políticas de São Paulo, así como el folclore brasileño. Su estilo fue influenciado por el estilo hip hop tradicional y el movimiento pixaçao Brasil.) .
En la polémica, esta vez, intervino inclusive la policía local, según relata el diario Los Angeles Times. Las fuerzas del orden acusan a la exposición del incremento de graffitis en las calles desde su inauguración.
"El problema es mínimo y se está exagerando. Prestarle demasiada atención sólo va a incitar al vandalismo, mientras que la exposición lo desdeña enfatizando el lado positivo de este arte que permite a los jóvenes canalizar su talento", asegura Jeffrey Detich, director del museo, en declaraciones al New York Times.





20 jun. 2011

Lateefa bint Maktoum

Lateefa bint Maktoum es el fundador y director de Tashkeel, un estudio de públicos
que prestan servicios especializados para artistas y diseñadores que viven y trabajan 
en los Emiratos Árabes Unidos.Mi trabajo fotográfico incorpora la misma técnica 
de mezclar y combinar las pinturas, pero la aplicación de las manos en el conocimiento
de una imagen digital. Trato a cada imagen como una pintura íntima o collage, cada 
composición final es una sola imagen que se crea a partir de muchas fotografía 
que he tomado en diferentes lugares, tiempos y estados de ánimo.
Cuando se entrelazan a través de métodos digitales, la imagen final se convierte en su
propia historia que el espectador es invitado a examinar y evaluar.






19 jun. 2011

Christian Marclay (El Reloj)

Este sábado comenzó en la ciudad italiana de Venecia la 54º bienal internacional de arte, que se presentará hasta fines de noviembre.
.El video "El Reloj", del estadounidense Christian Marclay,fue  ganador del León de Oro al mejor artista.
El video, que dura 24 horas, es un montaje de miles de fragmentos de películas en los que aparecen relojes que muestran la hora exacta durante cada minuto del día.

Luis Fernando Roldán

La obra del artista caleño Luis Fernando Roldán(Cali, 1955)  invita a reflexionar con preguntas sencillas y respuestas complicadas sobre la balanza de la vida.   Desagarramientos
“Trasparencias”, título de su actual  exposición, se refiere a ‘el agua’....."El arte es una forma radical de resistencia, un canal de liberación y concreción de lo imposible. Aunque es más adecuado hablar de ‘labor del arte’ que de ‘función del arte’ -pues uno de los preceptos del arte es precisamente su no función-, esta se da necesariamente en la empatía que alcanza con nuestras preocupaciones, hasta el punto de motivar cambios sensibles en nuestros hábitos y, finalmente, en la conformación de la cultura. Los horizontes de sentido que abre “Transparencias” nos disponen sobre la gran discusión actual sobre el uso y abuso de los recursos naturales y la contingencia de las medidas que hacen frente a este flagelo.
No es entonces gratuito que la rana sea la metáfora que literalmente saltará a la escena; es un animal de procesos, de cambios continuos, de metamorfosis. Su condición biológica la presenta como una especie nodal al momento de entender los cambios en el medio ambiente. Sabemos que una zona está en problemas o desequilibrio cuando estos sensibles animales desaparecen, son los primeros que dan alarma sobre los riesgos de contaminación o cambios extremos en las condiciones de un lugar. La rana es el símil del canario para este trabajo, con una diferencia: aquí los mineros somos todos.
Según la mitología indígena Kogui, la rana fue la segunda esposa del dios Sol, pero por ser infiel, el sol la arrojó a la tierra destrozándola en mil pedazos, convirtiendo cada uno de los fragmentos en una rana. La presencia de este animal habla de abundancia, fertilidad, renovación, transición, oportunidad, intermediación, metamorfosis. Un listado de sustantivos que claramente podrían volverse adjetivos de la obra de Luis Roldán: su incansable movilidad con recursos mínimos gravita siempre alrededor de la constante del ‘ser’, es un trabajo ontológico, una propuesta que ensalza los materiales, utiliza el tiempo como potenciador de ideas, deshilvana formas complejas en partes que se hacen potentes por su autonomía de ser indivisibles. Este proyecto en particular, por múltiples razones, se consolida como piedra angular para entender las dinámicas del trabajo en su obra. Aquí la rana ha dado el salto, se posó sobre la mesa para mostrarse en todo su esplendor, reiterando las condiciones metamórficas del trabajo de este artista.



Cuando estamos frente a sus piezas sospechamos su origen, se advierte su presencia aunque no se identifica la cosa en sí, esto nos pone sobre el terreno incierto y fascinante de lo desconocido, confronta nuestras facultades aunque logra simpatía con nuestro sentir. Roldán ha encontrado la forma de traer a escena un estado latente del ser de las cosas, propone formas que no han logrado su materialidad última, como si asistiéramos a un proceso que se da de golpe y en vivo, algo que nos deja ver adentro, su funcionamiento, un momento de completa transitoriedad".(Oscar Roldán Alzate Curador) lugarMAMM

16 jun. 2011

Estanislao Florido

Estanislao Florido
Nació en Buenos Aires, Argentina en 1977.
En el año 2001 se graduó como Profesor Nacional de Pintura en la escuela
Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. 
Miembro fundador del Colectivo de Artistas Portela 164
Miembro Fundador del Proyecto NVA (Nuevo Videos Argentino)
 (foto arriba )La ciudad perdida, 2010, animación digital, óleo sobre papel entelado, 130 x 200 cm.Gran Premio Adquisición (nuevos soportes e instalaciones) Palacio Nacional de las Artes 2011 (BsAs)




Cindy Sherman

1954Nacida en New Jersey USA.





En una primera etapa Cindy Sherman iniciará una serie de retratos fotográficos que rompen el modelo tradicional, porque trascienden al sujeto retratado, convirtiéndolos en pretextos con los que representar estados de ánimo o emociones, así como estereotipos de mujeres, que representa con humor e ironía. Son sus famosas film stills o “fotos fijas”, también conocidas como “películas congeladas” , en las que muchas veces la retratada es ella misma pero transfigurada en ama de casa, en prostituta, secretaria, actriz o bailarina, es decir en arquetipos de mujer que ella reproduce siempre en blanco y negro, en fotos de pequeño tamaño y en entornos de las décadas de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, en los que esos arquetipos se afirman de forma más estereotipada. Pero ese humor con el que trata sus retratos de la primera fase pronto se trasmuta en una orientación completamente distinta, en la que progresivamente va ganando terreno la imagen de lo grotesco, lo terrorífico e incluso lo repugnante, con la intención abierta de provocar sin indulgencia al espectador. Ya ocurre así con sus homenajes femeninos a la Historia del arte, serie de retratos en los que la mujer se representa como personajes famosos de las obras de arte, así la Fornarina de Rafael o la Judith de Boticelli, pero lejos de representarlas como aquéllas, las transforma completamente, reproduciéndolas desnudas o embarazadas y envueltas en entornos siempre provocativos.

Pero aún dará un paso más en este camino hacia lo abyecto con la que fustigar al espectador para ahondar de esta forma en la crítica al trato y la condición de la mujer. Así, las fotos que realiza a finales de los ochenta, en las que proliferan comidas que se pudren, penes de plástico rociados de ketchup e incluso mezclas repugnantes que provocan arcadas. Es la plasmación culminante de lo feo en el arte como elemento de expresión y como símbolo. En la misma línea se incluyen también sus series conocidas como Sex pictures, en las que toca el tema sexual pero con la misma estética truculenta: muñecas sexuales desmembradas, sexo con armas, sexo con máscaras terroríficas, etc. Las fotos se han hecho mucho más grandes y el blanco y negro de las primeras años ha dado paso a un color rutilante y chillón con el que subrayar el tono agrio y agresivo de sus fotos, que últimamente reinciden en el tema terrorífico que parece haberse convertido en uno de sus principales referentes. Tampoco es el único. Sus fotos insisten en la crítica al papel de la mujer en la sociedad actual, pero no es ajena tampoco a la crítica social más amplia, objetando de las tiranías de la publicidad, la moda o los medios de comunicación, tratando igualmente temas relacionados con la violencia, la política o la sexualidad, utilizando como vehículos de expresión imágenes relacionadas con los medios de comunicación de masas, más directos y fáciles de entender En cualquier caso, la fotografía de Cindy Sherman no nos deja indiferentes. Es otra forma de entender la imagen, que algunos han relacionado con el arte Conceptual y más lejanamente con el Surrealismo, y que se relaciona también con el trabajo de otras mujeres que en muchos sentidos coinciden con ella, caso de Bárbara Kruger, Mona Hatoum o Jenny Holzer. Aunque como hemos dicho, lo más importante es que no se tata de una fotógrafa con aspiraciones artísticas, se trata de un artista que utiliza como instrumento la fotografía.

7 jun. 2011

Xooang Choi

Esculturas realistas de Xooang Choi. Tan realistas al punto de hacernos creer en muchas formas y seres que solo existen en el tono sarcástico y bizarro de muchas de sus obras. Al contrario de muchos artistas, Choi pretende con sus obras resaltar las incapacidades y el fracaso humano, en los puntos débiles de las personas y de la sociedad que vivimos.






El artista de Corea del Sur usa y abusa de las deformaciones, enfermedades, así como de lo grotesco y absurdo para crear inquietantes y molestas esculturas.

2 jun. 2011

Georg Baselitz

Nacido en 1938 en Deutschlandbaselitz (Alemania del Este), Georg Kern, su apellido original, que luego cambiaría por el de Baselitz como homenaje al lugar de nacimiento, ha creado un repertorio de imágenes icónicas que reflejan el trauma de la Segunda Guerra Mundial a la vez que expresan un gesto de feroz individualidad y rebeldía contra el arte oficial de la Alemania comunista.
A finales de los cincuenta y tras su expulsión de la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín Este por "inmadurez social y política", Baselitz se trasladó a Berlín Occidental, donde sin dejarse contagiar por las nuevas corrientes artísticas como el pop art o el expresionismo abstracto, llegadas de América, siguió su propio camino.
Influida por el "teatro de la crueldad", del dramaturgo francés Antonin Artaud, la obra de Baselitz tiene puntos de contacto con el informalismo del francés Jean Fautrier a la vez que influencias de Chaim Soutine y de un artista por él especialmente admirado, el noruego Edvard Munch.
A diferencia de otros conocidos artistas de la posguerra alemana como Polke o Richter, Baselitz recusó la llamada cultura de masas y el modelo posnacional de producción cultural global para establecer su propio modelo, que tiene sus raíces inmediatas en el grupo expresionista "Die Brücke" pero que se remonta hasta a Grünewald.