31 oct. 2011

Myoung Ho Lee

(Daejeon, 1975) es un fotógrafo afincado en Seúl que saltó a la escena internacional en 2007 tras la publicación en Lens Culture de una serie fotográfica titulada Tree. La atención crítica que han logrado estas fotografías no responde únicamente a su notable belleza, ya que en ellas su autor ha puesto en juego elementos que implican no solo un cierto género de fotografía conceptual, sino también al Land-Art y a la pintura. El autor define su obra como un "Photography-Act", pero según algunos la serie extiende sus encantos hacia campos como la Botánica y la Ecología.

 Nada más y nada menos que la realización de algo así como una imagen mental: aislar un objeto (un objeto particularmente complejo como es un árbol) de su entorno. A pesar de la pulcritud de la imagen, fijarla requiere una planificación y un despliegue de medios que de la fotografía final solo puede deducirse, pues su perfección no deja rastro del método de ejecución. aunque en primera instancia no alcancemos a discernirlo con claridad, en nuestro fuero interno intuimos que el encanto de estas imágenes hunde sus raíces en ciertos rasgos muy particulares del arte oriental.



El egocentrismo estético de Occidente tiende a minimizar el hecho incontestable de que en el Lejano Oriente se desarrolló mucho antes que aquí una poética del paisaje -dotada de hondo calado espiritual y de refinadísima construcción- que no terminaría de contaminar a nuestros artistas de un modo profundo hasta la irrupción del Postimpresionismo. Muy probablemente el origen de la poética visual que rige la serie de Myoung Ho-Lee se encuentra en el arte de la estampa y el dibujo a tinta japonés, es decir, en el terreno del Ukiyo-e y aún más en el del Sumi-e.En todas las fotografías se ha respetado cuidadosamente el eje frontal, lo que contribuye a reforzar la lectura bidimensional de la imagen.



El enorme lienzo blanco actúa como un papel de arroz presto a recibir la mancha alveolar del árbol, su perfil único. De hecho, el fotógrafo podría haber ceñido su encuadre fotográfico al encuadre de ese enorme papel de arroz, haciendo que ambos coincidan: esto hubiera sido lo estrictamente necesario para revelar (igual que la revelación química de la imagen sobre el soporte fotográfico) la inextricable estructura de cada uno de los árboles.
 Sin embargo, Ho-Lee ha retranqueado el borde la imagen, y nos deja ver una enorme porción del paisaje que circunda al árbol escogido. Es como si una imagen contuviera a otra dentro. Una pequeña mise en abîme que tiene más de un efecto. Por un lado saca a la luz la provisionalidad y la teatralidad ligeramente onírica de la imagen, porque esta interrupción del paisaje, aún siendo de gran tamaño, nos parece minúscula en relación al contexto, cuyo coprotagonismo conecta con el espítiru del

Land-Art. Por otro lado, la naturaleza magrittiana de la imagen introduce un juego perceptual que pone en cuestión la noción de imagen, encuadre, marco, profundidad, perspectiva y escala, y cuyo principal logro consiste en que el espectador, no necesariamente al tanto de cada uno de los extremos de este análisis, siente sin embargo el deseo de detenerse ante la imagen, quedando cautivado por la inteligencia y la inusual delicadeza de su elaboración.

30 oct. 2011

John Currin

John Currin 1962 pintor americano



El trabajo de Currin es una fabulosa exploración de viejos estilos pictóricos que van del renacentismo a la escuela flamenca, pasando por Lucas Cranach, así como por el lujo indulgente de Fragonard y Boucher.
Este artista parece celebrar el arte malo a través de aparatosas paráfrasis de diversos pintores, especialmente de algunos poco conocidos ("Un artista aprende mucho más de los artistas segundones que de los grandes maestros", explica). Su trabajo consiste en retratos kitsch, fusiones de estilos clásicos con elementos de la publicidad contemporánea (los anuncios de Calvin Klein vienen a la mente) y un sentido perverso de la elegancia grotesca. Pero lejos de hacer simples pastiches o caricaturas ingeniosas, Currin trabaja con un gran rigor para convertir a sus personajes imaginarios –pues no se inspira en mujeres reales ni mucho menos en modelos– en seres postapocalípticos, cyborgs modeladas por la cultura de la decadencia, mutantes de una era de excesos que llevan impresos en la piel sus vicios y virtudes.
El trabajo de este artista está impregnado de un denso humor negro, de una poderosa carga paródica en la que las imágenes familiares súbitamente se han transformado en escenas de delirio febril. De modo semejante a los artistas pop que sacaban cosas cotidianas de contexto para convertirlas en algo distinto, Currin secuestra iconos de la historia del arte para volverlos herramientas para descifrar nuestra realidad, para situarnos en un tiempo neutral e indefinido, para aislar a las criaturas sociales que nos rodean y reconocernos en la fauna de los seres que se han moldeado a sí mismos a través de sus fantasías.


 

29 oct. 2011

Paula Rego




Paula Rego es una pintora e ilustradora nacida en Portugal en 1935, vive en Inglaterra desde 1975 y muchos ya la consideran una pintora inglesa. Utiliza técnicas diversas como el óleo, pastel y collage y sus personajes son extraños y perturbadores, mujeres de facciones masculinas y duras , escenas fetichistas o extraídas de cuentos infantiles con animales o niños como actores principales.De historias extrañas e inquietantes en las que salen a relucir los impulsos más oscuros del subconsciente a través de escenas con animales y niños (más bien niñas) perversos. En el fondo son fábulas de un humor tragicómico.


"Muchos de los cuadros que yo pinto son historias y a veces no sé en qué escenarios situarlos. Con frecuencia hago uso del recuerdo de sitios que conocí en mi niñez, como la casa de mi abuela en Lisboa. Nunca suceden en Londres. Aunque mi estudio está aquí y es el lugar donde todo cobra forma

Sus personajes suelen ser inquietantes, con un lado oscuro. ¿De dónde provienen esas ideas o historias?
Normalmente vienen de historias que he leído. Como Jane Eyre, de Charlotte Brontë; El crimen del padre Amaro, de Eça de Queiros; Nada, de Carmen Laforet. Un libro precioso. A veces leo obras que me inspiran, pero mis pinturas no son ilustraciones. Son una interpretación de lo que me hacen sentir.

28 oct. 2011

Misha Gordin


 Misha Gordin es un fotógrafo ruso nacido en 1945 dedicado por completo a la fotografía conceptual de una brillante manera. Como él mismo escribe:Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.


E n una unidad de sueño y lo real
  Desde los rincones más oscuros del corazón
Como una sombra del pasado turbio
  Surge un llamado a la oración solitaria





27 oct. 2011

BEATRIZ GONZÁLEZ

Pintora, historiadora y crítica de arte santandereana (Bucaramanga, 1938). Beatriz González Aranda estudió Bellas Artes con Juan Antonio Roda en la Universidad de los Andes e hizo un curso de grabado en la Academia Van Beeldende Kunsten de Rotterdam. Como historiadora ha publicado: Ramón Torres Méndez, entre lo pintoresco y la picaresca (1985), Roberto Páramo, pintor de la sabana (1986), José Gabriel Tatis, un pintor comprometido (1987), Fídolo Alfonso González Camargo (1987) y "Las artes plásticas en el siglo XIX", en la Gran Enciclopedia de Colombia (1993). Beatriz González tiene una amplia producción que se remonta a los primeros años sesenta. En 1964 se presentó por primera vez en Bogotá con una exposición sobre La encajera del pintor holandés del siglo XVII Jan Vermeer.
Inspirada en este cuadro, Beatriz González realizó una serie de variaciones de indiscutible buen gusto. Su obra se caracterizó por los colores vivos y planos y las composiciones armónicas. Posteriormente vinieron, en 1965, las variaciones sobre La niña-montaje, en las que reafirmó su refinamiento cromático.
Beatriz González ha trabajado numerosas versiones de obras de grandes maestros. Desde La encajera de Vermeer hasta el Guernica de Pablo Picasso, titulado Mural para fábrica socialista, la artista ha hecho variaciones de Leonardo da Vinci, Rafael, Sandro Botticelli, Jean-AugustDominique Ingres, Jean-François Millet, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Edgar Degas, Pierre-August Renoir, Georges Braque, etc. Dos razones han llevado a Beatriz González a trabajar con obras famosas de la historia de la pintura: su inhabilidad para componer y su admiración por las obras artísticas. La pintora confiesa tener una visión prejuiciada de la historia del arte. A toda hora, en todas partes, asocia experiencias visuales con cuadros famosos.

la artista trabaja sobre superficies de diversos materiales y texturas (láminas de metal, maderas varias, toallas, hules, cubrelechos, etc.) debe inventar constantemente nuevas facturas. Con óleos, esmaltes o acrílicos, Beatriz González no sólo domina cada una de las técnicas, sino que trabaja con una gama muy variada de colores. Desde sus óleos sobre lienzo de comienzos de su carrera, hasta los telones pintados en acrílico y el Guernica (1981), realizado en esmalte sintético sobre tablex, pasando por sus numerosos esmaltes sobre lata (muchos instalados en muebles como "marcos"), Beatriz González se ha dado el lujo de dominar los medios y procedimientos y, sobre todo, de transvasar con talento las pinturas en que se inspira.



Beatriz González recuerda: “Cuando la pareja real se encontraba en Cartagena, un fotógrafo atrevido la tomó por detrás en el momento preciso en que el viento le levantó la falda a la princesa.” [Entrevista con la artista, mayo 18 de 2009.] La fotografía fue publicada en blanco y negro en el diario El Tiempo. La artista tomó el recorte de prensa, copió la imagen y la convirtió en una edición de serigrafías a color que tituló Los reveses de la realeza.
Junto con esta obra, la artista realizó la edición serigráfica titulada La actualidad ilustrada, que también se refiere a la visita a Colombia de la Princesa Ana y el Capitán Phillips. De acuerdo a Beatriz González, “Cuando llegó la pareja real, los anglófilos y aspirantes a tratos con la realeza le hicieron invitaciones. Una de ellas fue un almuerzo en la hacienda de Miguel de Germán Ribón. Creo que le dieron ajiaco. Cromos tenía la foto de la pareja en la finca en la carátula.” [Entrevista con la artista, mayo 18 de 2009.]
En las ambas serigrafías, la presentación frontal de las formas y la superposición y ordenamiento de planos de color contrastantes produce un efecto publicitario; sus uniones desajustadas recuerdan los resultados imprecisos en la impresión de los medios gráficos de circulación masiva como prensa, postales y estampas. Las imágenes están cercadas por un marco que simula la forma de los bordes de las estampillas postales, un detalle intencionado que enriquece las posibilidades de interpretación de ambos trabajos. 


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26 oct. 2011

Maria Fernanda Cardoso

  Maria Fernanda Cardozo nace en Colombia 1963-vive en Australia-el encantamiento de la artista con todos los aspectos de la naturaleza. Su producción artística se ha caracterizado por el uso de materiales poco convencionales y por la ejecución meticulosa de sus obras la cual ponen en evidencia su fascinación  con el mundo natural y la compleja relación del ser humano con éste. Moscas, lombrices, lagartijas, ranas, pulgas, mariposas, tusas de maíz, totumas, dulces de guayaba, huesos, corales y estrellas de mar, son algunos de los materiales previamente empleados por la artista como elementos formales con el fin de descontextualizarlos y darles un nuevo significado.





Jardín de insectos, una serie de delicados paisajes construidos por el movimiento espontáneo y discreto de diversos insectos como palitos (Phasmatodea), hojas (Phyllium bioculatum), mariposas hoja seca (Kallima paralekta) y grillos. Todos estos, obtenidos en el Museo de Historia Natural de Australia.
A todos los estudió y crió durante cuatro años, en el balcón de su apartamento en Sidney. Allí descubrió que "se camuflan en las ramas de los árboles para sobrevivir al acecho de los depredadores".
En efecto, al mirar estos refinados jardines, que se confunden con fotografía y dibujo, no se hace evidente la presencia de estos animalitos. Pero al aguzar la vista, empiezan a saltar uno a uno, con sus colores y siluetas estilizadas tan parecidas al bambú.

Esto se refuerza al observar los videos que también hace la artista, en los que, en ese paciente ritmo que tiene la naturaleza, vemos cómo despliegan sus miembros y exponen que simplemente están vivos.
"las personas nos disfrazamos para ingresar en grupos sociales y pasar inadvertidos", dice Cardoso.
Circo de Pulgas varios años antes de la realización de la idea del Circo Cardoso Flea, María Fernanda Cardoso comenzó a investigar la historia del circo de pulgas y la enseñanza misma del arte perdido de las pulgas de formación. Popularizó en el siglo XIX, los circos de pulgas se realizaron actuaciones novedad para pequeños grupos de espectadores, dos variedades están documentados-que utiliza "un juego de manos" para crear la apariencia de las pulgas real, y un segundo que utiliza las pulgas real.
Su web AQUI

25 oct. 2011

Gabriel Orozco

"La única espontaneidad consiste en provocar un encuentro original"
Gabriel Orozco(1962) pertenece a la última generación de artistas surgida en el siglo XX. Su obra se ubica en esa zona de completa accesibilidad, como la describía el artista brasileño Hélio Oiticica, en la que nadie "se siente constreñido por estar en presencia del arte [porque] se trata de las 'cosas' que vemos todos los días sin de veras mirarlas". "Una especie de comunión con el ambiente" o, según diría el propio Orozco, la vida cotidiana vista como un "proceso funcional", en el cual el artista deja de ser un creador de formas inéditas para volverse una suerte de "desestabilizador" de la identidad de los objetos cotidianos, que al ser en alguna medida intervenidos, toman nuevos y movedizos sentidos.








 "Creo que he logrado que nadie espere nada en particular de mí. Eso me ha permitido concentrarme en lo que quiero hacer, disfrutar los riesgos artísticos que corro, y al mismo tiempo lograr cierta complicidad con la gente que goza viendo cómo me meto en problemas, incluso pictóricos, aparentemente irresolubles y sin futuro evidente. La decepción ha sido un modo de generar un impasse o una limpieza en mi ego y en el del espectador. Yo no creo que exista un público “verdadero” como sugiere Duchamp. El público es una conjetura generada por la obra de arte, que es la que también convierte temporalmente a ciertos individuos en creadores de eso nuevo que acaban de experimentar o entender. La percepción de una obra de arte cambia todo el tiempo, y no hay garantía de que en cincuenta años la gente va a entender mejor el trabajo de un artista."

Es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz autor de una obra amplia y polivalente que abarca desde la escultura hasta las instalaciones espontáneas, pasando por la fotografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto.

Desde mediados de la década de 1990 se le consideraba el más significativo e indefinible renovador, y corroboraba lo atrevido de sus ideas cada vez que exponía, por ejemplo, una caja de zapatos. “Una cosa vacía de significado, recipiente de polvo y caja de la nada”, decía. A los comentarios más hostiles, entre el alud de críticas que recibía, respondía: “Sí, cualquiera pudo hacerlo, pero yo tuve los huevos”.
Por contra, respaldaba con impresionante prueba fotográfica la concentración y minuciosidad que requerían muchos de sus trabajos. Por ejemplo, en Black Kites, una calavera que en 1997 cubrió con franjas entrecruzadas hasta formar un ajedrez desfigurado. Orozco decía dibujar así en la tercera dimensión. Cuando salía a la calle no llevaba ni una cámara, pero con su método de trabajo quería “generar un espacio de resignificación o dislocación y reconsideración” de su entorno.
Buena parte de la originalidad y el eclecticismo que caracterizaban su obra, y de las que se preciaba, provenía del rescate y la exploración de los objetos y materiales más dispares. Muchos de ellos iban de la calle a su taller y de ahí a un museo. Entre sus creaciones se encontraban innumerables piezas perdidas, residuos urbanos, materiales efímeros y otros testimonios de la industria y el consumo.

Con respecto al comisario o curador en su opinión, "el artista necesita de ese comisario conciencia y espejo, que le ayude a descubrir lo que él mismo no ve en su obra” 

24 oct. 2011

Hans Peter Feldman

 Hans Peter Feldman1941 es un artista visual alemán es una figura reconocida del movimiento denominado arte conceptual y ha llevado a cabo muchos libros artísticos en diferentes formatos.

Durante años, Feldmann ha coleccionado, clasificado, recortado y pegado imágenes que componen su propio museo: fotos de aficionado, fotocopias, postales, juguetes... Y es que Feldmann elige entre las cosas que nos rodean y las expone a nuestra atención utilizando procedimientos muy sencillos.
Buscando en lo cotidiano una fuente de inspiración, el artista toma imágenes de objetos como herramientas, aviones, rodillas, o de hechos insignificantes, como un barco que pasa o una mujer limpiando una ventana.
Hans Peter Feldman muestra un gran interés en las series de imágenes, en las agrupaciones, creando una especie de álbumes de fotos o de colecciones de souvenirs.
Su trabajo se podría agrupar en dos etapas, separadas por diez años de silencio. La primera fase de actividad artística se desarrolla entre 1968 y 1980, periodo en el que se dedica a coleccionar imágenes y objetos.

Su actitud crítica frente al mundo del arte y la cultura, le llevan en 1980 a abandonar el circuito artístico y a abrir una tienda de recuerdos, curiosidades, objetos de segunda mano y antigüedades en Düsseldorf, su ciudad natal.

Hans-Peter Feldmann   creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos.

 “Feldmann engaña. Parece sencillo y es muy complicado. Parece fácil de masticar y está lleno de espinas. Parece narrativo y ofrece algo opaco. Parece impersonal pero cuenta cosas muy íntimas. Luce directo y acaba siendo oblicuo.”

22 oct. 2011

Will Cotton

Nacido en Melrose 1965 (Massachussett USA) artista del algodon, musas durmiendo en nueves de algodón, o en una caverna de helado, o vestidas con crema de torta, son algunos de sus temas.

"Mi impulso inicial para hacer estas pinturas realmente salió de la conciencia del paisaje de los consumidores que vivimos cada día estamos bombardeados con cientos, si no miles de mensajes diseñados específicamente para incitar el deseo dentro de nosotros"
"Estas pinturas son de un lugar muy específico", dice Cotton, "Es una utopía donde todo deseo se cumple todo el tiempo, lo que significa en definitiva que no puede haber deseo, ya que no hay deseo sin falta"
"El sueño del paraíso, de una tierra de abundancia, es un hilo que corre a través de toda la historia humana, no sólo en los tiempos prósperos, pero de hecho, muy a menudo en la carne magra también"


Algunos artistas se inspiran en cantantes pop: Andy Warhol, Elvis Presley replicado en serigrafías, Jeff Koons inmortalizado Michael Jackson en esculturas de porcelana, y Jim Dine colaboró ​​con los Beatles. Para Will Cotton   la musa  parece ser Katy Perry El artista ha trabajado con Perry en varias ocasiones, sobre todo como el director artístico de su video musical "California Gurls".. Además, la pintura de algodón de Perry que representa a la cantante en una nube de algodón de azúcar, como mechones fue la portada de "Teenage Dream Cotton aprovecha el lenguaje común de la cultura de consumo compartido a través de las fronteras geográficas.