24 may. 2011

Sara Ramo




"La fotografía me enseñó una nueva forma de relacionarme con el mundo"
Sara Ramo (Madrid, 1975)

10 may. 2011

Artur Barrio ganador del Velazquez

 El trabajo de Artur Barrio (Oporto, 1945), galardonado hoy con el Premio Velázquez de Artes Plásticas, pudo verse en España en la exposición Eztetyka del Sueño, organizada por el Museo Reina Sofía en el marco del ciclo Versiones del Sur, la gran revisión sobre el arte realizado en Suramérica que tuvo lugar en Madrid en el invierno de 2000/2001. Recordarán los que asistieran a la colectiva del Palacio de Velázquez una gran sala fuertemente iluminada y cubierta de sal por la que, el día de la inauguración, transitaba un ciclista con una bicicleta sin llantas. Era un trabajo que se inscribía en su serie de obras llamada Situação, una de las más conocidas y aplaudidas del artista.En la década de los setenta, la producción de Barrio asumió los lenguajes conceptuales, ya sabemos, la discusión sobre la materialidad de la obra, su condición efímera, su carácter exclusivo al tratarse de algo supuestamente elitista Artur Barrio comienza a utilizar materiales humildes en oposición a la tradición milenaria de utilizar materiales nobles como el mármol o el bronce. Tampoco escapaba a su crítica el uso del lienzo como soporte. La idea era comprobar cómo la obra de arte tenía una duración limitada, una vida corta. Materiales de desecho como maderas y ramas comenzaron a formar parte de su quehacer cotidiano y en 1969 escribió un manifiesto en el que ensalzaba la creación artística con este tipo de material como parte de una postura asumida desde una ética-éstética del Tercer Mundo.Pero no sólo se trataba de operar con materiales deleznables (a veces también utilizaba comida, como muestra el Livro de Carne, 1978-79) sino que también tendía a utilizar la fotografía y el vídeo como herramientas que insistían, por un lado, en su capacidad de documentar y registrar, poniendo así en cuestionamiento la naturaleza tradicional de la obra de arte, concebida como el final de un trayecto tras un arduo proceso creador; y, por otro, su condición material, su fisicidad. La idea era la de incidir en esa naturaleza documental o de registro, que debía siempre mantenerse como tal y no permitir que en modo alguno pudieran ser consideradas como hecho artístico, como obras de arte.El carácter conceptual de la obra de Barrio está vertebrado por un inquebrantable compromiso político. En el año 1970, durante uno de los periodos de represión más sangrientos que se recuerdan en Río de Janeiro, Barrio diseminó bultos de basura con sangre seca que contenían vísceras, heces, orina o saliva. Estos bultos sangrientos eran modelados para que parecieran partes de cuerpos humanos. El estado de putrefacción de estas bolsas hacía de ellas algo opuesto a lo que entendemos por obra de arte que uno contempla desde una suerte de extatismo. Eran, al contrario, algo decididamente nauseabundo. Este fue el tipo de trabajo que Artur Barrio desarrolló durante toda la década de los setenta. Interviniendo el espacio público y utilizando materiales viscerales el artista trataba de crear un contexto en el que la gente fuera consciente del problema en el tercer mundo. De esta idea derivaron otras como su famoso Livro de Carne con el que Barrio antepone el conocimiento fenomenológico al cartesiano, la experiencia que otorga la vida a la rigidez de la teoría.(Javier HONTORIA) 

7 may. 2011

Claudia del Rio (Bienal de Salto)


Nació en Rosario, Santa Fe, Argentina, en 1957.
Siguió estudios de teatro y pintura,hasta recibir la licenciatura en Artes Visuales,en la Escuela de Bellas Artes de la UNR, donde enseña desde 1982.
En los 80 trabajó en circuitos de mail-art, performance y ediciones. En 1994-95 fue seleccionada para el Programa de Clínica de Obra, a cargo de Guillermo Kuitca, organizado por Fundación Proa. En el año 2000, fue invitada por Trama, Rain (Red de Iniciativas Artísticas),condujo la experiencia con becarios en Rosario. Desde 2001 a 2004,artista invitada en el Programa de Encuentros Regionales de Producción y Análisis para Artistas Visuales, organizados por Fundación Antorchas junto a Instituciones asociadas de todo el país. Es co-fundadora del Club del Dibujo.
En junio de 2004, artista residente en Arteleku, San Sebastián, España. En 2006 Residente en RIAA, Ostende, Argentina. En 2007, Residente en Kiosko, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia y en Fundación Valparaíso, España.
Vive y trabaja en Rosario.
Club del dibujo
Dibujar es conocer, reconocer, sentir, construir, dialogar y todo solo con un lápiz y a veces incluso presidiendo de este. “Pensamos que antes del sistema del arte, está el dibujo”. Dibujando se construyen sistemas y formas de relacionarnos.

5 may. 2011

Janaina Tschape (Bienal de Salto)





Una de las artistas que participara en uno de los Focos de  la  Bienal de Salto (mayo2011) Janaina Tschäpe nació en Munich, Alemania, en 1973. Se ha celebrado una serie de exposiciones en instituciones en Europa, Asia, EE.UU. y Brasil. Produce una obra que explora toda la multitud de medios a nuestro alcance en la sociedad contemporánea: según ella, los dibujos son fragmentos de pensamiento, el video hace que el mundo de las imágenes en movimiento, el sonido y el tiempo, la fotografía, lo que revela un fracción de tiempo, es una invitación al espectador a imaginar una historia más allá de esta fracción, y la pintura, que recientemente volvió a su trabajo es la continuación de este trabajo.

El artista que de alguna manera incorpora la vida como materia prima en su trabajo, la posibilidad de hacer toda la ficción parece ser la razón para crear. Su imaginación está hecha de un paisaje en el que ella misma pertenece. A menudo, la fotografía o la realización de actuaciones integradas y las películas. En otras ocasiones, invita a sus amigos a "jugar": "Quiero extender esta experiencia a otros e invitarlos a jugar conmigo. Cuando éramos niños, tuvimos acceso directo al universo del juego. ¿Puedo continuar jugando a estar en todas partes al mismo tiempo. "

Adrián Villar Rojas

Nacido en Rosario ( Argentina 1980) estara en Venecia en el pabellon de Argentina curador Rodrigo Alonso


2 may. 2011

El arte como fuente de "iluminación" centrará la Bienal de Venecia

La función del arte como fuente de "iluminación" e inspiración en un mundo cada vez más globalizado es el punto de partida de la 54 edición de la Bienal de Venecia (noreste de Italia), que se celebrará del 4 de junio al 27 de noviembre.
Bajo el lema "ILLUMInazioni-ILLUMInations", la Bienal representa "un espíritu que traspasa los confines nacionales en una época en la que los artistas tienen una identidad poliédrica", según su comisaria, la historiadora suiza Bice Curiger.
Tres dibujos de Tintoretto, uno de los mayores exponentes de la pintura veneciana, darán la bienvenida a los visitantes en la sala de ingreso del Pabellón Central, punto neurálgico de un recorrido único que abarca la zona de los Jardines y del Arsenal y en el que se podrán ver las obras de 82 artistas de todo el mundo.
Por el momento, no han sido desveladas qué piezas del genio renacentista serán expuestas pero sí su objetivo: "Desafiar las convenciones de una exposición centrada en el 'hoy'" y "establecer una relación artística, histórica y emocional con el contexto".
Y es que, según reconoció Curiger, durante la multitudinaria rueda de prensa de presentación celebrada hoy en Roma, ha querido incluir "cosas que normalmente se habrían quedado fuera" de un evento de este tipo.
Junto a las obras de Tintoretto, esta edición cuenta con una novedad bautizada por su comisaria como "parapabellones". Cuatro estructuras arquitectónicas y escultóricas realizadas para la muestra, que acogerán en su interior el trabajo varios artistas.
Una forma más de unir a las culturas representadas en la Bienal y en la que tendrá un papel activo el español Asier Mendizábal, quien está previsto que exponga su obra en el interior de una estructura diseñada por el estadounidense Oscar Tuazon.
"Illuminazioni se concentrará en la luz generada en el encuentro con el arte, en la experiencia iluminante. En el título resuena también el eco de la edad del Iluminismo, poniendo de manifiesto la herencia que ésta nos ha dejado", comentó Curiger.
La muestra estará acompañada por 88 participaciones nacionales, una cifra récord a pesar de los tiempos de crisis que corren, entre las que se incluyen este año por primera vez Andorra, Arabia Saudí, Bangladesh y Haití.
Con un presupuesto de 13 millones de euros, esta 54 edición de la Bienal es, entre otras cosas, el resultado de un "gran esfuerzo de autofinanciación", explicó su presidente, Paolo Baratta.
De nuevo los pabellones nacionales representarán las distintas realidades que la muestra central pretende unir.
"Un pabellón nacional puede convertirse en un sismógrafo de lo que está sucediendo", al tiempo que es la "clave de lectura de las distintas realidades", explicó Baratta.
Por ello, destacó la ausencia de países del norte de África en esta edición como consecuencia de la situación de tensión que se vive en muchos países de la zona.
Entre los países presentes están España, Argentina, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, México, Uruguay y Venezuela, así como artistas de Bolivia, Colombia, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Haití, Honduras, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú o República Dominicana que expondrán sus obras en el pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano de Cultura.
La Bienal se sustentará, además, en exposiciones colaterales en varios puntos de la ciudad y en actividades formativas, entre ellas "Biennale Sessions" dirigidas a estudiantes universitarios y de disciplinas artísticas y el ciclo de conferencias "Meetings on Art".
(Agencia EFE)

1 may. 2011

Francis Alys






Nunca fue muy bueno, confiesa Francis Alÿs (Amberes, 1959), con el orden, ni con los esquemas, ni con el sistema de trabajo metódico.“Soy muy malo para centrarme y pensar desde cero. Todo tiene que ocurrir de manera casual, mientras cojo el metro o preparo la comida”, explica. Aunque su estudio ocupa las tres plantas de una antigua casa de 1736, situada en la Plaza Loreto de México, una zona fronteriza entre el centro urbano histórico y un barrio ilegal, Alÿs no es un artista de taller. Su verdadero campo de operaciones es la calle, por la que siempre pasea con varios cuadernos a cuestas. En ellos trabaja con el mismo frenesí caótico que contagia la ciudad: “Siempre tengo cinco o seis proyectos que se desarrollan en paralelo. Es mi única forma de avanzar, pegando saltos de una historia a otra”.
Dominó Caníbal es el de un agente que recopila información para un estudio del proyecto. Para ello, he utilizado las imágenes colgadas en la web del PAC Murcia, unas 150, y he pedido a tres personas que las interpreten.Se presentan tres películas que están colocadas en tres espacios diferentes de la sala. Ninguno de estos tres personajes conocerá los comentarios de los otros dos, y he incorporado un ligero truco para cogerles por sorpresa. Las imágenes no aparecerán por orden cronológico, sino que he adoptado la guía que propone Cortázar en Rayuela. Con ello, más que una conclusión, lo que propongo es un experimento, abrir nuevos ángulos de lectura del proyecto, tanto a nivel discursivo como anecdótico.
uando la fe mueve montañas, presentada en la Bienal de Lima de 2002, una acción donde 500 voluntarios, aprovisionados con palas, movieran unos pocos centímetros una duna limeña de casi 480 metros de altura...
-Esas obras son metáforas de la economía general en Latinoamérica. Hay que hacer esfuerzos enormes para conseguir reformas mínimas. Ahí el juego me interesa mucho como mecanismo para que la gente entre en acción, como estrategia para involucrar a una comunidad de participantes. La energía colectiva es el principal motor de la producción.
Paradox of Praxis, el bloque de hielo que paseé por México hasta que se deshizo completamente. Lo hice como un ejercicio personal, para avanzar en mi relación con la idea de escultura, pero tuvo una reacción inesperada. Una vez que has realizado la obra, deja de ser tuya y empieza a tener su historia, su recorrido. A otras piezas les dedicas mucha energía y no logas el resultado que esperas. Cada vez es una incógnita. En el arte, no hay garantías, ni truco, ni recetas. Nunca sabes qué imagen, palabra o acción puede provocar una reacción. Es como un trabajo a ciegas.