28 mar. 2012

Yan Shilin

 Yan Shilin
1982, Ningxiang, provincia de Hunan, graduado de Hu Bei Academia de Bellas Artes, Licenciatura de Escultura. Currently lives and works in Beijing. Actualmente vive y trabaja en Beijing.
 









En la noche inaugural de Art Beijing, una escultura de Yan Shilin de gran formato que muestra un grupo de niños medio alienígenas rodeando un sillón rosa brillante como una lengua, vendió tres copias.



Robert Mangold



 Robert Mangold 1937 Nueva York representante de la pintura minimalista, corriente abstracta tendente a la máxima simplificación de formas y colores, reducidas al mínimo para remarcar el componente conceptual de la creación artística, considerado más relevante que el sustrato material de la obra, que se ve depurada al planteamiento inicial del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial. Así, a menudo las obras de Mangold carecen de título, siguiendo el famoso eslogan minimalista de "nada de ilusiones, nada de alusiones". Igualmente, son obras sin marco deliminatorio, de aspecto irregular, con falta de proporciones en sus lados. Generalmente son obras monocromas, en pintura acrílica, de tonos pastel, sin trazos perceptibles en la aplicación de la pintura, ni signos externos de la intervención del artista, al contrario que la action painting norteamericana.

installation shot of Robert Mangold: Column Structure Paintings at PaceWildenstein Gallery, New York, February 9 to March 10, 2007,




Su pintura, que nunca ha sido precisamente popular -a pesar de haberse seleccionado repetidamente en eventos como la Documenta de Kassel (1972, 1977, 1982), la Bienal del Whitney Museum (1979, 1983, 1985) o la Bienal de Venecia (1993)-, constituye una secuencia formal que jamás se ve completada, sino que está siempre abierta, replanteando las cuestiones-clave bajo condiciones nuevas, y siendo su eje la expresión de la esencia de la pintura mediante elementos plásticos puros. De ahí, la dificultad de su práctica, dificultad que afecta asimismo a la comprensión y lectura de su obra por el espectador.


Rackstraw Downes

Nacido en Kent, Inglaterra en 1939 es un pintor cuya minuciosamente detallada, óleo sobre lienzo paisajes invitan al espectador a reconsiderar la intersección entre el mundo natural y los objetos fabricados por el hombre. Pasando de la pintura abstracta en la década de 1960, Downes ha seguido un enfoque único para el realismo que desafía la categorización estándar. Comienza cada obra con dibujos y bocetos de petróleo antes de que se pintaba minuciosamente escenas en el sitio, a fin de captar los detalles precisos de la iluminación y el clima, que pueden pasar muchos meses completando una sola pieza. Rechazando vistas pintorescas características de gran parte obra realista, sus paisajes muestran escenas en general, ignorados o desestimados por falta de una estética tradicional. Sus temas van desde las carreteras, detritus urbanos, industriales y patios de la costa este de los yacimientos de petróleo y el terreno vasto y vacío de Texas. En la pintura del paisaje americano, ya que no es, como lo ha sido idealizada, Downes impregna sujetos aparentemente normales con un poder extraordinario. Su arte está profundamente arraigada en la historia y el pensamiento de la pintura, y ha escrito ensayos de gran prestigio en los artistas visuales y literarios tan variados como John Constable, Porter Fairfield, y Samuel Beckett. Considerado uno de los pintores figurativos más distintivos de su generación, Downes es un reto concepciones familiares de la pintura realista en las obras de rigor formal y la belleza tranquila, pero muy bonita.(Traduccion Google)








25 mar. 2012

Sarah Sze

Sarah Sze nacida en Boston 1969  Massachusetts USA vive y trabaja en Nueva York.
Las Esculturas de Sze son estructuras volátiles que consisten en un conglomerado de artículos para el hogar a pequeña escala que responden y se infiltran en la arquitectura del entorno. Al igual que el flujo de información de la World Wide Web, su lenguaje compositivo toma forma mediante la sucesiva vinculación de pequeños fragmentos de información discreta en una compleja red. Con una intensidad nacida de una técnica de laborioso patchwork que es a la vez pictórico y escultórico, la interacción entre los componentes individuales y la estructura general permite a Sze explorar los límites entre el arte y la vida cotidiana.

 Ha presentado instalaciones efímeras que penetran en las paredes, suspendidas de los techos y se entierran en el suelo. La artista crea inmensas,  intrincadas obras site-specific   el interior doméstico o esquina de la calle y afecta profundamente la manera en que se ve La práctica Sze es la intersección de la escultura, la pintura y la arquitectura en la que se suma su interés formal en la luz, el aire y el movimiento con una comprensión intuitiva del color y la textura. Sze utiliza una gran variedad de objetos de uso cotidiano en sus instalaciones a partir de yemas de algodón y bolsas de té en botellas de agua y escaleras de mano, lámparas y ventiladores eléctricos. .


Sus obras son site specific, lo que significa que se apoderan del espacio particular en donde se construyen desafiando la gravedad, dimensión y lógica.

video

24 mar. 2012

Arturo Herrera

Arturo Herrera nacido en Caracas 1959 Venezuela vive y trabaja en Nueva York y Berlín, Alemania.  Recibió su licenciatura de la Universidad de Tulsa, Oklahoma, y ​​un MFA de la Universidad de Illinois en Chicago. El trabajo de Herrera incluye collage, obras sobre papel, escultura, relieve, pintura mural, la fotografía, y tapices.  Su obra se nutre de inconsciente-a menudo se entrelazan fragmentos de los espectadores de personajes de dibujos animados con formas abstractas e imágenes parcialmente tapadas que evocan la memoria y el recuerdo

When Alone Again
2001
 ...El uso de técnicas de fragmentación, de empalme, y recontextualización, el trabajo de Herrera es provocativo e indefinidos. . Para sus collages, utiliza imágenes que se encuentran en los dibujos animados, libros para colorear y cuentos de hadas, fragmentos de la combinación de personajes de Disney como con imágenes violentas y sexuales para hacer el trabajo que las fronteras entre la figuración y la abstracción y subvierte la inocencia de los referentes de dibujos animados con una psicología más oscuro .. En sus obras de fieltro, que reduce las formas a partir de un trozo de fieltro y los pines de fieltro a la pared para que se cuelga como una forma enmarañada, se asemeja a las gotas y salpicaduras de pintura de Jackson PollockPinturas de Herrera de la pared también se funden imágenes reconocibles con la abstracción, pero en una escala del medio ambiente que se compara con las cualidades de la danza y la música. Herrera ha recibido muchos premios, incluyendo, entre otros, un Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) Becas.(Traducion Google)




 

23 mar. 2012

César Ordóñez

Nació en Barcelona, ciudad donde realizó sus primeras exposiciones fotográficas a finales de los ochenta. Tras un periodo en el cual compaginó su actividad artística con su vinculación profesional a la fotografía publicitaria y de moda, en los últimos años ha establecido en Barcelona y Tokio las bases donde desarrollar sus proyectos personales, retomado con dedicación plena, su trabajo mas íntimo, vital y reflexivo. Construyendo, más allá de la dicotomía oriente-occidente, un discurso plástico y conceptual propio, fruto del intercambio de ideas y vivencias que el contacto con el país nipón le brinda. Así se han originado sus 3 últimos proyectos “tokiotas”: Ashimoto, Kagami y La Intimidad.“Ashimoto” es un término polisémico que se puede traducir como “paso”, “a sus pies” o “zona alrededor de los pies”. Será esta palabra la que dé nombre a la primera serie fotográfica de César Ordóñez, quien captura el pie y su envoltura en jóvenes japonesas. En el arte, las referencias a los pies y los zapatos son numerosas. Flaubert solía quedarse extasiado contemplando los botines de una mujer y guardaba las zapatillas de Louise Colet junto a sus cartas de amor. Más allá del fetiche, Ordóñez nos acerca a uno de los actos más femeninos y eróticos de la mujer y la manera de verlos desde una lente de cámara manipulada por un hombre y que despierta una sensación personal e intransferible.“La Intimidad” es una serie fotográfica que ahonda sobre esos momentos de soledad reflexionando en el ámbito personal de cada sujeto desde un punto de vista físico y emocional. Son imágenes que, en su inmensa emotividad, nos revelan una situación cotidiana para todos aquellos que hemos estado inmersos en lo vertiginoso de la ciudad.

 Kagami, “Espejo”: “Me reflejo en cada gota de lluvia, en cada mujer, en cada hombre. Veo mi imagen entre la multitud, a través de los paraguas transparentes que surcan las luminosas y evanescentes calles de Tokyo. La lluvia me envuelve, me acaricia, me golpea y me limpia…”


22 mar. 2012

Roberto Fabelo

Roberto Fabelo nacido en Camagüey en 1950, es un pintor, dibujante e ilustrador cubano que ha consumado cuarenta exposiciones personales y ha participado aproximadamente en unas 500 exposiciones colectivas en más de 20 países.







Desde niño uno puede enviciarse. Soy un vicioso del dibujo y no he podido curarme. Hoy pinto, algo esculturas, ensamblo cosas, pero el dibujo es de a diario: dosis de por vida. Por suerte el otro vicio que compite de igual a igual es mi familia. Mi esposa Suyu, a la que siempre llamo sueñito o puti, según la ocasión sea romántica o carnal; nuestros dos hijos: Roberto Camilo, de nueve años, y Gabriel, decinco; ángeles o diablillos, también según la ocasión, que retozan en o sobre misdibujos o pinturas.
Soy un mirón y un indagador de las gentes. En sus rostros esta todo el escenario de sus historias. Aunque crean que no, siempre los estoy observando. Lo hago con la misma pasión y curiosidad con que miro a la fascinante variedad de plantas, animales y cosas que pueblan este raro mundo.

Compro libros sobre la naturaleza y también de arte. Me interesa mirar hacia todo el arte, unque me inscribí  temprano en la tradición figurativa: aquella que proviene de Velázquez, Goya, Daumier, Kokusai, Klint, Otto Dix, hasta el gran Lucian Freud
De todas formas, tengo suerte; puedo dedicar todo el tiempo a trabajar en la creación. Admiro a muchos compañeros que son capaces de escribir o pintar y a la vez organizan, dirigen cosas y van a reuniones casi a diario. Yo también voy a reuniones, pero siempre saco mi cuaderno de apuntes y caigo de nuevo en el vicio de dibujar. Todos saben que es una enfermedad y me lo perdonan. Como también mis amigos me disculpan que no los deje fumar dentro de mi casa (vamos al jardín). Deje de fumar, pero a veces miro las volutas de humo con cierta nostalgia, aunque sin arrepentimiento.
 
   Cuando más, me acompaño de un buen Havana Club de siete años o un buen Whisky. El vino lo dejo para mi alimento preferido: el pescado.  Si me lo traen, me pasa como a Paulo Ucello antes de acostar a su mujer en la cama. Sabia que la amaría, pero primero se arrodillaba y contemplaba el paisaje de su cuerpo, obsesionado como estaba con la perspectiva. Antes de comerme un pescado, lo dibujo, es el vicio el mismo habito de mirar con otro escrutador la realidad y saber que en ella esta toda la fantasía.

Fragmento entrevista .......
De qué manera logra la conjunción entre lo grotesco y lo bello?
Hay una rara belleza en lo grotesco. En el Reparto Náutico, donde vivía, tenía al frente una señora. Era una negra gorda, bajita. Era un negro casi morado. Me recordaba, en una asociación, un caimito cuando está maduro: estiradita la piel de la fruta, una mezcla de un rojo con un violeta oscuro.
Esa señora... intenté que me posara, casi lo logré. Tendría, no sé, 50 años, y era casi redonda por completo. Era una figura rara, extraña, insólita. Hay una poesía de lo raro, y una belleza de lo raro. Y de lo que esa señora, casi grotesca en su constitución, estaba dando como forma. Y no es pasión morbosa la que hay por ese tipo de gente.
Un perro chino, con esa piel desprovista de pelo, tiene el color de... Casi feo, cuando digo casi feo digo casi bello. Y esa relación está definiendo o revelando un sentido de la belleza, que no brota solamente de las cosas lindas. Estoy hablando de ese tipo de belleza que da lo grotesco, lo exagerado, lo inusitado.
La existencia de esa realidad el hombre no la descarta, la ha incorporado a su vida misma. Una pared totalmente descascarada tiene también la belleza del tiempo que ha pasado, donde las moscas se han posado.

¿Por qué tantas cabezas?
La cabeza es lo que más veo. Es la cima del ser humano. Sobre la cabeza pongo cosas que pueden remitir a una idea totémica,  a una imagen totémica. Pero también son como las cosas que salen de la cabeza del hombre.
Además en las cabezas, en los rostros, está la historia de la gente, su pasión, su verdad, su mentira. Aunque la gente se enmascara. Eso es un rejuego, un poco "teatralesco". Y de ahí esa serie que titulé Pequeño teatro, donde quizás en las cabezas está la síntesis de todo lo que sucede. 

 
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20 mar. 2012

Regina José Galindo

 Regina José Galindo
Guatemala, 1974 vive y trabaja en Guatemala
El cuerpo llevado a situaciones extremas es el instrumento de trabajo de la artista guatemalteca Regina José Galindo.


Caparazón
El miedo en su forma sonora, en cada estallido, en cada golpe. Mi cuerpo desnudo permanece en posición fetal dentro de un domo blindada. Un grupo de individuos, armados con palos, golpea frenéticamente el domo hasta destrozar sus propias armas.
Object
Mi cuerpo desnudo, inmóvil. Alrededor de él, un sistema de alarmas y sensores que son activadas, automáticamente, cada vez que un alguien cruza el límite permitido. 
Su exposición: “Piel de Gallina”  puede verse por este mes  en el Museo Artium de Vitoria, recorremos su trayectoria: una obra valiente, cargada de simbolismo y compromiso.
comenzamos este itinerario abordando la actitud crítica del artista en relación con problemáticas sociales tan crudas como la violencia contra las mujeres, en obras como  “Perra” (2005) o el “El dolor en un pañuelo” (1999); o las formas de represión de los poderes en “Confesión” (2007),  “Caparazón” (2010) o “Limpieza social” (2006).

Punto ciego
Existe una pequeña parte dentro de nuestro enorme campo visual que no estamos percibiendo, de la que no nos llega información, que en realidad no vemos.

Mi cuerpo desnudo se encuentra de pie, en medio de una habitación vacía. Solamente personas ciegas pueden entrar al espacio. Cuando los ciegos se topan con el cuerpo se desencadenan una serie de reacciones.

(XVII Bienal de Arte Paiz. Ciudad de Guatemala, Guatemala. 2010)

Muchos de sus proyectos aluden al cuerpo de la mujer y a su objetualización en nuestra sociedad machista que directa o indirectamente nos presiona para tener cuerpos ideales. En  “Recorte por la línea” (2005) un cirujano plástico de Venezuela marca  las áreas que deberían ser intervenidas para llegar a tener el cuerpo perfecto y en “Himenoplastia” (2004) mediante una operación quirúrgica la performer se reconstruye el himen para volver a ser virgen.
Consciente del potencial de su cuerpo como material para comunicar sus preocupaciones, en sus acciones progresivamente hacen intervenir al público en la acción, que reacciona ante las situaciones extremas que propone. En esta línea, a lo largo del programa veremos distintos fragmentos de la acción  “Piel de gallina” (2012) que Regina llevó a cabo en Artium (Vitoria): encerrada durante dos horas en una cámara frigorífica de morgue, los espectadores podían observar de forma directa el proceso de congelación de la artista.
De la poesía a la acción. Sus performances abordan con crudeza la violencia social, las políticas del miedo, los abusos de autoridad, el desarraigo y las metáforas de la muerte
Peso
Regina

17 mar. 2012

Doherty Willie

Nació en Derry en  Irlanda del norte  el 1959





De niño fue testigo del Domingo Sangriento en Derry, que era un conflicto colectivo entre los católicos y Protestantes.Muchas de sus obras y fotografías se basaron en estos conflictos  Se hizo famoso en 1980 cuando publicó serie de fotos con títulos, tomadas durante el trabajo en la NI. Fue nominado dos veces para Turner prize.He ha exhibido sus obras en EE.UU. e Italia. También hizo muchas grabaciones de vídeo del conflicto llamado "The Visitor". También fotografió muchos de los edificios, los vehículos que fueron destruidos o quemados durante el conflicto comunal en Irlanda del Norte. Iba a cabo durante esos actos violentos sin temer por su seguridad.
 Algunas  de sus piezas toman imágenes de los medios de comunicación y adaptarlos a sus propios fines.

El interior de una fábrica abandonada. Un día nublado. Una escena de la destrucción total. El techo de la fábrica se ha derrumbado y el suelo está completamente cubierto con restos de metal retorcido y los accesorios habituales que se encuentran en una unidad de producción pequeña.

Un camino de país pequeño, flanqueado a ambos lados por los campos y los setos. Anochecer. Esta escena de la tranquilidad rural familiar está roto sólo por la presencia de un coche quemado en el lado de la carretera. Todas las ventanas están rotas y el interior está completamente destruida. Pequeños trozos de vidrio y otros desechos se encuentran cerca del vehículo.

Estas descripciones de dos de mis fotografías sugieren la posibilidad de una narración. Sin embargo, el potencial de desarrollo de la narrativa se resistió. En cambio, el espectador se ve obligado a ir más allá de la superficie inmediata de la fotografía y para examinar los detalles específicos de la experiencia social y económica integrada dentro de la imagen. Este acto de resistencia es fundamental para el trabajo y crea un punto de contacto con las marcas y los residuos de los incidentes y acontecimientos reales en lugares concretos.


Su trabajo consiste en estar allí. Ocupan un espacio en un presente incierto, un pasado que se encuentra en proceso de ser negado y un futuro sin historia.

13 mar. 2012

Do Ho Suh

Nació en Seúl, Corea en 1962. después de estudiar oriental
pintura en la Universidad Nacional de Seúl, y el cumplimiento de su
período de servicio obligatorio en las fuerzas armadas de Corea del Sur,
Ho Suh se mudó a los Estados Unidos. allí recibió
un BFA en pintura de Rhode Island School of Design y
una maestría en escultura en la Universidad de Yale.


 Mejor conocido por sus intrincadas esculturas que desafían las nociones convencionales de escala y el sitio de la especificidad, Suh llama la atención sobre las formas de los espectadores ocupan y habitan en el espacio público. En varias de las esculturas de suelo del artista, los espectadores se les anima a caminar sobre superficies compuestas por miles de figuras humanas en miniatura.En "Algunos / Uno de ellos," el suelo de la galería está cubierta con placas pulidas militares. Evocadora de la forma en que un soldado individual es parte de una tropa más grande o el cuerpo militar, estas placas se hinchan para formar un hueco, como un fantasma traje de armadura en el centro de la habitación. Ya sea frente a la dinámica del espacio personal en comparación con el espacio público, o explorando la delgada línea entre la fuerza de los números y la homogeneidad, esculturas Suh cuestionar continuamente la identidad del individuo en cada vez más transnacional de hoy, la sociedad global.
‘some/one’, venice art biennial, 2001
in the korean pavilion the floor is blanketed with a thousands of military nickel dog tags.
evocative of the way an individual soldier is part of a larger troop or military body,
these tags swell to form a hollow, ghost-like suit of a traditional korean dress.



‘paratrooper I’, 2004
installation at the gallery lehmann maupin, new york
image courtesy gallery lehmann maupin



‘who am we?’ (detail) 1996/2001


‘floor’ (detail)