30 nov. 2012

Eugenio Ampudia

Eugenio Ampudia(Valladolid, 1958) Vive y trabaja en Madrid

Evacuo Madrid por la puerta de Alcalá en 2008, 'hizo flotar' el acueducto de Segovia en 2009 y transportó 'nubes de memoria' procedentes de centros de arte a lo largo del Camino de Santiago. Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958), artista especializado en instalaciones, videoarte y performance

  El tiempo y el espacio son dos conceptos muy tratados en su obra. ¿Qué le interesa enseñar al público exactamente?

Normalmente trato de cosas básicas. Deconstruyo mucho cuando planteo mis investigaciones artísticas y creo que 'Temps' es un ejemplo claro de los temas que me preocupan. Se trata de reflexionar sobre algo que se desmaya ante los ojos del espectador, una manera de transmitir que el tiempo pasa y no permanece nunca, incluso cuando se concreta en un momento determinado, al siguiente se desvanece.

 A lo largo de 27 segundos esta snuff movie nos relata como una descarada naranja nos enseña sus más íntimos secretos. ¡Sexo, violencia y una fruta en la encimera de la cocina!

 Su obra, rehuye las claves de situación de la tradición vanguardista, para referirse a sí misma. Introduciendo en su mensaje diferentes medios expresivos, y una versatilidad poética reduccionista, Ampudia, traslada el medio expresivo al espectador, de tal modo, que es éste el que ejecuta la obra mediante su traducción. Desde la depuración, sus imágenes anecdóticas y recurrentes, se deslizan, sin embargo, al territorio de lo olvidado; a lo colectivo como forma de reconocernos a nosotros mismos.


27 nov. 2012

An-My Lê



An-My Lê nació en Saigón, Vietnam, en 1960. Lê huyó de Vietnam con su familia cuando era un adolescente en 1975, el último año de la guerra, colocando eventual en los Estados Unidos como refugiado político. Lê recibido BAS y una maestría en biología de la Universidad de Stanford (1981, 1985) y un MFA de la Universidad de Yale (1993). Sus fotografías y películas de examinar el impacto, las consecuencias y la representación de la guerra. Ya sea en una tensión color o en blanco y negro, sus cuadros marco entre el paisaje natural y su transformación violenta en campos de batalla. Los proyectos incluyen "Viet Nam" (1994-98), en el que Le recuerdos de un paisaje devastado por la guerra se reconcilian con el paisaje contemporáneo "guerras pequeñas" (1999-2002), en la que Lê fotografiado y participó en la Guerra de Vietnam representaciones en Carolina del Sur, y "29 Palms" (2003-04), en la que Estados Unidos Marines Preparación de la implementación acto play-escenarios en un entorno virtual Oriente Medio en el desierto de California. Suspendido entre las tradiciones formales del documental y organizaron la fotografía, la obra de Le explora la disyunción entre guerras como hechos históricos y la representación ubicua de la guerra en el entretenimiento contemporáneo, la política y la conciencia colectiva.  Ella vive en Brooklyn y enseña fotografía en el Bard College.(traductor google)





Esta escasez simultánea y exceso de información es una característica distintiva de las fotografías An-My Le. En un sentido literal, su sujeto es siempre evidente, sin embargo, subtextos la fotografía siguen siendo profundamente oculto. En la misma serie, el capitán Folsom (2003-04) muestra el comandante titular frente a un grupo de soldados con cascos en una colina en el primer plano, en el centro de la fotografía, cuatro tanques acompañados de tres Humvees están estacionados en una baja cordillera, su cañones dirigido a un enemigo no identificado en el paisaje mediocre mismo. En Pelotón de Infantería, Attack (2003-04), los grupos minúsculos de soldados corriendo y un camión convoy punto una vista panorámica.


An-My Lê, “Patient Admission, US Naval Hospital Ship Mercy, Vietnam,” 2010, A

21 nov. 2012

Rolando Castellon


 Artista nicaragüense Rolando Castellón ( Managua, Nicaragua, 1937).
Sin título
Carbón,té,acrílico sobre papel 50x65cm
Rolando Castellón 1973
Pochote
madera 45x39cm
Rolando Castellón 1997

Dice Rolando que de joven le gustaba boxear y que todavía hoy tiene un sueño recurrente: se ve a sí  mismo a punto de empezar una pelea pero ésta nunca tiene lugar. No hay peor derrota; o no hay victoria mayor. Quién sabe. Pero me gustaría imaginar ese sueño como el relato de una pelea siempre pendiente con la historia.

Castellón nunca fue a la Bienal de São Paulo, aunque más de una vez fuera invitado. Una obra suya extravió el camino a Venecia, dejando no más anunciada su participación en la Bienal del 97. Venecia 78 “Dalla natura all´arte, dall´arte alla natura”, con un tema que ya para entonces reclamaba su obra, se lo perdió (aunque no se libró de su furtiva intervención). En 1996 su participación en la Bienal del Barro, de Venezuela, se vio menguada por un repentino cambio de sede que lo desplazó de Caracas a Maracaibo. Casi nadie notaría tampoco su presencia como Leonardo Castellón en el conocido libro Tres décadas vulnerables del arte latinoamericano.  En su muestra 2005 en el MADC “Rastros Castellon hace una mirada mirada cíclica”; y creo, haciendo loa a su intuición, que no hay título más preciso para nombrar un recorrido que comienza -según su memoria- a inicios de la década del setenta (1971) y que, aparentemente, termina en el simbólico año 2000. Y digo “aparente”, pues aunque Rolando insista en que ese es el período que comprende su trayectoria “artística”, creo que no es más que uno de los muchos trazos y rastros que conforman su accidentada y  -fabul(osa)ada historia que -como él mismo insiste- es una especie de serpiente que se muerde la cola, pero que, paradójicamente, estará siempre incompleta: nunca (re)encuentra, nunca se (re)une, nunca se repite.

 Esa misma figura simbólica, mítica de la serpiente, también remite a otra de las recurrencias artísticas y vitales de Rolando: el de la memoria fragmentada, el de la vuelta y la búsqueda incesante de su “identidad” (100% mestiza, como le gusta decir): una otredad telúrica, histórica, vivencial, que se expresa en su trabajo constante con la tierra, con el barro, con esos objetos de desecho, re-hechos y re-vividos en formas y figuras simbólicas o reales, en extraños y a veces indescifrables trazos de dibujos y grabados, que de alguna manera dan cuenta de esos rastros irresolubles pero fundamentales en las muchas trayectorias de sus múltiples personalidades.(Ernesto Calvo
Director MADC )



Rolando Castellón llegó a Lisboa por primera vez en Octubre 2008 a la estación de buses de Oriente donde tomó el Metro hacia la historia que es Chiado.   
Al salir de la estación lanzó una moneda al aire hacia el destino:  cara, y dobló a la izquierda donde encontró el albergue adecuado para pasar la primera noche, protegido del clima invernal.  
Al fin Lisboa. 
Amor a primera vista.
Esta exposición es un homenaje del artista a su nueva amada ciudad: Homenaje a su gente en su cultura; a sus calles, eléctricos, muros, ventanas, jardines, avenidas; a su arte, museos, música, sus fados, vinos, gastronomía,  fiestas y algaravía, y finalmente, a su regreso por Oriente, a su barrio futurista desarrollado desde su Feria Mundial de 1998.   
Salud Lisboa, ´´volveré´´ dijo el artista, confirmando esa promesa con esta exposición.
                                                           Moyo Coyatzin
                                                    Bajamar, Costa Rica,  2011


19 nov. 2012

Takeshi Suga

 Tkeshi Suga fotografo japonés .... Los componentes de mi fotografía son la  nostalgia, el sentimentalismo, la euforia y la soledad. Estos sentimientos me dominan cuando fotografío. Mi trabajo es impulsado por la emoción. Un concepto que me interesa pero que no se me revuelve. En un día soleado bueno, hornear mis cuentos agridulces con lágrimas en los ojos.
Busco comodidad y tranquilidad en mis temas.




Disparo en 35mm, utilizando una cámara que permite hacer dobles exposiciones, que junto con filtros de colores da una apariencia de ensueño a estas imágenes de cerezos en flor, la amada flor de la cultura japonesa. El Huffington Post ha descrito mi trabajo como psicodélico: “… a través de la lente cubierta de algodón de azúcar de Takeshi Suga sientes la magia de la primavera que solo existe a través de la nostalgia”.




4 nov. 2012

Maximiliano Siñani

 
Maximiliano Siñani  artista boliviano radicado en Nueva York, Eternal circle o círculo eterno. Respecto de su obra, Siñani expresa: “¿Qué pasaría si una silla quisiera volar? Cada parte trataría de viajar por sí sola. Cambiaría su significante. Se convertiría en algo independiente. No podría ser algo que pueda ser usado por nosotros, pero por la percepción de la belleza. Se convertiría en algo que quisiera ser lo que es y no quisiera ser lo que es. La nada yendo siempre hacia un más allá y un más allá para llegar a la nada. Como una serpiente que trata de atrapar su propia cola. En círculo...”.
“Las partes son el todo, el todo son las partes”. El trabajo de Siñani se basa en la transformación de objetos de la vida cotidiana hacia nuevas funciones de acuerdo con el Tratamiento de los significantes de la Nada. Es un arte relacionado con cosas del diario vivir y objetos a los que se les da otra concepción, haciendo que el objeto sea inútil para el uso común conocido por la gente”, indica Gabriel Orozco sobre la obra del boliviano





Mas sobre Maximiliano