31 ago. 2011

La 8ª edición de la Bienal del Mercosur, Ensayos de Geopoética

 Tiene como tema el territorio y su redefinición crítica a partir de una perspectiva artística. Entre el 10 de septiembre y el 15 de noviembre de este año, reunirá cerca de 106 artistas de 34 países, lo que convierte a esta edición en la más internacional hasta el momento. Los artistas seleccionados tratan tópicos relevantes para la discusión de la bienal: mapeo, colonización, frontera, aduana, alianzas transnacionales, construcciones geopolíticas, localidad, viajeros científicos, nación y política.
Según José Roca, curador general de esta edición, “la 8ª Bienal quiere mostrar alternativas a la idea convencional de nación, además de discutir nuevas cartografías, las relaciones entre las condiciones políticas y geográficas, el posicionamiento entre lo regional y lo global, las rutas de circulación y el intercambio de capital simbólico, la ciudadanía en territorios no-urbanos, el status político de las naciones ficticias y la relación entre ciencia, viaje y colonización”.El proyecto curatorial desarrolla siete grandes acciones, abordadas por medio de dos estrategias: expositivas y activadoras. En las acciones activadoras, que pueden también tener como resultado una exposición, hay un énfasis en la relación entre artista y público. En las exposiciones propiamente dichas, el énfasis está en la obra y en su relación con los trabajos de los demás artistas y con el tema propuesto.
De esta forma, la ciudad de Porto Alegre y el territorio de Río Grande do Sul son vistos como lugares a descubrir y a ser activados por medio del arte. La intensa actuación de los artistas y sus obras en este territorio presupone la participación de la comunidad y la colaboración con centros culturales –institucionales o independientes– y artistas locales, como es el caso de los proyectos Continentes y Cuadernos de Viaje, y de la exposición Tras fronteras, en la que los artistas van a desarrollar trabajos a partir del paisaje de Río Grande doSul

La 8ª edición de la Bienal del Mercosur, Ensayos de Geopoética, es, según sus curadores:
• Una Bienal que no es apenas una gran exposición
• Una Bienal que no se realiza cada dos años, sino durante dos años: la 8ª Bienal del Mercosur se extiende en el tiempo, con proyectos que perduran, como la Casa M, o que son puntos de partida para nuevas articulaciones entre agentes culturales, como el proyecto Continentes
• Una Bienal que no se concentra en un único local o ciudad, sino que se manifiesta en todo el territorio de Río Grande do Sul, pasando por más de 20 ciudades
• Un proyecto curatorial que estimula una reflexión sobre las nociones de territorialidad, nación e identidad
• Una bienal que pone énfasis en la valorización y activación de la escena artística local y el estímulo a jóvenes artistas, curadores e instituciones culturales independientes
• Un Proyecto Pedagógico preocupado con ofrecer actividades específicas para los diversos tipos de público
• La Bienal del Mercosur más internacional hasta el momento: 106 artistas de 34 países – Argentina, Bélgica, Bolivia, Brasil, Camerún, Chile, Colombia, Costa Rica, Corea del Sur, Cuba, Egipto, Ecuador, Eslovenia, España, EEUU, Finlandia, Francia, Gaza, Guatemala, Inglaterra, Israel, Japón, México, Noruega, Palestina, Panamá, Paraguay, Perú, Puerto Rico, Rusia, Sealand, Suecia, Suiza y Venezuela. Participan, además, 38 artistas brasileños, de los cuales 15 son de Río Grande do Sul.
8ª Bienal del Mercosur – Ensayos de Geopoética
Porto Alegre – Rio Grande do Sul – Brasil
Duración: del 10 de septiembre al 15 de noviembre de 2011
Ceremonia oficial de apertura: 09 de septiembre de 2011
Todos los días de la semana, de 09h a 21h, con entrada libre
Sitio Web:aqui

28 ago. 2011

Jane Alexander



Un artista es todo lo que vive y siente. En el caso de Jane Alexander (Johannesburgo, 1959) mucho más. Su obra tiene una carga política y de sincera empatía por su entorno. Mediante fotomontajes y escultura transmite rabia, preocupación, desespero y sobretodo una cierta sensación de impotencia que llega directa al espectador.






Su serie Butcher Boys se ha convertido en un icono del arte sudafricano del periodo. Jane Alexander ha sido siempre reticente a hablar de su obra, esa tarea le ha sido otorgada a críticos de arte, que no han podido evitar nunca ir más allá en todas sus interpretaciones. Algunas de sus series están inspiradas en el dolor del apartheid y otras, como Bom Boys, en las miserables condiciones de vida a la que se enfrentan los niños de la calle. Todas ellas transmiten una enorme carga emotiva que provoca una reflexión inevitable absolutamente personal y subjetiva. Su obra ha pasado por los mueeres museos de todo el mundo, configurándose como un referente.

Su trabajo ha sido presentado a nivel internacional, incluyendo en la Bienal de Venecia de 1995, la séptima Bienal de La Habana, y en The Short Century. Alexander es un miembro del personal docente en la Escuela de Michaelis de Bellas Artes de Ciudad del Cabo, donde vive y trabaja.


Santiago Sierra. NO, Global Tour


El NO, Global Tour de Santiago Sierra consiste en un viaje que se inició en Julio de 2009 a través del primer mundo. En él, una gran escultura formada por la sencilla y contundente palabra NO recorre diversos países y continentes, emplazada sobre la plataforma de un camión.
En esta ocasión, la escultura –una estructura de contrachapado marino negro, con unas dimensiones de 3,20 metros de alto por 4 de ancho y un peso total de media tonelada– ha viajado hasta ARTIUM para situarse a la entrada del museo.ver tambien

27 ago. 2011

Lili Dujourie






Lili Dujourie nació en Roeslaare, Bélgica, en 1941. Actualmente vive y trabaja en Lovendegem, cerca de Gante. Su trabajo ha sido exhibido ampliamente desde finales de los años setenta. Entre las exposiciones recientes en las que ha participado, destacan: la Bienal de Sharjah (2009); WACK! Art and the Feminist Revolution, en PS1, Nueva York/MoCA, Los Ángeles (2008); la Bienal de Gwanju, Corea del Sur (2008) y Documenta 12, Kassel (2007). En 2005, una gran retrospectiva de su trabajo fue presentada en el Palais des Beaux Arts en Bruselas.
Entroncada en la tradición de los primitivos flamencos, la obra de Lili Dujourie establece un vínculo intelectual y sensorial con el espectador, al tiempo que propone una reflexión crítica sobre categorías y nociones específicas de la historia del arte. En sus trabajos, Dujourie juega con la sensualidad e inmediatez de los materiales, remarca la teatralidad de la obra artística (su dimensión escenográfica y procesual), indaga en la relación entre naturaleza y cultura o sitúa lo decorativo y ornamental en un lugar central. Sus vídeos, dibujos, instalaciones y esculturas hablan del paso (y del peso) del tiempo y se mueven entre lo figurativo y lo abstracto, generando una cierta sensación de melancolía y buscando una comprensión emocional del espacio.
En la galería, Lili Dujourie ha instalado obras de dos series diferentes. Initialen der stilte son un conjunto de piezas escultóricas compuestas por objetos de arcilla que se colocan sobre el fino tablero de una mesa y que evocan formas orgánicas (hojas, huesos, raíces…). Se pueden describir como “naturalezas muertas” en las que hay una voluntad de despojamiento (de vuelta a los orígenes) y se lleva a cabo una reflexión poética sobre el tiempo y la memoria. La segunda serie, creada expresamente para la exposición, son pequeñas esculturas de papel maché que se inspiran en flores que se cultivan en Europa desde la Antigüedad clásica por sus propiedades medicinales. Dujourie toma como referencia la parte de las mismas que se utiliza en la farmacopea herbaria y recuerda que en la Edad Media los monasterios, como el de Silos, fueron los custodios de este saber tradicional, un aspecto de su historia a menudo ignorado.

26 ago. 2011

Jan Tinholt

Jan Tinholt Nació en Utrecht, Holanda en 1950Es un artista autodidacta que se ha desarrollado como un talentoso artista contemporáneo con un estilo extremadamente personal. Como Artista Naïf reproduce sus fantasías en lo que mejor podría describirse como "Naive Surrealista".El objetivo principal de la obra de Jan Tinholt ha sido esencialmente siempre el mismo,
ha descrito el Leitmotiv de su pintura como "La Inutilidad de la vida". Su impulso es actualmente positivo y ya que la vida es un sinsentido, mejor disfrutar y "hacer todo tipo de cosas divertidas". Eso es exactamente lo que hacen los personajes de sus cuadros.
Tinholt no solamente utiliza sus personajes para expresar su motivación sino que también estos dan sentido a la visión de si mismo. Pinta porque le divierte y ese es el motor principal de este Artista.Empezó a pintar como consecuencia de varias coincidencias. Trabajó un tiempo en Psiquiatría infantil y la pintura fue para el al principio una evasión. Todo cambió cuando un periódico publicó un artículo que suscitó un gran interés por su arte y propició el despegue de su carrera profesional.

Familia feliz ver AQUI

 





25 ago. 2011

Christian Ludwig Attersee

Christian Ludwig Attersee nació en 1940 en Bratislava / Eslovaquia y se
a los Estados Unidos en 1944, en la actualidad vive en Viena y en Semmering en el Bajo Reino Unido.
Attersee pasó su juventud en Aschach cerca de Linz y en Attersee, Alta
Austria, que fue uno de los deportistas de vela grande de Australia - Así, su nom
Attersee de la pluma. Se hizo famoso no sólo como un artista de
artes visuales, sino también como  músico, escritor, creador de objetos, de diseño, ajuste
diseñador y director de cine.
Attersee se observa en primer lugar como uno de los principales exponentes de
pintura objetivo en Europa durante los últimos 40 años, es un lobo solitario en
casi todos los campos de las artes visuales.






 1966 se ha llamado a sí mismo Attersee, también como una referencia a su amado deporte de la vela. Desde el principio las imágenes fotográficas, en parte motivos encontrados en revistas y folletos publicitarios, en parte, las fotografías de sí mismo-con frecuencia han influido en sus obras, como la llamada "tiempo pinturas ". Los motivos principales de sus ciclos de fotos de la década de 1970 se auto-presentación, autorretratos, fotos de la belleza y la Attersee de "Atterselbst" ("Atterself") y sus arreglos hábiles con respecto a su propia persona. A diferencia de accionismo, Attersee imágenes  explorar el cuerpo, pero no el cuerpo herido, abusado de un medio, pero su belleza física propia y de su puesta en escena erótica. Para mejorar y acentuar ciertas características o partes del cuerpo, Attersee desarrolló su "prótesis" y objetos físicos que puso sobre, atado a sí mismo y se presentó en su propio cuerpo. Las fotografías resultantes son instantáneas de una auto-estilización con el artista como protagonista de su propio desempeño. Desde la década de 1980, Attersee volvió a las fotografías existentes de sí mismo y los ha integrado en cuadros complejos, seguidos por cambios de imagen completamente nuevo retrato sobre la base de imágenes fotográficas por Kurt-Michael Westermann.(traduc google)

24 ago. 2011

Vera Isler (Face to Face)

Vera Isler-Leiner nació en 1931 en Berlín

que celebra su 80 cumpleaños en 2011, ha representado cerca de 50 artistas internacionales en poses similares en dos series integrales. . La primera serie fue creada entre 1984 y 1994 y publicada en 1994 bajo el título "Cara a cara".Entre 1995 y la artista suiza Vera Isler descubrió la fotografía por sí misma bastante tarde en su carrera.
  Antes de pasar a la fotografía, trabajó y experimentó con diferentes medios y técnicas, las interrelaciones entre las ciencias naturales explorar el arte y esculturas diseñadas. Su serie de retratos de "personas mayores de ochenta" y la escena gay EE.UU. de América
  Ella constantemente esta  avanzado en  este medio durante más de veinte años, y amplió sus posibilidades a imágenes de video y el cine. Lo que distingue Vera Isler el retrato de la fotografía artística  es su monumentalidad y la franqueza.Ella no toma sus fotografías en el estudio, pero las visitas de los artistas, que se reúne en su propia estudios, habla con ellos en las exposiciones y captura momentos distintivos, personales y encuentros en la vida de tamaño en blanco y negro. El fotógrafo y artista, retratado persona y mira lo que se encuentran en el nivel del ojo, en una disposición muy juntos, donde el visitante aparentemente "cumple" las personas retratadas.


Louise Burgeois


APipilotti Rist
 Sus retratos de artistas fueron publicados por primera vez en 1994 en el libro "Cara a cara".Después de la publicación continuó para crear retratos de estrellas de la escena artística internacional. Fotos de Louise Burgeois,Richard Serra,Jasper Johns,Dennis Hopper,Joseph Beuys.
su web aqui

21 ago. 2011

Robert Wilson Video Retratos

Innovadora exposición de video retratos de Robert Wilson (artista visual) Los retratos muestran personalidades reconocidas del mundo de las artes escénicas que se encargan de un aspecto de su vida profesional al ser capturadas en el carácter, pero en el personaje inspirado en las grandes obras maestras del arte europeo. Robert Downey, Jr., Mikhail Baryshnikov and Jeanne Moreau  cada uno aparecen en monitores de 65 pulgadas de alta definición de plasma
Robert Wilson no sólo retrata a celebridades como Isabella Rossellini, Brad Pitt o Johnny Depp, sino también personas totalmente desconocidas y animales.Los retablos son acompañadas por textos, en parte, dicho por el propio Wilson, con música de Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven o los músicos y bandas como Lou Reed, Tom Waits o Negro Grande.
  Robert Downey Jr., por ejemplo, presenta el cadáver de Anatomía de Rembrandt del Dr. Nicolaes Tulp (1632) y Johnny Depp se puede ver en la fricción, lo que representa como Rrose Sélavy por Marcel Duchamp. Los sujetos son construidos y auténticos, biográficos y socio-gráfica, los retratos de sus vidas, así como de los medios de comunicación y de una época. Los retratos son historias visuales, sino también parte de la historia, o son ellos mismos la historia.








La quietud aparente de cada retrato, en el marco de imagen (monitor) es cuidadosamente concebido, organizado y dirigido Pero lo más importante, los significados de los retratos 'subyacente y los detalles del guión gráfico tardan en manifestarse. Esta cualidad, en particular,  se espera.  La celebración de la lentitud, la mayor percepción y no la velocidad , los números de los gestos de la firma artística de Wilson.
  El es el lento, el tiempo-sacudido gestos con experiencia en estos retratos en video, los ojos mucho gusto se adapta a la calidad de congelados-sin embargo-Un poco de movimiento de estas imágenes da vida a las personas famosas y menos famosas Por supuesto, los retratos de vídeo hacen todo lo posible para estar revelando así.  lo que Nietzsche afirma: ". Todo espíritu profundo ama máscaras" Básicamente, el tema y cómo es percibida se enmarca una vez por lo que parece la quietud, y una segunda vez por una presencia teatral centrado en la percepción humana Este tipo de pensamiento vínculos con el hilo conductor de los retratos de vídeo: la naturaleza muerta es la vida real. (tradutor google)

Vincent Desiderio










El realismo, aunque nos parezca obvio y gastado, sigue penetrando en el corazón de la materia, la continúa fustigando de acuerdo a un código no escrito.
Vincent Desiderio, realismo contemporáneo. El artista americano, nacido en 1955, utiliza las impresionantes técnicas usadas por los grandes maestros del pasado para traer a nuestro presente la misma emoción vista en estas obras antiguas.
Con influencias renacentistas, las obras de Desiderio fueron comparadas a trabajos de Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael, entre otros.
Es un arte que desafía a los ojos y el intelecto. Pintor un hombre de pensamiento, que habla sobre una amplia gama de pintores europeos y americanos, y reconoce libremente su deuda con varias, Desiderio aplica su aguda inteligencia y la sensibilidad emocional, obras representativas que llevan alegorías posmodernistas.

Sus grandes lienzos y trípticos  de narraciones ambiguas y enigmáticas extraídas de su vida, nuestro tiempo y la historia del arte occidental.

20 ago. 2011

Von Brandis

Von Brandis es un artista sudafricano conocido sobre todo por su trabajo “Vintage Obscene Interiors”, en el cual ha pretendido desmitificar la fina fisura que existe entre la pornografía y el arte.





El artista se dedicó durante un tiempo a recoger fotografías pornográficas de los años 60 y 70, realizadas en escenarios claramente identificativos de la época, para sustituir a las parejas protagonistas de las imágenes por espacios en blanco. De este modo y mediante la “autocensura” del autor,  sería el observador quién diera forma a la imagen, y sería por tanto su mente quien delimitara la línea entre arte, erotismo y pornografía.
La propuesta de Von Brandis fue más tarde recogida por otros artistas, entre ellos Justin Jorgensen, quién ha publicado el libro “Obscene Interiors: Hardcore Amateur Decor”.

19 ago. 2011

Nicole Eisenman

Nicole Eisenman(1965), en todo su trabajo, ella utiliza su habilidad técnica para transmitir mensajes de interés social, y estos mensajes están cargados de humor, burla, la ironía, y con frecuencia la violencia. Ella toma las señales, no sólo desde el arte clásico y neoclásico, sino también como fuentes tan dispares como Marc Chagall, de Norman Rockwell, Delacroix, Tiziano, y la vuelta del siglo-Nueva York Ashcan School. También ha absorbido los estilos derivados de los cómics, la televisión, la pornografía y las imágenes de la cultura pop. A menudo romper los tabúes, que confunde nuestras expectativas por vestirse mensajes poderosos, como una pesadilla en disfraces de arte cómodamente familiar histórico y popular, y envolviéndolos en un humor mordaz.